Between You and I. Anthony McCall, 2006

La obra del artista británico Anthony McCall se centran en el manejo de la luz como un instrumento de composición volumétrica que interactúa con el espectador.

A caballo entre el dibujo, la danza y la arquitectura, McCall [...]]]> Las piezas artísticas de Anthony McCall

Between You and I. Anthony McCall, 2006

La obra del artista británico Anthony McCall se centran en el manejo de la luz como un instrumento de composición volumétrica que interactúa con el espectador.

A caballo entre el dibujo, la danza y la arquitectura, McCall nos propone una visión del espacio que profundiza en la relación entre espectador y pieza artística, sugiriendo un diálogo de interacciones. De alguna manera, en esos trabajos la luz se puede tocar y recorrer sintiendo su cualidad física, tanto para entender su forma y la geometría de los espacios generados por su recorrido como la gneración de una experiencia presidida por la curiosidad.

Como ocurre con la serie Netykavka de 2014, unas instalaciones que juegan con ls proyección de la luz sobre un fondo oscuro para crear diversas figuras espaciales. O “luz sólida” como las define el propio artista.

Netykavka #1 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #1

Netykavka #2 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #2

Netykavka #3 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #3

Más Información:
Anthony McCall. Página del artista

A veces las palabras de otros son tan sugerentes que no queda más remedio que ceder el espacio para que nos expliquen su pensamiento. Como me ha [...]]]> El Castillo Rojo y la Línea sin Ley. Decolonizing Architecture Art Residence, 2011. De la exposición “Líneas de control” en el Museo Johnson de Cornell.

A veces las palabras de otros son tan sugerentes que no queda más remedio que ceder el espacio para que nos expliquen su pensamiento. Como me ha ocurrido a mí esta semana con José María Esquirol, Manuel Borja-Villel y el colectivo Decolonizing Architecture.

La nueva arquitectura de la colonización. Asentamiento israelí en Ma’aleh Adumin.

 Desertor es aquel que abandona un deber o un compromiso y huye a una zona deshabitada, aunque esa inscripción quizá no contiene toda la verdad. El desierto no se encuentra sólo en las vastas extensiones de tierra árida o agrietada, ni en los mares de arena abrasados por un sol de justicia; el desierto está en todas partes y en ninguna: en medio de la ciudad, por ejemplo. Quien va al desierto es, sobre todo, un resistente. No necesita coraje para expandirse sino para recogerse y, así, poder resistir la dureza de las condiciones exteriores. El resistente no anhela el dominio, ni la colonización, ni el poder. Quiere, ante todo, no perderse a sí mismo, pero, de una manera muy especial, servir a los demás. Existir es en parte resistir. La resistencia suele ser discreta.

De Resistencia íntima. José María Esquirol, 2016

Evolución de la distribución de la población judía (azul) y palestina (verde) entre 1945 y 2009. Gráfico extraído de Resisting Spaciocide. de Ahmad Barclay

Nos encontramos inmersos en un sistema que ha dejado de producir únicamente en la fábrica y que se caracteriza por la importancia de lo cognitivo, la conectividad y la transversalidad de los conceptos. En é cualquier cosa es susceptible de convertirse de inmediato en mercancía, general e intercambiable. Si no queremos añadir más elementos de consumo a una sociedad que no los necesita, es imperativo que aprendamos a trabajar en la negatividad de los intersticios, en la anomalía de lo que el sistema no reconoce.

En estas situaciones anómalas se puede provocar aquello que Alain Badiou denomina “acontecimiento” que implica un cambio de nuestros códigos de percepción y la apertura a la historia.

Lo contemporáneo: Instrucciones de uso. Manuel Borja-Villel. El Pais 29/10/2016

 Maqueta del proyecto para P’sagot/Jabal Tawil del “Manual de Decolonización”

Decolonizing Architecture es un proyecto iniciado por Alessandro Petti, Sandi Hilal y Eyal Weizman en el año 2007. Instalado como un programa de estudio/residencia en Beit Sahour, Belén y recientemente restablecido como la Residencia Decolonizante de Arquitectura / Arte (DAAR). Este grupo de artistas y arquitectos se dedica a la investigación sobre la apropiación del espacio y los discursos que los sustentan, tomando el conflicto sobre Palestina como su principal tema de estudio

En sus propias palabras:

“Decolonizando la arquitectura” busca utilizar el diseño del espacio como una forma de intervención política y de narración. Su trabajo trata de relacionarse continuamente con un conjunto complejo de problemas arquitectónicos centrado en uno de los dilemas más difíciles de la práctica política: cómo actuar tanto de forma propositiva como crítica en un entorno en el que el campo de fuerzas políticas, tan complejo como sea, está tan dramáticamente sesgado como el que existe en el espacio de la antigua Palestina.

 Mas información:

Entrevista a Alessandro Petti. DAAR Arena of especulation 27/11/2009

Hoy nuestra colaboradora Dulce Xerach nos invita a un paseo imaginario para ver una pequeña y singular pieza de arquitectura situada en la pequeña isla de Teshima en Seto, el mar interior de Japón entre Honshu y Shikoku.

Interior del espacio creado por Ryue Nishizawa y Rei Nato. Foto: Louise McKnoulty

Hoy nuestra colaboradora Dulce Xerach nos invita a un paseo imaginario para ver una pequeña y singular pieza de arquitectura situada en la pequeña isla de Teshima en Seto, el mar interior de Japón entre Honshu y Shikoku.

Allí, se ha instituido un festival artístico singular: la Trienal de Arte de Setouchi que va a celebrar una nueva edición en los próximos meses. Es un encuentro que dura desde la primavera al otoño y que invita a artistas y arquitectos a desarrollar trabajos de todo tipo que se sitúan en varios emplazamientos. En ese espacio dedicado a la expresión contemporánea han intervenido miembros reconocidos de la comunidad artística internacional como Hiroshi Sugimoto, James Turrell y Jaume Plensa. También arquitectos japoneses de relieve como Tadao Ando y el premio Pritzker, Riue Nishizawa han realizado diversos proyectos.

Pero ninguno tan singular como el Museo de Arte de Teshima de Riue Nishizawa y Rei Nato sobre el que nos habla Dulce Xerach.

..

La isla de la arquitectura sutil
Por Dulce Xerach

Vista aérea del complejo inserto en la isla de Teshima. Foto: Iwan Baan

El viaje que le voy a proponer lleva su tiempo. Si quiere subir a un avión e ir pronto y sin dilación olvídelo. La isla de la arquitectura sutil requiere otro esquema mental. No llegan hasta ella vuelos internacionales, ni siquiera llegan a un destino cercano. Prepárese para un largo viaje en carretera o tren y luego para tomar un ferry.

Luego, cuando por fin llegue al puerto tamaño bolsillo (y no pasa nada porque no los quieren más grandes sino tal y como son ahora) de la isla de Teshima (Japón), encontrará que solo un millar de personas viven en ella, todas repartidas en cinco ciudades minúsculas. Entonces coja un autobús, o mejor alquile una bicicleta motorizada para pasear por las pequeñas colinas. Al final, tras recorrer el paseo marítimo, en un recóndito lugar de Takamatsu, perdido en los mares de la prefectura de Kagawa, encontrará un maravilloso y sutil museo.

La estructura mide tan solo 40 metros por 60 metros, con una altura máxima de 4,5 metros. Es una estructura de hormigón sin pilares o columnas donde apoyarse. La naturaleza de los alrededores entra directamente a través de las dos aberturas de su orgánico y horizontal espacio interior. Las plantas que se utilizan son las malas hierbas indígenas que crecen en Teshima, nada más, y el museo se convierte así en parte del entorno. Más que un edificio es un lugar, es parte de la naturaleza.

Sí, un museo construido enteramente de hormigón. Pobre material el hormigón que nunca se sugiere por la mayoría de la gente como uno de los mejores medios y materiales para lograr la expresividad y el confort y sin embargo es el material perfecto si se sabe utilizar con maestría.

Zona de acceso al Teshima Art Museum. Foto: Iwan Baan

La arquitectura en forma de una delicada gota de agua del Teshima Art Museum fue diseñada por el arquitecto Ryue Nishizawa que recibió junto a Kazuyo Sejima el premio Pritzker en 2010, casi nada.

La audaz curva diseñada por el japonés era poco probable que pudiera construirse según los primeros ingenieros consultores que analizaron el proyecto, pero el arquitecto creía en ello y se empeñó hasta que los ingenieros fueron capaces de ajustar con precisión la forma que él quería. Esos desafíos son los que hacen que la arquitectura avance y solo son posibles cuando se cuenta con arquitectos que verdaderamente viven para la arquitectura (no de la arquitectura) y disfrutan de su profesión.

A pesar de que la intención inicial del museo había sido crear un espacio flexible que puede adaptarse a una variedad de obras de arte, este terminó albergando una sola creación, la sublime, sutil y vaporosa instalación del artista Rei Naito, inspirada en la arquitectura de Nishizawa y titulada Matrix.

Las gotas de agua se filtran aquí y allá a través de agujeros y se posan en el suelo, y luego se deslizan, frágiles, a lo largo de su superficie suavemente inclinada de manera imperceptible. Gotitas que luego absorben otras gotas mayores y forman charquitos. Una escena de una sutileza increíblemente atractiva. Simple pero de profunda belleza. De esas que emocionan a los niños y a los adultos que aún tienen esa capacidad intacta.

El paisaje también es indulgente. Dos aberturas ovaladas introducen el viento y la lluvia en el interior del museo que busca la paz con la naturaleza. Pequeño, simple, y sin embargo, increíblemente, más de 11.000 personas visitaron la isla en tan solo dos semanas tras la apertura para ver eso, casi nada, pero ¡qué casi nada de perfección y belleza!, de encuentro con uno mismo y con la naturaleza. Eso fue en 2010, luego los visitantes han continuado, como un diminuto pero constante río de gente sensible que quiere ir al menos una vez en la vida a un lugar tan especial.

Es como una negociación entre la tierra y el cielo, donde se puede caminar libremente simplemente observando, sintiendo. Y lo más curioso es que algo tan pequeño ha convertido a Teshima en un destino turístico del que enamorarse. Eso sí, de viajeros especiales y no de los que solo buscan all inclusive.

Grillo y gota de agua. Teshima Art Museum. Foto: Iwan Baan

Más información:

Museo de Arte Teshima. Arquiscopio 15/09/2012

Teshima Art Museum – Ruye Nishizawa in DETAIL. Metalocus 10/06/2011

Setouchi Trienal 2016. Página oficial del evento

La isla de la arquitectura sutil. El Día 14/02/2016

Manuel Vilariño es un fotógrafo que nos hace sutiles preguntas a partir de la contemplación de sus grandiosas imágenes. Es alguien que trata de establecer un puente de comunicación con los sentimientos profundos de las personas a través de la representación [...]]]> Al despertar. De la exposición Seda de Caballo. Manuel Vilariño, 2011

Manuel Vilariño es un fotógrafo que nos hace sutiles preguntas a partir de la contemplación de sus grandiosas imágenes. Es alguien que trata de establecer un puente de comunicación con los sentimientos profundos de las personas a través de la representación del paisaje.

En 2007 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía que concede el Ministerio de Cultura El conjunto de su obra de varias décadas ha sido expuesta en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, la Bienal de Venecia y ha viajado por numerosas ciudades del mundo.

Observar las fotografías de gran formato de Vilariño nos induce a remontarnos a territorios remotos en los que indagar sobre nuestra soledad en el paso por esta realidad.

 Retrato, de la serie Bestias involuntarias. Manuel Vilariño, 1981-1989

Todo poeta trata de descubrirnos mediante artilugios comunicativos, palabras, imágenes, sonidos, etc., la revelación del placer que surge del conocimiento de lo único. Una emoción que nos traslada a una comunión con el mundo, con las cosas y con los semejantes que nos rodean. Y la naturaleza nos ofrece un umbral para esa comunicación a través de la contemplación y la descripción del escenario para ese testimonio personal e intransferible.

Desde que los románticos descubrieran la idea de lo sublime, algo así como la belleza extrema que nos puede llevar al éxtasis, el paisaje salvaje se nos presenta como una interrogación sobre los orígenes. Y es sobre este material mental sobre lo que ha querido indagar el poeta y fotógrafo gallego Manuel Vilariño.

Según Dionisio Longino en su Libellus de Sublimitate, lo sublime es una elevación y excelencia en el lenguaje que genera la grandeza de percibir el todo en un instante. De acuerdo a ello, Vilariño sigue ese camino para mostrarnos aquello que proporciona un material intelectual sobre el que divagar en nuestras propias reflexiones ontológicas. Casi un “koan”, un acertijo a la manera zen sobre las razones de nuestro paso por este mundo.

Amanecer. Manuel Vilariño, 1999

En la serie “A la aurora” , Vilariño nos presenta un recorrido personal por los gélidos paisajes y playas de Islandia. Casi una peregrinación a la búsqueda de lo primigenio en la geología de las lavas y efluvios enfriados. Miramos esas imágenes de acantilados verticales, como la denominada “Al despertar” y surgen en nuestra mente sugerencias melancólicas sobre la mineralogía remota de los eones. Algo así como la interrogación esencial sobre las razones de nuestra impermanencia en este mundo de volcanes, playas de arena basáltica y océanos infinitos. Todo ello, justo en ese momento pleno de matices y sugerencias en que brota la aurora para descubrirnos cada día la existencia en este mundo.

Desde mi perspectiva local, viendo estas imágenes pareciera que existe un tenue hilo de comunicación entre los que habitamos esas orillas frente al Atlántico. Ese mar de afuera que nos acompaña permanentemente en nuestras vidas, sugiriendo un más allá imaginado. Desde Islandia hasta Cabo Verde, pasando por Irlanda, Galicia, Azores, Madeira y Canarias. Algunos dicen que es un paisaje colectivo que fue habitado primeramente por unos celtas ya mitológicos y que serían esos antepasados nuestros que experimentaron vivencias y pulsiones similares para adentrarse en el mar y acceder a esas geografías ignotas.

Montaña Negra, nube blanca 1 (Fragmento). Manuel Vilariño, 1999

Lejano. Manuel Vilariño

Un rayo en la tormenta. Manuel Vilariño

Entre 1981 y 1989 Vilariño hace también fotografías de primeros planos de diversas animales y pájaros. En esos retratos diversos las “bestias involuntarias” se nos muestran inquisitivos. Preguntan quizás: ¿nos dejareis continuar viviendo en esta tierra? Es una inquisición sobre el egoísmo de la especie humana que ha colonizado totalmente el planeta relegando a esos seres que conforman el espectro biológico a remotos parajes inaccesibles, a la esclavitud del alimento o a la escueta y directa exterminación.

Los pájaros. Bestias involuntarias. Manuel Vilariño, 1981-1989

El misterio de las imágenes de Manuel Vilariño surge así de esa búsqueda personal de la esencialidad. Un territorio donde el cromatismo parece redundar y donde la soledad del espectador nos induce a una meditación sobrecogedora. Se trata de una belleza austera que comunica con gran intensidad la presencia final de la muerte como un hecho a asumir indefectiblemente.

Algo que parece irrelevante en un tiempo en que todo se traduce en la acumulación de información. Como dejo dicho Frank Zappa: “La información no es conocimiento. Conocimiento no es sabiduría, La sabiduría no es la verdad. La verdad no es la belleza: la belleza no es amor. El amor no es música. la música …, la música es lo mejor”.

Y yo diría: Lo mejor es también literatura, arquitectura y pintura. Lo importante no son los soportes y las técnicas sino la transmisión de la emoción y los sentimientos. Y desde mediados del siglo XIX, la fotografía se ha incorporado a este mejor para explicarnos y reconfortarnos con imágenes en este mundo de velocidad inaguantable.

Más Información:
Manuel Vilariño Trabajos.
Las palabras de Manuel Vilariño. Oral Memories

Mirei Shigemori ha sido uno de los grandes paisajistas del siglo XX, a pesar de que es desconocido fuera de su Japón natal. Su importancia cultural radica en su manera de entender la relación de su trabajo artístico con la larga historia [...]]]> El Jardín de los Dragones del templo de Ryoan-ji. Mirei Shigemori

Mirei Shigemori ha sido uno de los grandes paisajistas del siglo XX, a pesar de que es desconocido fuera de su Japón natal. Su importancia cultural radica en su manera de entender la relación de su trabajo artístico con la larga historia y las potentes tradiciones de la jardinería de su país.

Comenzando con el primer tratado de jardinería que se conoce, el Sakutei-ki -escrito en el siglo XII- y siguiendo por la amplía relación de templos de la ciudad de Kioto, Japón cuenta con una especial relación con el medio físico por el que sus habitantes sienten una veneración trascendental. Un hecho cultural que ha dado lugar a una variedad de enfoques y lugares en los que los jardines son una maravillosa forma de expresión artística. Como el Karesansui, estilo de construcción de escenarios de piedra y grava que inspiran la meditación.

Uno de los últimos exponentes de esta forma de arte de conformación del espacio ha sido Mirei Shigemori, un jardinero que se ha esforzado en enlazar con el pasado sin renunciar a establecer una conjugación contemporánea de las formas de los jardines secos. Para Mirei, delinear jardines de piedra, agua y vegetación se debe plantear desde el establecimiento de un rico diálogo entre aquellos que nos han precedido y los que habitamos el presente. Según él, para ello, es insoslayable un conocimiento profundo de lo acumulado en ese tiempo que nos ha precedido. Algo que hoy muchos tratan de ignorar con desprecio y autosuficiencia cayendo así en la banalidad generalizada.

En sus propias palabras:

Uno puede hacer jardines de acuerdo a la experiencia de los antiguos o siguiendo las formas del pasado, pero hoy la persona que diseña el jardín o lo construye está en el presente y no en otro tiempo. Eso significa que somos personas que vivimos en nuestro momento y no podemos recuperar las apariencias del pasado o hacer las formas de esos tiempos pasados. En esos casos, solo haríamos una imitación sin contenido.

Mirei Shigemori, Shin Sakuteiki, 1976

Los abstractos jardines secos que integran la tradición del Karseansui han asombrado a los artistas desde que fueron descubiertos y divulgados por viajeros occidentales en los últimos años del siglo XIX. Aun hoy sirven de fuente de inspiración para músicos, filósofos, escultores y arquitectos.

Más información:

Los espíritus entre las rocas. Arquiscopio PENSAMIENTO 17/01/2016

En un mundo dominado por la economía, la basura y el ruido, algunos aspiran todavía a [...]]]> Vista de Amanohashi Date.
El famoso Puente de los Cielos, un camino  de pinos plantados sobre una barra costera de arena que está junto a la península de Tango, al norte de la ciudad de Kyoto.

En un mundo dominado por la economía, la basura y el ruido, algunos aspiran todavía a la poesía como un reducto imbatible más allá de las necesidades desde el que recuperar la serenidad creativa y la percepción de lo sagrado.

Como trató Heidegger de explicarnos en una conferencia, interpretando las palabras del poeta romántico Friedrich Hölderlin.

Grullas. Lecciones rápidas de dibujo simplificado. Hokusai, 1812
En esta lámina se refleja uno de los ejercicios favoritos del gran artista japonés: Dibujar una forma con un solo trazo de tinta.

 A comienzos del siglo XXI, la música popular que inunda nuestros oídos y ojos, ha acabado por convertirse en una industria cuyos productos se diseñan masivamente a través de amplios equipos humanos y complejos mecanismos matemáticos. Esas canciones que nos persiguen desde altavoces ubicuos y pantallas omnipresentes son el resultado del análisis exhaustivo de variaciones textuales y de la utilización de programas tecnológicos para la producción de melodías que resulten agradables. Se trata de un esfuerzo que busca enganchar a los oyentes, una actividad teñida económicamente en la que trabajan amplios y sofisticados equipos multidisciplinares.

Así, han acabado vendiéndonos como poético algo que carece del más mínimo halito sensible o intelectual. Un sustituto barato para el consumo masivo de una demanda creciente de referencias románticas. Algo parecido ocurre con las artes plásticas y la arquitectura. Hoy, estas artes se valoran solo y exclusivamente por su reflejo numérico contable o por su constante y calculada aparición ante nuestros ojos.

Cuando la producción cuantitativa de resultados acumulables ha acabado relevando a la creación sincera, observamos la sustitución de lo autentico por el constante apilamiento de basura, desechable casi instantáneamente. Si los propósitos de enriquecimiento predominan y sus esfuerzos para convencernos de la falsedad son evidentes el arte ya no está ahí, se ha convertido en publicidad, un anuncio casi un mecanismo para atraer la atención. Como dice el gran pensador japonés D.T. Suzuki: “la belleza desaparece, las feas manos humanas se hacen demasiado visibles”.

No por eso, la humanidad ha declinado en esa pretensión poética hacia la belleza. Es algo que siempre ha estado ligado a la trascendencia. Por eso  aspiramos a la acumulación de experiencias verdaderas, un elixir cada vez más escaso en este mundo dominado por el apilamiento agotador de sucesos, objetos y situaciones cotidianas cada vez más irrelevantes.

A este respecto, Martin Heidegger nos ha dejado un magnífico legado sobre el significado de nuestra inclinación al arte, un recorrido personal que colma ese aspirar a una comunión con los dioses. En un texto en el que reflexiona sobre un poema de Hölderlin nos presenta esa voluntad humana de lograr el acceso a experiencias singulares e irrepetibles que nos indiquen algún camino para interpretar lo inescrutable.

El Karesansui del Templo del Pabellón de Plata en Kyoto.
Este jardín de arena acompaña al famoso pabellón que servía de espacio de retiro y meditación para el Shogun Ashikaga. parece que fue diseñado por Soami y su característico cono de grava blanca trataría de rememorar el paisaje de aproximación al monte Fuji.

Decía Hölderlin en un poema:

“¿Puede, cuando la vida es toda fatiga, un hombre

mirar hacia arriba y decir: así

quiero yo ser también? Sí. Mientras la amabilidad dura

aún junto al corazón, la Pura, no se mide

con mala fortuna el hombre

con la divinidad. ¿Es desconocido Dios?

¿Es manifiesto como el cielo? Esto

es lo que creo más bien. La medida del hombre es esto.

Lleno de méritos, sin embargo, poéticamente habita

el hombre en esta tierra. Pero más pura

no es la sombra de la noche con las estrellas,

si yo pudiera decir esto, como

el hombre, que se llama una imagen de la divinidad.

¿Hay en la tierra una medida? No hay ninguna”

Y, efectivamente, “poéticamente habita el hombre en esta tierra“, como nos señala Heidegger excavando entre esos párrafos. Dice el filósofo sobre estos pensamientos:

“Cuando Hölderlin habla del habitar está mirando el rasgo fundamental del estar del hombre. Pero lo «poético» lo ve él desde la relación con este habitar entendido de modo esencial.
Esto ciertamente, no significa que lo poético sea un adorno y un aditamento del habitar. Lo poético del habitar no quiere decir tampoco solo que lo poético, de alguna u otra forma, ocurra en todo habitar. Las palabras «…poéticamente habita el hombre…» dicen más bien esto: el poetizar es lo que antes que nada deja al habitar ser un habitar. Poetizar es propiamente dejar habitar. Ahora bien, ¿por qué medio llegamos a tener un habitáculo? Por medio de edificar, como dejar habitar es un construir.”

Así, ambos parecen indicarnos que, ante el crepitar de fuegos fatuos que nos envuelve en la realidad contemporánea que nos ha tocado vivir, sería conveniente dedicarnos a indagar la manera de edificar experiencias verdaderamente enriquecedoras para nuestro espíritu.

Algo con lo que es muy laborioso comerciar en su irreductibilidad existencial. La construcción de lo auténtico es un don difícilmente racionalizable desde la cuantificación. Y, por tanto, no es medible con los parámetros al uso. Solo se alcanzan experiencias autenticas desde la subjetividad más absoluta.

Por ello, frente a la esclavitud de la economía, construyamos nuestro entorno poéticamente. Algo para lo que el dinero es inútil y prescindible.

La época del dictador Pérez Jiménez da inicio al momento de máximo esplendor de la ciudad de Caracas a mediados del siglo XX. Pero es con la implantación de la democracia en 1958 con Rómulo Betancourt como [...]]]> Pastor de nubes, Plaza cubierta de la Ciudad Universitaria de Caracas. Jean Arp, 1953

La época del dictador Pérez Jiménez da inicio al momento de máximo esplendor de la ciudad de Caracas a mediados del siglo XX. Pero es con la implantación de la democracia en 1958 con Rómulo Betancourt como Presidente de la republica -y luego su sucesor en el cargo, Raúl Leoni- cuando se produce una aplicación al país de una estrategia política potente y ordenada de desarrollo de los recursos naturales y agrícolas, así como una fuerte inversión en recursos educativos y la promoción de dotaciones colectivas importantes.

Fruto de esa convicción fue la realización de dos obras que definen de una manera relevante la monumentalidad de la capital venezolana: la Ciudad Universitaria proyectada y construida por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva y el Parque del Este realizado a partir de un diseño del paisajista brasileño Roberto Burle Marx. Dos trabajos de gran tamaño que expresan de manera inmejorable la instauración de la modernidad como forma cultural adecuada para la definición de las sociedades latinoamericanas en el siglo XX.

El siguiente texto del profesor José Javier Alayón nos ofrece una breve introducción al carácter complementario y diverso de ambos proyectos.

Abstracción naturalizada, naturaleza abstraída. Carlos Raúl Villanueva y Roberto Burle Marx. Paisajismo, Urbanismo y Arquitectura de la “Ciudad Universitaria de Caracas” y el “Parque del Este”

Por José Javier Alayón González, Dr. Arquitecto y Paisajista.

Ortofoto del Parque del Este. IGVSB (circa 1962)

El Parque del Este y la Ciudad Universitaria de Caracas reflejan en paralelo dos de las operaciones urbanísticas, arquitectónicas y paisajísticas más importantes de Venezuela, obras de dos creadores pioneros que coincidieron a mediados del siglo XX en la modernización de Caracas y en la transformación de conceptos, teorías y procesos que desbordaron ese emplazamiento geográfico.

Las acciones de abstraer (llevar a la pura esencia) o naturalizar (imitar la naturaleza o habituar algo a condiciones distintas a las de su origen), rigen sus procesos inversos entre la redención de una arquitectura importada ante las variables históricas y ambientales propias y la exaltación de una naturaleza autóctona a niveles de sublimación artística y reivindicación internacional.

Carlos Raúl Villanueva (Londres, 1900 – Caracas, 1975) y Roberto Burle Marx (San Pablo, 1909 – Río de Janeiro, 1994), aunque foráneos fueron los responsables, en buena medida, de la construcción de la identidad urbana caraqueña, incluso, venezolana. La transformación que hicieron de sus campos profesionales desde el profundo conocimiento técnico, histórico y artístico de la tradición, les convirtió en pioneros de una modernidad tropicalizada, tan local en lo funcional, como universal en lo artístico.

Ciudad Universitaria de Caracas. Vista aérea de la época de su construcción

Planta de la Plaza Cubierta, espacio que enlaza y funde los edificios del Aula Magna, el Teatro y la Biblioteca Central

Pasillo cubierto de concreto armado. Ciudad Universitaria de Caracas. Carlos Raúl Villanueva.

A pesar de la importancia de estos dos proyectos para la ciudad y dentro de sus trayectorias, pocas veces se suelen relacionar o estudiar en paralelo, teniendo en cuenta que sus desarrollos se solaparon durante las décadas del 50 y 60. Desde su particularidad programática, sus condiciones urbanas o los materiales de construcción (inertes y vivos), estas obras nos permiten abordar este periodo heroico de la arquitectura nacional a partir de procesos duales que sintetizan conceptos, a priori, opuestos. La aspiración de una nueva cultura (arquitectónica) y de una nueva naturaleza, llevó a estos dos creadores a explorar procesos que subvirtieron la ortodoxia teórica y crítica.

Las convenciones enfrentadas realidad/abstracción, figuración/abstracción o mímesis/abstracción siempre latentes en las vanguardias artísticas de principios de siglo, llegaron a hibridarse, a nuestro entender, en los procesos proyectuales de los personajes aquí estudiados.

Una modernidad (abstracción) naturalizada en el caso de Villanueva, o una naturaleza abstraída, convertida en arte moderno, son dos estrategias que se cruzan desde la visión de un arquitecto que supo ver con ojos nuevos la tradición y la realidad geográfica y de un jardinero-pintor que construyó un mundo de formas y colores modernos a partir de la naturaleza, dos propuestas para habitar el trópico. Natural-artificial, es pues, un par de opuestos en cuyos intermedios se desarrollaron la “Ciudad Universitaria de Caracas” y el “Parque del Este”.

A una escala territorial, estos proyectos, contribuyeron decisivamente a consolidar una visión moderna del paisaje, revelándonos de manera viva y dinámica la presencia del Cerro El Ávila, el cual ya había sido representado incansablemente como telón de fondo del valle, todavía rural, por los pintores paisajistas de la “Escuela de Caracas” y especialmente por Manuel Cabré, de origen catalán. De este modo, tanto el campus como el parque se convirtieron en nuevos miradores privilegiados de una montaña, ya domesticada y urbanizada por la modernidad, incorporando su imponente presencia como parte inseparable de estos nuevos espacios urbanos.

El análisis de dos proyectos tan importantes en el desarrollo urbanístico de Caracas, requiere poner en contexto el momento histórico en que se ejecutan estas obras: el Nuevo Ideal Nacional de la dictadura perezjimenista y la transición a la democracia. Para ello, la ponencia hace un breve repaso a la ocupación del valle desde la colonia, poniendo el acento en momento claves, que ayudará a entender la ubicación estratégica del campus y el parque, y su papel en el futuro desarrollo urbano. Al mismo tiempo, es fundamental hacer referencia a algunos referentes que precedieron al campus caraqueño, como los de Bogotá, México o Brasil, y al parque, como sus propios proyectos residenciales brasileños, el Ministerio de Educación y Salud Pública, o los encargos venezolanos que antecedieron al Parque del Este, como el del Club Puerto Azul o el Hotel Humboldt y su sistema teleférico. Por último, no podemos dejar de mencionar a los otros profesionales que acompañaron a Villanueva y Burle Marx, para contextualizar estas operaciones.

Vista del Country Club, Caracas. Manuel Cabré, 1946

Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria de Caracas

Extraña y lamentablemente, Villanueva y Burle Marx, ocupados en sus proyectos titánicos, a la cabeza de equipos multidisciplinares, no llegaron a concretar ningún proyecto juntos. Quedan pocos testimonios fotográficos de sus encuentros, en medio de la élite cultural del momento donde seguramente habrán intercambiado experiencias y posturas en relación a sus obras. Este emparejamiento, más de medio siglo después, quiere invitar a sus oyentes a especular sobre el contenido de algunas de esas conversaciones a partir de sus ideas construidas.
 Perspectiva del recinto del lago Sur. Parque del Este. Roberto Burle Marx, 1959

Más Información:

Aula Magna de la Universidad Central de Caracas. Carlos Raúl Villanueva y Alexander Calder, 1953
Arquiscopio ARCHIVO, 10/05/2012

Parque del Este de Caracas. Roberto Burle Marx, 1959
Arquiscopio ARCHIVO, 16/07/2012

Fotografía de la serie Efectos Colaterales (Side Effects). Kapcer Kowalski

Kacper Kowalski es un joven polaco que, pese a terminar los estudios de arquitectura y diseño, siempre tuvo claro que su vocación era la de ser piloto. Desde 2006, este apasionado de la fotografía, sobrevuela mediante un autoligero toda la [...]]]>

Fotografía de la serie Efectos Colaterales (Side Effects). Kapcer Kowalski

Kacper Kowalski es un joven polaco que, pese a terminar los estudios de arquitectura y diseño, siempre tuvo claro que su vocación era la de ser piloto. Desde 2006, este apasionado de la fotografía, sobrevuela mediante un autoligero toda la geografía de Polonia para realizar la difícil tarea de pilotar y, al mismo tiempo, realizar instantáneas que se caracterizan por una rigurosa perspectiva puramente cenital.

Gracias al avance de los aparatos fotográficos, sus conocimientos de navegación y su visión de arquitecto, Kowalski rastrea el territorio obteniendo una serie de potentes imágenes que nos muestran la influencia destructora sobre la naturaleza de los medios de desarrollo económico. Como pueden ser las canteras de extracción mineral, o el proceso transformador que se produce a partir de la implatación de las grandes infraestructuras viales. O, también, el efecto nocivo y contaminante de los vertidos ilegales sobre los ríos. Kacper, además, nos ofrece la posibilidad de conocer y apreciar lugares y parajes inaccesibles, desconocidos e incluso prohibidos. Y, gracias al ángulo totalmente ortogonal de sus fotografías, logra inducir en el espectador la sensación o la ilusión de sobrevolar el paisaje.

  Fotografías pertenecientes a la serie Belleza Tóxica (Toxic Beauty). Kapcer Kowalski

El resultado de su trabajo nos muestra mayoritariamente imágenes de gran formato con un elevado grado de resolución que provoca que sus instantáneas parezcan irreales gracias a su ángulo y distancia focal, de una apariencia abstracta pero cargadas siempre de un mensaje subliminal para el espectador.

Este año, su última serie fotográfica titulada Efectos Secundarios (Side Effects) le ha servido para ser reconocido con el prestigioso galardón World Press Photo 2015, en el apartado dedicado a Grandes Proyectos (Long Term Projects). Un grupo de fotografías donde se confronta la composición equilibrada de formas simétricas, asimétricas y de singulares colores, dando lugar a imágenes de gran belleza pero en las que subyacen y son claramente perceptibles los efectos desestabilizadores sobre la naturaleza de los continuos comportamientos agresivos relacionados con la acción humana.

Más Información:

La serie Side Effects, ganadora en el certamen World Press Photo. Kapcer Kowalski

La serie Toxic Beauty en la web oficial del Kapcer Kowalski

A veces las cosas más simples contienen una gran densidad de contenido. Es lo que representa la propuesta de pabellón que ha ideado el arquitecto japonés Ryue Nishizawa para la ciudad de Kanawa [...]]]> El espacio interior del pabellón, resultado del alabeo y de formación de los planos formados por las láminas metálicas.

A veces las cosas más simples contienen una gran densidad de contenido. Es lo que representa la propuesta de pabellón que ha ideado el arquitecto japonés Ryue Nishizawa para la ciudad de Kanawa en la isla de Shodo.

Inserción de la propuesta escultórica en el patio de la escuela de Kanawa Pabellón Fukita. Idea básica de plegamiento. Ryue Nishizawa, 2013

El pabellón Fukita es un proyecto que ha sido resultado de un encargo del Festival Internacional de Setouchi. Art Setouchi es un encuentro que se celebra cada tres años en Japón y propone la realización de piezas artísticas en el territorio por las doce islas existentes en el mar interior Seto. es un evento que se centra en la estimulación de la creatividad comisionando la ejecución de obras a diferentes artistas y arquitectos en los distintos paisajes insulares, urbanos, rurales y naturales.

En la edición de 2013, el arquitecto tokiota Ryue Nishizawa recibió el encargo de transformar una antigua escuela en un centro cultural para el barrio circundante de la ciudad de Kanawa. Allí aportó la idea para situar en su patio jardín este espacio a modo de pabellón que conforma un ambiente que queda definido de una forma increíblemente escueta.

El recinto escultórico está formado por dos láminas colocadas paralelamente y formadas por piezas metálicas rectangulares que se distorsionan al plegarse por sus extremos. La inserción mantiene un respeto escrupuloso hacia los árboles presentes en el lugar que trata de no tocar. Y en su caso, abriendo pequeños agujeros para el paso de sus troncos. De esa manera tan sencilla -que remeda el comportamiento del papel en tensión- se logra generar un espacio de superficies alabeadas que se inscribe entre la vegetación existente para ofrecer un lugar de descanso y contemplación inusual. Es una reflexión simplísima sobre las posibilidades del plegamiento y de las posibilidades espaciales de la superposición de dos superficies alabeadas.

Al igual que ya haría junto a Kazuyo Sejima en el pabellón desarrollado para la Serpentine Gallery de Londres en 2007, aquí la construcción está pensada a la escala de los niños más pequeños, unos personajes que pueden desplazarse por su interior con facilidad. Mientras las personas mayores, padres y cuidadores solo pueden entrar agachándose y arrastrarse para pasar de un extremo al otro en una especie de rememoración de las surrealistas transformaciones de Alicia en la famosa obra de Carroll..

Es, por tanto, un espacio pensado para la ensoñación y para experimentar la medida del espacio distorsionado frente a la realidad geométrica que suele acostumbrarse. El arquitecto sugiere aquí que estamos ante una estructura que se plantea sin ningún sentido de orden o jerarquía; y que permite su exploración desde cualquier dirección. Aquí, Nishizawa trata de estimular la imaginación en un entorno neutro coloreado de beige generando una poética amable y acogedora dedicada especialmente a la infancia. Expresa la fascinación de lo sencillo para generar una experiencia compleja.

Este pabellón es así un territorio neutro que, desde un alto nivel de abstracción genera una urbanidad alternativa desde la ambigüedad espacial. En cierta medida, el arquitecto trata de estimular la creatividad desde el enigma de un espacio sin objeto concreto.

 Más información:

Ryue Nishizawa encompasses curves and folds. Behance.net
Art Setouchi
 

En 2010, con motivo de la Bienal de Arquitectura de Venecia, tuvo lugar la exposición titulada The Art of Piranesi. Fue una muestra en la que se exhibieron reproducciones de determinados diseños del artista realizados con una depurada técnica de impresión [...]]]> Portada de la colección de grabados Carceri d’invenzione. Gian Battista Piranesi, 1745-1760.

En 2010, con motivo de la Bienal de Arquitectura de Venecia, tuvo lugar la exposición titulada The Art of Piranesi. Fue una muestra en la que se exhibieron reproducciones de determinados diseños del artista realizados con una depurada técnica de impresión tridimensional.

Piranesi, Carceri d’invenzione from factum-arte on Vimeo.

El legado gráfico de Piranesi, un personaje que trataba de dejar atrás el barroco incidiendo en sus espacios y formas más complejas, ha sido fuente de inspiración para numerosos arquitectos posteriores. la expresión de un tiempo convulso en el que no pudo hacer realidad sus ideas imaginadas. Era un momento en que la construcción artística experimentó una paralización y algunos arquitectos italianos se dedicaron a investigar sobre el pasado remoto en ciudades como Roma y Venecia. Surgiría así una profesión, la de los Anticuarios, exploradores y recolectores de objetos e ideas, consagrados al rescate e interpretación de un pasado remoto, el de la antigüedad romana. Algunos como Piranesi tuvieron la voluntad de imaginar una posible arquitectura alternativa inspirada en ese pasado clásico. Ysuperadora de las obras renacentistas y barrocas, siempre sobre la base de la inspiración en aquellos restos y ruinas romanas que tanto amaría y dibujaría incansablemente.

En The Art of Piranesi, se incorporó una curiosa pieza de animación digital. Allí se mostraba un video que nos permitía recorrer los imaginarios espacios soñados como Cárceles Inventadas por el arquitecto italiano del siglo XVIII. Toma como referencia los dieciséis grabados que constituyen la serie de las cárceles, un trabajo que ejecutó a la edad de veinte años en un esfuerzo por imaginar una arquitectura alternativa. Piranesi, Carceri d’invenzione nos permite efectuar un recorrido virtual por los grandiosos lugares imaginados por Piranesi en una animación creada por Gregoire Dupond para Factum Arte.

Una experiencia maravillosa que nos remite a un universo que no tuvo nunca contrapartida en la realidad.

Más Información:

Piranesi. Develador de espacios. Islas y territorio. 21/01/2012

Giovanni Battista Piranesi, Carceri d’Invenzione. El hurgador.  02/07/2013

The Art of Piranesi. Factum Arte.

Reproducción del Vaso antico di marmo presso il Signor Dalton. Del grabado homónimo de Piranesi, 1778. Factum Arte