Between You and I. Anthony McCall, 2006

La obra del artista británico Anthony McCall se centran en el manejo de la luz como un instrumento de composición volumétrica que interactúa con el espectador.

A caballo entre el dibujo, la danza y la arquitectura, McCall [...]]]> Las piezas artísticas de Anthony McCall

Between You and I. Anthony McCall, 2006

La obra del artista británico Anthony McCall se centran en el manejo de la luz como un instrumento de composición volumétrica que interactúa con el espectador.

A caballo entre el dibujo, la danza y la arquitectura, McCall nos propone una visión del espacio que profundiza en la relación entre espectador y pieza artística, sugiriendo un diálogo de interacciones. De alguna manera, en esos trabajos la luz se puede tocar y recorrer sintiendo su cualidad física, tanto para entender su forma y la geometría de los espacios generados por su recorrido como la gneración de una experiencia presidida por la curiosidad.

Como ocurre con la serie Netykavka de 2014, unas instalaciones que juegan con ls proyección de la luz sobre un fondo oscuro para crear diversas figuras espaciales. O “luz sólida” como las define el propio artista.

Netykavka #1 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #1

Netykavka #2 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #2

Netykavka #3 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #3

Más Información:
Anthony McCall. Página del artista

Hoy nuestra colaboradora Dulce Xerach nos invita a un paseo imaginario para ver una pequeña y singular pieza de arquitectura situada en la pequeña isla de Teshima en Seto, el mar interior de Japón entre Honshu y Shikoku.

Interior del espacio creado por Ryue Nishizawa y Rei Nato. Foto: Louise McKnoulty

Hoy nuestra colaboradora Dulce Xerach nos invita a un paseo imaginario para ver una pequeña y singular pieza de arquitectura situada en la pequeña isla de Teshima en Seto, el mar interior de Japón entre Honshu y Shikoku.

Allí, se ha instituido un festival artístico singular: la Trienal de Arte de Setouchi que va a celebrar una nueva edición en los próximos meses. Es un encuentro que dura desde la primavera al otoño y que invita a artistas y arquitectos a desarrollar trabajos de todo tipo que se sitúan en varios emplazamientos. En ese espacio dedicado a la expresión contemporánea han intervenido miembros reconocidos de la comunidad artística internacional como Hiroshi Sugimoto, James Turrell y Jaume Plensa. También arquitectos japoneses de relieve como Tadao Ando y el premio Pritzker, Riue Nishizawa han realizado diversos proyectos.

Pero ninguno tan singular como el Museo de Arte de Teshima de Riue Nishizawa y Rei Nato sobre el que nos habla Dulce Xerach.

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La isla de la arquitectura sutil
Por Dulce Xerach

Vista aérea del complejo inserto en la isla de Teshima. Foto: Iwan Baan

El viaje que le voy a proponer lleva su tiempo. Si quiere subir a un avión e ir pronto y sin dilación olvídelo. La isla de la arquitectura sutil requiere otro esquema mental. No llegan hasta ella vuelos internacionales, ni siquiera llegan a un destino cercano. Prepárese para un largo viaje en carretera o tren y luego para tomar un ferry.

Luego, cuando por fin llegue al puerto tamaño bolsillo (y no pasa nada porque no los quieren más grandes sino tal y como son ahora) de la isla de Teshima (Japón), encontrará que solo un millar de personas viven en ella, todas repartidas en cinco ciudades minúsculas. Entonces coja un autobús, o mejor alquile una bicicleta motorizada para pasear por las pequeñas colinas. Al final, tras recorrer el paseo marítimo, en un recóndito lugar de Takamatsu, perdido en los mares de la prefectura de Kagawa, encontrará un maravilloso y sutil museo.

La estructura mide tan solo 40 metros por 60 metros, con una altura máxima de 4,5 metros. Es una estructura de hormigón sin pilares o columnas donde apoyarse. La naturaleza de los alrededores entra directamente a través de las dos aberturas de su orgánico y horizontal espacio interior. Las plantas que se utilizan son las malas hierbas indígenas que crecen en Teshima, nada más, y el museo se convierte así en parte del entorno. Más que un edificio es un lugar, es parte de la naturaleza.

Sí, un museo construido enteramente de hormigón. Pobre material el hormigón que nunca se sugiere por la mayoría de la gente como uno de los mejores medios y materiales para lograr la expresividad y el confort y sin embargo es el material perfecto si se sabe utilizar con maestría.

Zona de acceso al Teshima Art Museum. Foto: Iwan Baan

La arquitectura en forma de una delicada gota de agua del Teshima Art Museum fue diseñada por el arquitecto Ryue Nishizawa que recibió junto a Kazuyo Sejima el premio Pritzker en 2010, casi nada.

La audaz curva diseñada por el japonés era poco probable que pudiera construirse según los primeros ingenieros consultores que analizaron el proyecto, pero el arquitecto creía en ello y se empeñó hasta que los ingenieros fueron capaces de ajustar con precisión la forma que él quería. Esos desafíos son los que hacen que la arquitectura avance y solo son posibles cuando se cuenta con arquitectos que verdaderamente viven para la arquitectura (no de la arquitectura) y disfrutan de su profesión.

A pesar de que la intención inicial del museo había sido crear un espacio flexible que puede adaptarse a una variedad de obras de arte, este terminó albergando una sola creación, la sublime, sutil y vaporosa instalación del artista Rei Naito, inspirada en la arquitectura de Nishizawa y titulada Matrix.

Las gotas de agua se filtran aquí y allá a través de agujeros y se posan en el suelo, y luego se deslizan, frágiles, a lo largo de su superficie suavemente inclinada de manera imperceptible. Gotitas que luego absorben otras gotas mayores y forman charquitos. Una escena de una sutileza increíblemente atractiva. Simple pero de profunda belleza. De esas que emocionan a los niños y a los adultos que aún tienen esa capacidad intacta.

El paisaje también es indulgente. Dos aberturas ovaladas introducen el viento y la lluvia en el interior del museo que busca la paz con la naturaleza. Pequeño, simple, y sin embargo, increíblemente, más de 11.000 personas visitaron la isla en tan solo dos semanas tras la apertura para ver eso, casi nada, pero ¡qué casi nada de perfección y belleza!, de encuentro con uno mismo y con la naturaleza. Eso fue en 2010, luego los visitantes han continuado, como un diminuto pero constante río de gente sensible que quiere ir al menos una vez en la vida a un lugar tan especial.

Es como una negociación entre la tierra y el cielo, donde se puede caminar libremente simplemente observando, sintiendo. Y lo más curioso es que algo tan pequeño ha convertido a Teshima en un destino turístico del que enamorarse. Eso sí, de viajeros especiales y no de los que solo buscan all inclusive.

Grillo y gota de agua. Teshima Art Museum. Foto: Iwan Baan

Más información:

Museo de Arte Teshima. Arquiscopio 15/09/2012

Teshima Art Museum – Ruye Nishizawa in DETAIL. Metalocus 10/06/2011

Setouchi Trienal 2016. Página oficial del evento

La isla de la arquitectura sutil. El Día 14/02/2016

En un mundo dominado por la economía, la basura y el ruido, algunos aspiran todavía a [...]]]> Vista de Amanohashi Date.
El famoso Puente de los Cielos, un camino  de pinos plantados sobre una barra costera de arena que está junto a la península de Tango, al norte de la ciudad de Kyoto.

En un mundo dominado por la economía, la basura y el ruido, algunos aspiran todavía a la poesía como un reducto imbatible más allá de las necesidades desde el que recuperar la serenidad creativa y la percepción de lo sagrado.

Como trató Heidegger de explicarnos en una conferencia, interpretando las palabras del poeta romántico Friedrich Hölderlin.

Grullas. Lecciones rápidas de dibujo simplificado. Hokusai, 1812
En esta lámina se refleja uno de los ejercicios favoritos del gran artista japonés: Dibujar una forma con un solo trazo de tinta.

 A comienzos del siglo XXI, la música popular que inunda nuestros oídos y ojos, ha acabado por convertirse en una industria cuyos productos se diseñan masivamente a través de amplios equipos humanos y complejos mecanismos matemáticos. Esas canciones que nos persiguen desde altavoces ubicuos y pantallas omnipresentes son el resultado del análisis exhaustivo de variaciones textuales y de la utilización de programas tecnológicos para la producción de melodías que resulten agradables. Se trata de un esfuerzo que busca enganchar a los oyentes, una actividad teñida económicamente en la que trabajan amplios y sofisticados equipos multidisciplinares.

Así, han acabado vendiéndonos como poético algo que carece del más mínimo halito sensible o intelectual. Un sustituto barato para el consumo masivo de una demanda creciente de referencias románticas. Algo parecido ocurre con las artes plásticas y la arquitectura. Hoy, estas artes se valoran solo y exclusivamente por su reflejo numérico contable o por su constante y calculada aparición ante nuestros ojos.

Cuando la producción cuantitativa de resultados acumulables ha acabado relevando a la creación sincera, observamos la sustitución de lo autentico por el constante apilamiento de basura, desechable casi instantáneamente. Si los propósitos de enriquecimiento predominan y sus esfuerzos para convencernos de la falsedad son evidentes el arte ya no está ahí, se ha convertido en publicidad, un anuncio casi un mecanismo para atraer la atención. Como dice el gran pensador japonés D.T. Suzuki: “la belleza desaparece, las feas manos humanas se hacen demasiado visibles”.

No por eso, la humanidad ha declinado en esa pretensión poética hacia la belleza. Es algo que siempre ha estado ligado a la trascendencia. Por eso  aspiramos a la acumulación de experiencias verdaderas, un elixir cada vez más escaso en este mundo dominado por el apilamiento agotador de sucesos, objetos y situaciones cotidianas cada vez más irrelevantes.

A este respecto, Martin Heidegger nos ha dejado un magnífico legado sobre el significado de nuestra inclinación al arte, un recorrido personal que colma ese aspirar a una comunión con los dioses. En un texto en el que reflexiona sobre un poema de Hölderlin nos presenta esa voluntad humana de lograr el acceso a experiencias singulares e irrepetibles que nos indiquen algún camino para interpretar lo inescrutable.

El Karesansui del Templo del Pabellón de Plata en Kyoto.
Este jardín de arena acompaña al famoso pabellón que servía de espacio de retiro y meditación para el Shogun Ashikaga. parece que fue diseñado por Soami y su característico cono de grava blanca trataría de rememorar el paisaje de aproximación al monte Fuji.

Decía Hölderlin en un poema:

“¿Puede, cuando la vida es toda fatiga, un hombre

mirar hacia arriba y decir: así

quiero yo ser también? Sí. Mientras la amabilidad dura

aún junto al corazón, la Pura, no se mide

con mala fortuna el hombre

con la divinidad. ¿Es desconocido Dios?

¿Es manifiesto como el cielo? Esto

es lo que creo más bien. La medida del hombre es esto.

Lleno de méritos, sin embargo, poéticamente habita

el hombre en esta tierra. Pero más pura

no es la sombra de la noche con las estrellas,

si yo pudiera decir esto, como

el hombre, que se llama una imagen de la divinidad.

¿Hay en la tierra una medida? No hay ninguna”

Y, efectivamente, “poéticamente habita el hombre en esta tierra“, como nos señala Heidegger excavando entre esos párrafos. Dice el filósofo sobre estos pensamientos:

“Cuando Hölderlin habla del habitar está mirando el rasgo fundamental del estar del hombre. Pero lo «poético» lo ve él desde la relación con este habitar entendido de modo esencial.
Esto ciertamente, no significa que lo poético sea un adorno y un aditamento del habitar. Lo poético del habitar no quiere decir tampoco solo que lo poético, de alguna u otra forma, ocurra en todo habitar. Las palabras «…poéticamente habita el hombre…» dicen más bien esto: el poetizar es lo que antes que nada deja al habitar ser un habitar. Poetizar es propiamente dejar habitar. Ahora bien, ¿por qué medio llegamos a tener un habitáculo? Por medio de edificar, como dejar habitar es un construir.”

Así, ambos parecen indicarnos que, ante el crepitar de fuegos fatuos que nos envuelve en la realidad contemporánea que nos ha tocado vivir, sería conveniente dedicarnos a indagar la manera de edificar experiencias verdaderamente enriquecedoras para nuestro espíritu.

Algo con lo que es muy laborioso comerciar en su irreductibilidad existencial. La construcción de lo auténtico es un don difícilmente racionalizable desde la cuantificación. Y, por tanto, no es medible con los parámetros al uso. Solo se alcanzan experiencias autenticas desde la subjetividad más absoluta.

Por ello, frente a la esclavitud de la economía, construyamos nuestro entorno poéticamente. Algo para lo que el dinero es inútil y prescindible.

A veces las cosas más simples contienen una gran densidad de contenido. Es lo que representa la propuesta de pabellón que ha ideado el arquitecto japonés Ryue Nishizawa para la ciudad de Kanawa [...]]]> El espacio interior del pabellón, resultado del alabeo y de formación de los planos formados por las láminas metálicas.

A veces las cosas más simples contienen una gran densidad de contenido. Es lo que representa la propuesta de pabellón que ha ideado el arquitecto japonés Ryue Nishizawa para la ciudad de Kanawa en la isla de Shodo.

Inserción de la propuesta escultórica en el patio de la escuela de Kanawa Pabellón Fukita. Idea básica de plegamiento. Ryue Nishizawa, 2013

El pabellón Fukita es un proyecto que ha sido resultado de un encargo del Festival Internacional de Setouchi. Art Setouchi es un encuentro que se celebra cada tres años en Japón y propone la realización de piezas artísticas en el territorio por las doce islas existentes en el mar interior Seto. es un evento que se centra en la estimulación de la creatividad comisionando la ejecución de obras a diferentes artistas y arquitectos en los distintos paisajes insulares, urbanos, rurales y naturales.

En la edición de 2013, el arquitecto tokiota Ryue Nishizawa recibió el encargo de transformar una antigua escuela en un centro cultural para el barrio circundante de la ciudad de Kanawa. Allí aportó la idea para situar en su patio jardín este espacio a modo de pabellón que conforma un ambiente que queda definido de una forma increíblemente escueta.

El recinto escultórico está formado por dos láminas colocadas paralelamente y formadas por piezas metálicas rectangulares que se distorsionan al plegarse por sus extremos. La inserción mantiene un respeto escrupuloso hacia los árboles presentes en el lugar que trata de no tocar. Y en su caso, abriendo pequeños agujeros para el paso de sus troncos. De esa manera tan sencilla -que remeda el comportamiento del papel en tensión- se logra generar un espacio de superficies alabeadas que se inscribe entre la vegetación existente para ofrecer un lugar de descanso y contemplación inusual. Es una reflexión simplísima sobre las posibilidades del plegamiento y de las posibilidades espaciales de la superposición de dos superficies alabeadas.

Al igual que ya haría junto a Kazuyo Sejima en el pabellón desarrollado para la Serpentine Gallery de Londres en 2007, aquí la construcción está pensada a la escala de los niños más pequeños, unos personajes que pueden desplazarse por su interior con facilidad. Mientras las personas mayores, padres y cuidadores solo pueden entrar agachándose y arrastrarse para pasar de un extremo al otro en una especie de rememoración de las surrealistas transformaciones de Alicia en la famosa obra de Carroll..

Es, por tanto, un espacio pensado para la ensoñación y para experimentar la medida del espacio distorsionado frente a la realidad geométrica que suele acostumbrarse. El arquitecto sugiere aquí que estamos ante una estructura que se plantea sin ningún sentido de orden o jerarquía; y que permite su exploración desde cualquier dirección. Aquí, Nishizawa trata de estimular la imaginación en un entorno neutro coloreado de beige generando una poética amable y acogedora dedicada especialmente a la infancia. Expresa la fascinación de lo sencillo para generar una experiencia compleja.

Este pabellón es así un territorio neutro que, desde un alto nivel de abstracción genera una urbanidad alternativa desde la ambigüedad espacial. En cierta medida, el arquitecto trata de estimular la creatividad desde el enigma de un espacio sin objeto concreto.

 Más información:

Ryue Nishizawa encompasses curves and folds. Behance.net
Art Setouchi
 

En 2010, con motivo de la Bienal de Arquitectura de Venecia, tuvo lugar la exposición titulada The Art of Piranesi. Fue una muestra en la que se exhibieron reproducciones de determinados diseños del artista realizados con una depurada técnica de impresión [...]]]> Portada de la colección de grabados Carceri d’invenzione. Gian Battista Piranesi, 1745-1760.

En 2010, con motivo de la Bienal de Arquitectura de Venecia, tuvo lugar la exposición titulada The Art of Piranesi. Fue una muestra en la que se exhibieron reproducciones de determinados diseños del artista realizados con una depurada técnica de impresión tridimensional.

Piranesi, Carceri d’invenzione from factum-arte on Vimeo.

El legado gráfico de Piranesi, un personaje que trataba de dejar atrás el barroco incidiendo en sus espacios y formas más complejas, ha sido fuente de inspiración para numerosos arquitectos posteriores. la expresión de un tiempo convulso en el que no pudo hacer realidad sus ideas imaginadas. Era un momento en que la construcción artística experimentó una paralización y algunos arquitectos italianos se dedicaron a investigar sobre el pasado remoto en ciudades como Roma y Venecia. Surgiría así una profesión, la de los Anticuarios, exploradores y recolectores de objetos e ideas, consagrados al rescate e interpretación de un pasado remoto, el de la antigüedad romana. Algunos como Piranesi tuvieron la voluntad de imaginar una posible arquitectura alternativa inspirada en ese pasado clásico. Ysuperadora de las obras renacentistas y barrocas, siempre sobre la base de la inspiración en aquellos restos y ruinas romanas que tanto amaría y dibujaría incansablemente.

En The Art of Piranesi, se incorporó una curiosa pieza de animación digital. Allí se mostraba un video que nos permitía recorrer los imaginarios espacios soñados como Cárceles Inventadas por el arquitecto italiano del siglo XVIII. Toma como referencia los dieciséis grabados que constituyen la serie de las cárceles, un trabajo que ejecutó a la edad de veinte años en un esfuerzo por imaginar una arquitectura alternativa. Piranesi, Carceri d’invenzione nos permite efectuar un recorrido virtual por los grandiosos lugares imaginados por Piranesi en una animación creada por Gregoire Dupond para Factum Arte.

Una experiencia maravillosa que nos remite a un universo que no tuvo nunca contrapartida en la realidad.

Más Información:

Piranesi. Develador de espacios. Islas y territorio. 21/01/2012

Giovanni Battista Piranesi, Carceri d’Invenzione. El hurgador.  02/07/2013

The Art of Piranesi. Factum Arte.

Reproducción del Vaso antico di marmo presso il Signor Dalton. Del grabado homónimo de Piranesi, 1778. Factum Arte

En Mayo de 2014 desaparecía en un incendio el maravilloso edificio de la Glasgow School of Art, construida por Charles Rennie Mackintosh a principios del siglo XX. Una esquisitez artesana de madera y una de las [...]]]>  La biblioteca desaparecida de la Escuela de Arte de Glasgow. C.R. Mackintosh, c. 1900

En Mayo de 2014 desaparecía en un incendio el maravilloso edificio de la Glasgow School of Art, construida por Charles Rennie Mackintosh a principios del siglo XX. Una esquisitez artesana de madera y una de las obras maestras del movimiento Arts&Craft. Un momento cultural romántico que reivindicaba la artesanía frente a la industrialización.

Curiosamente, ese mismo año se completaba el ala Reid de esa misma escuela de arte, diseñada por el arquitecto neoyorquino Steven Holl. Un proyecto que definía una relación arquitectónica desde la contraposición formal y cromática con el carismático edificio de Mackintosh.

Vista de la fachada principal de la Escuela y del nuevo edificio

Uno de los patios interiores que atraviesan el nuevo edificio

En aquella ocasión, la propuesta del arquitecto estadounidense establecía un diálogo con el edificio centenario mediante una relación de fuertes contraste. Frente a la robusta y singular geometría del edificio de Mackintosh, Holl plantea una arquitectura de líneas rectas y limpias. Una construcción que a modo de gran contenedor se encuentra  únicamente  recubierto por una fina piel de paneles de cristal grabado al ácido semi-transparente, y que se sostiene por una esbelta estructura de hormigón armado. Los acabados interiores del nuevo edificio se caracterizan por una pulcritud y blancura extrema, permitiendo el acopio de la escasa luz invernal.

La nueva sede de la Escuela Artes de la ciudad de Glasgow ( Escocia), conocida como edificio Reid, es el resultado de un concurso internacional restringido donde la propuesta del arquitecto Steven Holl resultó ganadora. En un gesto de valentía y determinación, la administración local de la ciudad escocesa apostó fuertemente por la renovación de este prestigioso centro de formación mediante la intervención en su edificio más emblemático, la escuela que diseñara Charles Rennie Mackintosh con apenas 29 años y que, es sin duda, una de las obras maestras  del estilo Art and Craft. Son esos espacios blancos y el cuidadoso tratamiento de la luz natural, característico de toda la obra del proyectista, los que ofrecen una atmósfera óptima para el estudio y la creación.

Con la ayuda de la empresa Spirit of Space, el arquitecto ha elaborado dos cortometrajes que muestran al nuevo edificio en todo su esplendor. El primero nos ayuda a entender el proceso de creación del proyecto mientras que el segundo nos ofrece un recorrido guiado por los espacios más relevantes de este edificio inaugurado el pasado año. Los podemos ver aquí:

Esperemos que en un futuro, los espacios originales de la Art School desaparecidos se puedan recuperar de alguna manera. Mientras tanto será posible disfrutar de los interesantes espacios del nuevo edificio concebido y ejecutado de acuerdo a los conceptos generados por Steven Holl.

Más información:

Mackintosh. Escuela de Arte en Glasgow. Mi moleskine arquitectónico. 11/01/2009
Una conversación y un paseo sobre la Escuela de Arte de Glasgow con Steven Holl. Metalocus. 23/07/2014

Detalle del interior del edificio original

En 1970, el poeta y músico de jazz norteamericano Sun-Ra acuñó el término de Afrofuturismo. Trataba de señalar así la nueva creación musical ligada a la negritud, buscando también rescatar un pasado histórico desaparecido para aquellos que experimentaron la esclavitud y su descendencia.Ese término sirvió entonces para [...]]]> African Watcher. Cyrus Kabiru, 2015

En 1970, el poeta y músico de jazz norteamericano Sun-Ra acuñó el término de Afrofuturismo. Trataba de señalar así la nueva creación musical ligada a la negritud, buscando también rescatar un pasado histórico desaparecido para aquellos que experimentaron la esclavitud y su descendencia.Ese término sirvió entonces para  designar un movimiento que empleaba la electrónica como fuente experimental de para la expresión de una filosofía exotérica basada en la ciencia ficción y los espacios interplanetarios.

En 1994, otro intelectual americano, Mark Dery, retomó esa denominación para referirse a un genero creativo, literario y estético, que explora en una mezcla heteróclita el realismo mágico, la ciencia ficción literaria y el panafricanismo. En tiempos más recientes, algunos artistas africanos lo utilizan también para expresar sus preocupaciones en relación al incierto futuro del mundo y de las relaciones humanas.

La cultura africana contemporánea está hoy de actualidad con su inclusión y difusión masiva desde la edición de la Bienal de Venecia 2015. Allí se pueden apreciar sus resultados en un conjunto que se ha reunido de unas obras formalmente deslumbrantes.

Espacio Arena en el pabellón de La Corderie. Bienal de Venecia. David Adjaye, 2015

El movimiento del Afrofuturismo engloba en nuestros días a numerosos artistas plásticos, arquitectos, músicos y cineastas originarios del continente africano. Son aquellos que han desplegado una estética enormemente atractiva basadas en la fantasía y la imaginación sobre un tiempo futuro que realmente ya está aquí. Es una propuesta en la cual las mujeres están teniendo un papel protagonista preponderante, reflejando la fuerza expresiva creciente de un colectivo que ha sido ignorado recurrentemente a lo largo de la historia.

En 2013, The Studio Museum, en Harlem, Nueva York acogió una muestra del trabajo de un grupo representativo de esta corriente de artistas africanos. Se titulaba The shadow took shape (La sombra se formó) en una alegoría a la madurez alcanzada ya por ese movimiento cultural. Allí presentaron su trabajo interdisciplinar -en video, instalaciones, objetos y collages- creadores procedentes de Kenia como Cyrus Kabiru y las cineastas Wangechi Mutu, y Wanuri Kahiu. Y así, hasta 29 artistas representativos de ese grupo innovador que desarrolla su trabajo en todo el continente africanos.

Kabiru se nos presenta como una especie de ser futurista cuyas gafas elaboradas con material reciclado artesanalmente nos ofrece un camino expresivo hacia un futuro de reaprovechamiento radical de los desechos urbanos. Como ocurre hoy en las calles de su Nairobi natal. Mutu y Kahiu narran el mundo africano desde una perspectiva radicalmente femenina. Según la primera la mujer africana porta con una mayor intensidad el lenguaje, los mitos y los símbolos de las tradiciones africanas. Kahiu nos presenta en su película Pumzi (Aliento) un mundo posapocalíptico subterráneo y de escasez en una distopía que ya es posible detectar en las grandes ciudades africanas de hoy. La protagonista huye de allí a la búsqueda de un ecosistema exterior de pureza natural en el que exista agua, vegetación y esa fauna omnipresente en el paisaje africano.

The end of eating everything. Imagen del video de Wangechi Mutu, 2013

La protagonista de Pumzi. Película de Wanuri Kahiu, 2009

Es destacable el papel que la expresión cinematográfica está teniendo en el avance de esta nueva forma de ver el mundo desde el continente africano y sus artistas más sobresalientes en la diáspora. Como ocurre con Kibwe Tavares, cuyos Brixton Robots nos muestran un futuro apocalíptico para Londres, en el que capital británica ha sido colonizada por multitudes de ingenios mecánicos en continua confrontación. O la película franco-camerunesa Les Saignantes (Las sangrantes) de Jean Pierre Bekolo que relata las peripecias de dos amigas jóvenes en el difícil entorno futuro de la ciudad de Yaoundé colonizada por hordas de vampiros.

Este año la Bienal de Venecia dirigido por Okwui Enwenzor ha querido focalizarse de alguna manera en el talento de esta pléyade de artistas que reflejan la variedad formal y estética de un mundo que amplía constantemente sus coordenadas culturales. este año el reconocido arquitecto ghanés David Adjaye ha diseñado un nuevo espacio de actividades en La Corderie, dentro del circuito de pabellones de la Bienal. Es un espacio radical, rojo y oscuro que muestra de alguna manera las contradicciones de nuestro espacio contemporáneo bajo el tema elegido por Enwezor All the World’s Futures (Todos los futuros del mundo). Allí, todos los días, se lee sobre la alfombra de la Arena, su espacio central una parte de la obra máxima de Carlos Marx, El capital. Es una propuesta del artista británico de color Isaac Julian. En ese espacio también se puede apreciar la instalación del angolés Francisco Vidal que hace una referencia poética y simbólica a la realidad de su país. Vidal ha reunido allí centenares de machetes agrupados en ramilletes que tratan de reflejar el valor de esa herramienta para la vida diaria de sus conciudadanos.

 Les Saignantes (Las sangrantes). Una película de Jean Pierre Bekolo. 2005

On ways of travelling. Francisco Vidal, 2015

 Para Enwezor, organizador de esta edición de la Bienal en 2015, solo desde su exposición masiva, el arte africano podrá expresar su talento y “hablar de su verdad“. O como también dice uno de los personajes de la película de 1995 The Last Angel of History (El último ángel de la historia), de John Akomfrah:

“la gente negra siempre ha hecho ciencia ficción, porque siempre han sido capaces de de ver los agujeros del presente”.

Más información:
The shadow took shape. The Studio Museum Harlem

Present and science fiction future. HuffingtonPost 28/08/2013

The Future Weird: Visions of Excess. Okay Africa, 30/07/2013

David Adjaye creates temporary museum for Venice Art Biennale. Dezeen 15/05/2015

Peter Kogler ( Insbruck, 1959) es un artista formado en la Academia de Bellas Artes de Viena. En su primera etapa creativa, su obra se caracterizó por el uso masivo de [...]]]> Su  primer reconocimiento internacional  ”Hormigas”   la instalación en el   Museo Fridericianum para el certamen  Documenta IX en el año 1992.

Peter Kogler  ( Insbruck, 1959) es un artista formado en la Academia de Bellas Artes de Viena. En su primera etapa creativa, su   obra se caracterizó por  el uso masivo de grandes lienzos de papel que con diferentes motivos pictóricos,  a modo de Wall-paper,  recubrían la totalidad del espacio de intervención.

Toda su  carrera a estado influenciada por disciplinas como  la pintura,cine y arquitectura, pero con el desarrollo de los medios digitales  y de  aplicaciones informática de  diseño,Kogler da un paso más allá y comienza a idear  con la ayuda de la técnica conocida como Mapping  de una serie de obras que consisten en la  proyección estática o  en movimiento de patrones sobre la superficie interior de salas, habitaciones y  fachadas, logrando  crear en  el observador la sensación de  estar en un espacio tridimensional diferente.

Instalación para la galería Taxispalais en Insbruck, 2014

Instalación para el  Museo de Arte Moderno(MUMOK) de Viena, 2008

Intervención en la fachada del  Vorarlberg Museum, 2013

  Más información en la web personal del artista:  http://www.kogler.net/bio

La escenografía es una técnica para la conformación estética del espacio ligada al teatro y al cine que ha experimentado un importante desarrollo en el último siglo. Es sorprendente percatarse [...]]]> Escenario para la Ópera Tristán e Isolda. Espacio teatral diseñado para la Opera de Lyon. Alfons Flores y Franc Aleu, 2011

La escenografía es una técnica para la conformación estética del espacio ligada al teatro y al cine que ha experimentado un importante desarrollo en el último siglo. Es sorprendente percatarse de la gran imaginación de espacios que se ha desarrollado en torno a la escenografía teatral, la ópera y el cine.

Este verano se celebra la Cuadrienal de Praga para la Actuación, el Diseño y el Espacio. Es una oportunidad única para observar y experimentar las ideas de los más reconocidos escenógrafos que trabajan actualmente.

Intervención propuesta para el centro de la ciudad de Praga. Bildbau, Bureau for Architektur Viusalisierungen Zurich, 2015

Más información:

PQ 2015 Most Up-to-date Scenography. World Architecture Community

Prague Quadrennial of Performance and Design and Space