El Pabellón Dorado del Kinkaku-ji al pie del estanque con el paisaje de las montañas de Kitayama

De alguna manera, los ecos del Pabellón Dorado de Kioto han llegado hasta muchos de nosotros. Durante años, has oído hablar de la sofisticación y la belleza de la cultura tradicional [...]]]> Por Federico García Barba

El Pabellón Dorado del Kinkaku-ji al pie del estanque con el paisaje de las montañas de Kitayama

De alguna manera, los ecos del Pabellón Dorado de Kioto han llegado hasta muchos de nosotros. Durante años, has oído hablar de la sofisticación y la belleza de la cultura tradicional japonesa y esa pieza de arquitectura paisajística es uno de sus exponentes más cualificados.

Desde la lejanía Japón aparece como un territorio mítico caracterizado por una cultura peculiar que sigue anclada en un pasado delicado y en sutil de comunión con la naturaleza. Sin embargo, las ciudades japonesas actuales han desterrado radicalmente los vestigios de ese pasado, a excepción de los increíbles jardines y los grandes monumentos religiosos y conmemorativos. Hoy la ciudad japonesa, de las que Tokio es su exponente más significado, es un abigarrado amasijo de centralidades formadas por edificios recubiertos de reclamos publicitarios que se articulan por una densísima red viaria y ferroviaria. El espacio público allí está colapsado por multitudes que circulan rápidamente con una gran disciplina y consciencia cívica.

Frente a la idea de un país de ciudades repletas de tradiciones distintivas que se despliegan por lugares recoletos, cuando se llega a Kioto pareciera que te adentras en un futuro indescriptible. El gran hall de la estación central de trenes es un espacio piranesiano que asombra por su tamaño y su despliegue tecnológico de bóvedas metálicas a gran altura. Para llegar al Templo del Pabellón Dorado, abordarás un autobús repleto de turistas que recorre la ciudad en dirección a su extremo montañoso al norte. Las calles y avenidas son una sucesión  de casas anodinas alineadas que más parecen salir de una película escenificada en un Downtown del medio oeste norteamericano. Tras un trayecto de 30 minutos, se llega al recinto del templo y te adentrarás en una gran avenida bajo la sombra de espesos árboles que conduce a las taquillas donde cientos de personas hacen cola para adquirir una entrada. A 400 yenes por visitante, el templo es una auténtica máquina de recaudación turística, por la que circulan cientos de miles de personas cada año.

Finalmente, después de otro breve recorrido acompañado por una abigarrado grupo de turistas chinos, norteamericanos y procedentes de otros numerosos lugares del mundo, te asomarás al borde del estanque que enmarca al coqueto y sofisticado pabellón. Allí deberás luchar para poder hacer esa foto emblemática que atestiguará tu visita y que podrás mostrar a tus próximos. Tras ello, recorrerás el margen de la laguna aproximándote al edificio sin llegar a entrar en el mismo. Todo está muy controlado y pautado para atenuar el deterioro que supone el paso de esa masa inmensa de personas que lo visitan cada día. Finalmente, te adentrarás en un pequeño bosque recubierto de musgo para mediante un pequeño rodeo volver al punto de entrada al recinto eso es todo.

El visitante perplejo se preguntará por el sentido de su experiencia en el lugar más allá del asombro ante la belleza encapsulada en el lugar y de la que el pequeño edificio dorado es su punto focal. Lo curioso es que muy pocos se preguntan cuál ha sido su origen y significado más allá de unas breves pinceladas históricas que se incorporan al folleto que ofrece con la entrada en la que se hace referencia a su promotor allá por el siglo XIV.

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El Pabellón Dorado de Kioto. en Arquiscopio PENSAMIENTO

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Hoy nuestra colaboradora Dulce Xerach nos invita a un paseo imaginario para ver una pequeña y singular pieza de arquitectura situada en la pequeña isla de Teshima en Seto, el mar interior de Japón entre Honshu y Shikoku.

Interior del espacio creado por Ryue Nishizawa y Rei Nato. Foto: Louise McKnoulty

Hoy nuestra colaboradora Dulce Xerach nos invita a un paseo imaginario para ver una pequeña y singular pieza de arquitectura situada en la pequeña isla de Teshima en Seto, el mar interior de Japón entre Honshu y Shikoku.

Allí, se ha instituido un festival artístico singular: la Trienal de Arte de Setouchi que va a celebrar una nueva edición en los próximos meses. Es un encuentro que dura desde la primavera al otoño y que invita a artistas y arquitectos a desarrollar trabajos de todo tipo que se sitúan en varios emplazamientos. En ese espacio dedicado a la expresión contemporánea han intervenido miembros reconocidos de la comunidad artística internacional como Hiroshi Sugimoto, James Turrell y Jaume Plensa. También arquitectos japoneses de relieve como Tadao Ando y el premio Pritzker, Riue Nishizawa han realizado diversos proyectos.

Pero ninguno tan singular como el Museo de Arte de Teshima de Riue Nishizawa y Rei Nato sobre el que nos habla Dulce Xerach.

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La isla de la arquitectura sutil
Por Dulce Xerach

Vista aérea del complejo inserto en la isla de Teshima. Foto: Iwan Baan

El viaje que le voy a proponer lleva su tiempo. Si quiere subir a un avión e ir pronto y sin dilación olvídelo. La isla de la arquitectura sutil requiere otro esquema mental. No llegan hasta ella vuelos internacionales, ni siquiera llegan a un destino cercano. Prepárese para un largo viaje en carretera o tren y luego para tomar un ferry.

Luego, cuando por fin llegue al puerto tamaño bolsillo (y no pasa nada porque no los quieren más grandes sino tal y como son ahora) de la isla de Teshima (Japón), encontrará que solo un millar de personas viven en ella, todas repartidas en cinco ciudades minúsculas. Entonces coja un autobús, o mejor alquile una bicicleta motorizada para pasear por las pequeñas colinas. Al final, tras recorrer el paseo marítimo, en un recóndito lugar de Takamatsu, perdido en los mares de la prefectura de Kagawa, encontrará un maravilloso y sutil museo.

La estructura mide tan solo 40 metros por 60 metros, con una altura máxima de 4,5 metros. Es una estructura de hormigón sin pilares o columnas donde apoyarse. La naturaleza de los alrededores entra directamente a través de las dos aberturas de su orgánico y horizontal espacio interior. Las plantas que se utilizan son las malas hierbas indígenas que crecen en Teshima, nada más, y el museo se convierte así en parte del entorno. Más que un edificio es un lugar, es parte de la naturaleza.

Sí, un museo construido enteramente de hormigón. Pobre material el hormigón que nunca se sugiere por la mayoría de la gente como uno de los mejores medios y materiales para lograr la expresividad y el confort y sin embargo es el material perfecto si se sabe utilizar con maestría.

Zona de acceso al Teshima Art Museum. Foto: Iwan Baan

La arquitectura en forma de una delicada gota de agua del Teshima Art Museum fue diseñada por el arquitecto Ryue Nishizawa que recibió junto a Kazuyo Sejima el premio Pritzker en 2010, casi nada.

La audaz curva diseñada por el japonés era poco probable que pudiera construirse según los primeros ingenieros consultores que analizaron el proyecto, pero el arquitecto creía en ello y se empeñó hasta que los ingenieros fueron capaces de ajustar con precisión la forma que él quería. Esos desafíos son los que hacen que la arquitectura avance y solo son posibles cuando se cuenta con arquitectos que verdaderamente viven para la arquitectura (no de la arquitectura) y disfrutan de su profesión.

A pesar de que la intención inicial del museo había sido crear un espacio flexible que puede adaptarse a una variedad de obras de arte, este terminó albergando una sola creación, la sublime, sutil y vaporosa instalación del artista Rei Naito, inspirada en la arquitectura de Nishizawa y titulada Matrix.

Las gotas de agua se filtran aquí y allá a través de agujeros y se posan en el suelo, y luego se deslizan, frágiles, a lo largo de su superficie suavemente inclinada de manera imperceptible. Gotitas que luego absorben otras gotas mayores y forman charquitos. Una escena de una sutileza increíblemente atractiva. Simple pero de profunda belleza. De esas que emocionan a los niños y a los adultos que aún tienen esa capacidad intacta.

El paisaje también es indulgente. Dos aberturas ovaladas introducen el viento y la lluvia en el interior del museo que busca la paz con la naturaleza. Pequeño, simple, y sin embargo, increíblemente, más de 11.000 personas visitaron la isla en tan solo dos semanas tras la apertura para ver eso, casi nada, pero ¡qué casi nada de perfección y belleza!, de encuentro con uno mismo y con la naturaleza. Eso fue en 2010, luego los visitantes han continuado, como un diminuto pero constante río de gente sensible que quiere ir al menos una vez en la vida a un lugar tan especial.

Es como una negociación entre la tierra y el cielo, donde se puede caminar libremente simplemente observando, sintiendo. Y lo más curioso es que algo tan pequeño ha convertido a Teshima en un destino turístico del que enamorarse. Eso sí, de viajeros especiales y no de los que solo buscan all inclusive.

Grillo y gota de agua. Teshima Art Museum. Foto: Iwan Baan

Más información:

Museo de Arte Teshima. Arquiscopio 15/09/2012

Teshima Art Museum – Ruye Nishizawa in DETAIL. Metalocus 10/06/2011

Setouchi Trienal 2016. Página oficial del evento

La isla de la arquitectura sutil. El Día 14/02/2016

Mirei Shigemori ha sido uno de los grandes paisajistas del siglo XX, a pesar de que es desconocido fuera de su Japón natal. Su importancia cultural radica en su manera de entender la relación de su trabajo artístico con la larga historia [...]]]> El Jardín de los Dragones del templo de Ryoan-ji. Mirei Shigemori

Mirei Shigemori ha sido uno de los grandes paisajistas del siglo XX, a pesar de que es desconocido fuera de su Japón natal. Su importancia cultural radica en su manera de entender la relación de su trabajo artístico con la larga historia y las potentes tradiciones de la jardinería de su país.

Comenzando con el primer tratado de jardinería que se conoce, el Sakutei-ki -escrito en el siglo XII- y siguiendo por la amplía relación de templos de la ciudad de Kioto, Japón cuenta con una especial relación con el medio físico por el que sus habitantes sienten una veneración trascendental. Un hecho cultural que ha dado lugar a una variedad de enfoques y lugares en los que los jardines son una maravillosa forma de expresión artística. Como el Karesansui, estilo de construcción de escenarios de piedra y grava que inspiran la meditación.

Uno de los últimos exponentes de esta forma de arte de conformación del espacio ha sido Mirei Shigemori, un jardinero que se ha esforzado en enlazar con el pasado sin renunciar a establecer una conjugación contemporánea de las formas de los jardines secos. Para Mirei, delinear jardines de piedra, agua y vegetación se debe plantear desde el establecimiento de un rico diálogo entre aquellos que nos han precedido y los que habitamos el presente. Según él, para ello, es insoslayable un conocimiento profundo de lo acumulado en ese tiempo que nos ha precedido. Algo que hoy muchos tratan de ignorar con desprecio y autosuficiencia cayendo así en la banalidad generalizada.

En sus propias palabras:

Uno puede hacer jardines de acuerdo a la experiencia de los antiguos o siguiendo las formas del pasado, pero hoy la persona que diseña el jardín o lo construye está en el presente y no en otro tiempo. Eso significa que somos personas que vivimos en nuestro momento y no podemos recuperar las apariencias del pasado o hacer las formas de esos tiempos pasados. En esos casos, solo haríamos una imitación sin contenido.

Mirei Shigemori, Shin Sakuteiki, 1976

Los abstractos jardines secos que integran la tradición del Karseansui han asombrado a los artistas desde que fueron descubiertos y divulgados por viajeros occidentales en los últimos años del siglo XIX. Aun hoy sirven de fuente de inspiración para músicos, filósofos, escultores y arquitectos.

Más información:

Los espíritus entre las rocas. Arquiscopio PENSAMIENTO 17/01/2016

El Motsu-ji es uno de los jardines más antiguos de Japón. Un lugar que conserva su hermosura esencialista en un espacio arbolado conformado alrededor de un estanque. Allí, algunas piedras estratégicamente colocadas al borde del agua nos [...]]]> Las rocas que celebran la presencia de los “Kami” sobre la orilla del estanque en Motsui-ji

El Motsu-ji es uno de los jardines más antiguos de Japón. Un lugar que conserva su hermosura esencialista en un espacio arbolado conformado alrededor de un estanque. Allí, algunas piedras estratégicamente colocadas al borde del agua nos inducen a intuir la presencia de algo mágico, más allá de las armoniosas formas naturales del terreno y la belleza consustancial a una vegetación artificialmente dispuesta.

Motsu-ji se encuadra entre los espacios conocidos como Jardines de la Tierra Pura. Para los primitivos japoneses eran entornos naturales de carácter excepcionalmente hermoso que debían ser la residencia de los dioses debido a ello y apenas necesitaban de intervención humana. Quizás solo algunos pequeños apuntes simbólicos para indicar intuitivamente esa presencia de la divinidad.

Borde del estanque en Motsu-ji en contraposición al fondo boscoso que lo circunda 

En Japón se ha producido un sincretismo religioso que es el resultado de la integración paulatina de creencias de muy diverso origen. Desde el sintoísmo de origen local, al tao y el budismo procedentes de China e India, respectivamente. Hasta conformarse así un cuerpo de creencias altamente sofisticado y complejo que tiene como referente central el respeto y veneración a los elementos naturales.

Para muchos japoneses cada unidad del ambiente puede contener la esencia de un espíritu que proviene de criaturas desaparecidas. Para ellos, el alma de un pariente o un amigo podría haberse reencarnado en aquella pequeña planta que se observa al borde del camino o en un pájaro que canta sonoramente en la mañana. En consecuencia, su admiración y cuidado de lo natural se refleja constantemente en su pensamiento y sus artes.

Allí, la práctica de la jardinería se ha convertido en un uso colectivo recreado con el objetivo de lograr una depuración idealista de la belleza natural en relación con lo religioso. Desde el tratamiento floral individualizado del ikebana hasta la reconstitución compleja de paisajes imaginarios mediante el uso sofisticado de recursos naturales, pasando por los jardines interiores de las casas urbanas conocidos como “tsuboniwa“. Los jardines budistas son así una especie de templos en los que entrar en contacto con lo sagrado, que -de alguna manera sutil- es representado allí por los elementos naturales acumulados. Hace 800 años, durante el período de Edo, se produjo una recopilación de las tradiciones en el tratamiento paisajístico donde la colocación de las peñascos era el elemento esencial en la conformación de ese tipo de espacios transicionales destinados a confortar los espíritus. Dice el “Sakuteiki” (el más antiguo tratado de jardinería escrito en el siglo XI y atribuido a Tachibana no Toshitsuna) que un jardín debe contener rocas, agua y árboles dispuestos de una manera armoniosa y elegante, de acuerdo a sus características intrínsecas.

El riachuelo que suministra agua al estanque principal

El Motsu-ji en Hiraizumi al norte de Honshü, la isla principal de Japón, es uno de los escasos precedentes originales de todo esto. Motsu-ji es un ejemplo de los primitivos jardines que representan la idea del paraíso en la tierra. Un lugar de belleza excepcional que se presume habitado por todo tipo de “kami”, esas deidades del “Shinto” que se relacionan con los elementos naturales. Motsu-ji, es uno de esos “Jardines de la Tierra Pura” en el que se muy posible que se encuentren también los budas en su retiro tras la transmigración. Ese entorno paisajístico concreto y escasamente artificializado es un recinto conformado en el estilo húmedo o “numa ike no yo”. Solo se han realizado allí pequeñas y sutiles transformaciones: para ello. Cuenta con un pequeño riachuelo que acompaña al visitante con el sonido del agua en movimiento y un gran estanque delimitado por pequeñas extensiones de arenilla cuidadosamente acopiadas y rodeado por la fronda de bosques que se nos presentan como naturales o naturalizados. Una alineación de rocas hincadas y alineadas en el borde del agua nos induce a pensar en una presencia intuida.

Las estrategias de la jardinería japonesa están apoyadas inicialmente en la topografía, así como en la posterior introducción de rocas que constituyen casi el esqueleto del espacio que se quiere construir. Cada piedra es seleccionada con sumo cuidado y tiene un carácter sagrado espiritual al reconocerse como la morada de algunos espíritus. Luego vendrá la articulación de los recorridos del agua y de los estanques a modo de pequeños océanos en los que se inscribirán islas y en sus bordes se tratarán las orillas a manera de playas de grava. Para los japoneses, Suijin es la diosa sintoísta relacionada con el agua, una divinidad benévola que habita en lagos y ríos y que se suele representar como una piedra hincada en la orilla. Como se puede apreciar maravillosamente en el Motsu-ji.

Celebración del “Gokusui no En” en el jardín del Motsui-ji

En ese jardín se celebra el festival “Gokusui no En” durante el mes de Mayo. En ese evento, sobre las praderas de hierba cuidadosamente recortada que circundan el riachuelo, se sientan los hombres a componer poesía vestidos a la manera de la corte del pasado mientras las mujeres ataviadas con primorosos “kimonos” recogen tazas de sake que vienen transportadas por la corriente de agua. Se trata de inducir la inspiración estética melancólica del llamado “wabi sabi” para lograr una mayor longevidad en esta tierra.

Los jardines naturalizados como el que se describe, son artefactos altamente intelectualizados que, sin embargo, nos inducen a la contemplación y el disfrute de la belleza natural, casi a recuperar su sacralidad olvidada. En esos lugares maravillosos, la interacción de piedras, agua y árboles permite la relajación más allá de lo visual, introduciendo la percepción de los sonidos animales y del frescor generado por el viento sobre el agua. Se convierten así para los budistas en herramientas con las que purificar la mente atenuando la distancia entre el interior del sujeto y la naturaleza.

Se trata de inducir la aparición del silencio mental para permitir un despertar a una esencialidad interior. Una maravilla intelectual de una sensibilidad extrema propia de un pueblo tan refinado como el japonés.

Más Información:
El templo Motsu Ji de Hiraizumi. Japonismo 04/08/2004

A veces las cosas más simples contienen una gran densidad de contenido. Es lo que representa la propuesta de pabellón que ha ideado el arquitecto japonés Ryue Nishizawa para la ciudad de Kanawa [...]]]> El espacio interior del pabellón, resultado del alabeo y de formación de los planos formados por las láminas metálicas.

A veces las cosas más simples contienen una gran densidad de contenido. Es lo que representa la propuesta de pabellón que ha ideado el arquitecto japonés Ryue Nishizawa para la ciudad de Kanawa en la isla de Shodo.

Inserción de la propuesta escultórica en el patio de la escuela de Kanawa Pabellón Fukita. Idea básica de plegamiento. Ryue Nishizawa, 2013

El pabellón Fukita es un proyecto que ha sido resultado de un encargo del Festival Internacional de Setouchi. Art Setouchi es un encuentro que se celebra cada tres años en Japón y propone la realización de piezas artísticas en el territorio por las doce islas existentes en el mar interior Seto. es un evento que se centra en la estimulación de la creatividad comisionando la ejecución de obras a diferentes artistas y arquitectos en los distintos paisajes insulares, urbanos, rurales y naturales.

En la edición de 2013, el arquitecto tokiota Ryue Nishizawa recibió el encargo de transformar una antigua escuela en un centro cultural para el barrio circundante de la ciudad de Kanawa. Allí aportó la idea para situar en su patio jardín este espacio a modo de pabellón que conforma un ambiente que queda definido de una forma increíblemente escueta.

El recinto escultórico está formado por dos láminas colocadas paralelamente y formadas por piezas metálicas rectangulares que se distorsionan al plegarse por sus extremos. La inserción mantiene un respeto escrupuloso hacia los árboles presentes en el lugar que trata de no tocar. Y en su caso, abriendo pequeños agujeros para el paso de sus troncos. De esa manera tan sencilla -que remeda el comportamiento del papel en tensión- se logra generar un espacio de superficies alabeadas que se inscribe entre la vegetación existente para ofrecer un lugar de descanso y contemplación inusual. Es una reflexión simplísima sobre las posibilidades del plegamiento y de las posibilidades espaciales de la superposición de dos superficies alabeadas.

Al igual que ya haría junto a Kazuyo Sejima en el pabellón desarrollado para la Serpentine Gallery de Londres en 2007, aquí la construcción está pensada a la escala de los niños más pequeños, unos personajes que pueden desplazarse por su interior con facilidad. Mientras las personas mayores, padres y cuidadores solo pueden entrar agachándose y arrastrarse para pasar de un extremo al otro en una especie de rememoración de las surrealistas transformaciones de Alicia en la famosa obra de Carroll..

Es, por tanto, un espacio pensado para la ensoñación y para experimentar la medida del espacio distorsionado frente a la realidad geométrica que suele acostumbrarse. El arquitecto sugiere aquí que estamos ante una estructura que se plantea sin ningún sentido de orden o jerarquía; y que permite su exploración desde cualquier dirección. Aquí, Nishizawa trata de estimular la imaginación en un entorno neutro coloreado de beige generando una poética amable y acogedora dedicada especialmente a la infancia. Expresa la fascinación de lo sencillo para generar una experiencia compleja.

Este pabellón es así un territorio neutro que, desde un alto nivel de abstracción genera una urbanidad alternativa desde la ambigüedad espacial. En cierta medida, el arquitecto trata de estimular la creatividad desde el enigma de un espacio sin objeto concreto.

 Más información:

Ryue Nishizawa encompasses curves and folds. Behance.net
Art Setouchi
 

Para muchos occidentales, la civilización japonesa ejerce una gran fascinación como consecuencia de su carácter en extremo diverso y exótico. Su gran heterodoxia y sofisticación, para la visión subjetiva de un observador inserto en la cultura eurocéntrica, proviene seguramente de sus largos siglos de aislamiento, de la [...]]]> Tokyo. Carl Randall, 2013

Para muchos occidentales, la civilización japonesa ejerce una gran fascinación como consecuencia de su carácter en extremo diverso y exótico. Su gran heterodoxia y sofisticación, para la visión subjetiva de un observador inserto en la cultura eurocéntrica, proviene seguramente de sus largos siglos de aislamiento, de la posición geográfica del extenso archipiélago asiático en el extremo del mundo conocido,

Debido a ello, visitar las islas centrales de Japón es un ejercicio de turismo cultural intenso que lleva al viajero a descubrir unos paisajes sorprendentes y una idiosincrasia peculiar. Es lo que ha querido expresar el pintor británico Carl Randall en su proyecto más reciente, The Tokaido highway and portraits of modern Japan (El Camino de Hokaido y retratos del Japón moderno) una colección de obras, resultado de un periplo personal a ese país.

Puente de Yahagi en Okazaki. Utagawa Hiroshige, 1834

En 1832, el gran grabador japonés Hiroshige realizó también un largo viaje personal, recorriendo el camino principal de la gran isla de Tokaido. Su objetivo era representar los modos de vida de sus compatriotas y su relación con el ambiente específico que les rodeaba. Los grabados de bloque de madera de Hiroshige en estilo Ukiyo-e, que forman su famosa serie denominada Cincuenta y tres estaciones del Tokaido, son un monumento descriptivo de unas formas de vida desaparecidas y un reflejo de esas peculiaridades tan características de la cultura japonesa.

Hoy en día, esos elementos distintivos se reflejan de una forma diferente en las maneras en que los japoneses experimentan su propia geografía. Toda una idiosincrasia particular que Randall ha querido representar en sus trabajos realizados entre 2012 y 2013. Un periplo que plantearía como un recorrido de descubrimiento similar al que haría Hiroshige 180 años antes. Así un pintor europeo ha hecho una suerte de homenaje personal que nos presenta a los habitantes de un país que es ejemplo de desarrollo ligado a unas posibilidades culturales propias e intransferibles.

Electric Tokyo. Carl Randall, 2013

Sushi bar. Carl Randall, 2013

El viaje del pintor se inicia en la vibrante ciudad de Tokio. En esas imágenes de Randall podemos ver a los japoneses contemporáneos inmersos en una de las urbes más densas y complejas del planeta. Pequeñas cabezas que se apretujan en un entorno de edificios altos y manzanas abigarradas de construcciones y anuncios. En Electric Tokyo se nos enseña a un grupo de jóvenes, rodeados de vibrantes lámparas y pantallas luminosas, que son observados por una imagen electrónica de un actor caracterizado para una representación del Kabuki, esa forma tradicional del teatro que solo se representa en esas islas. Podemos percibir nuestras grandes diferencias de comportamiento en ese otro trabajo titulado Sushi Bar en que el artista nos retrata esa forma de comer tan exótica de las barras de la capital nipona en las que los platos circulan continuamente ante el comensal. Ahí podemos percibir el carácter solitario, entre estoico e introvertido de los japoneses.

Hakone. Carl Randall, 2013

 Kyoto. Carl Randall, 2013

El conjunto de obras muestra así esa peculiar intersección que se produce allí entre tradiciones y tecnologías de vanguardia. Muchos de sus figurantes siempre hablan por teléfono móvil mientras se insertan en esos paisajes únicos en el planeta, como los geométricos campos de arroz o los bosques otoñales bajo la masa cónica e icónica del monte Fuji. Mientras a lo lejos, circula el Shinkasen, el tren bala que une velozmente Tokio y Osaka en un paisaje nocturno punteado por los Torii, esas puertas en el mar que marcan la transición entre lo profano y lo sagrado en los santuarios Shinto.

Quizás la imagen más perturbadora es la titulada Zen Garden, Kyoto, un recinto bidimensional que contrapone la efigie en primer plano de un joven japonés con el fondo geométrico del patio jardín del templo de Ryōan-ji. La humanidad peculiar del joven Japón frente al producto cultural más sublime y tradicional, la representación escultórica de las islas sobre un océano de pequeñas piedrecillas.

La exposición de Carl Randall In the footsteps of Hiroshige (Tras las huellas de Hiroshige), resultado de la Beca de Viajes BP2012 ha estado en la National Portrait Gallery de Londres durante el verano de 2013.

Zen Garden, Kyoto. Carl Randall, 2013

Más Información:
Carl Randall. Paintings and Drawings
BP  Travel Award 2012. National Portrait Gallery

Carl Randall Japan Portraits

Tadao Ando y el Japón Sport Council (JSC) han anunciado los once finalistas que competirán en la ronda final del concurso internacional para el nuevo Estadio Nacional de Japón. Con la reconstrucción, el Estadio Nacional espera atraer eventos de [...]]]> Propuesta presentada por el equipo holandés UN Studio, en colaboración Yamashita Sekkei

Tadao Ando y el Japón Sport Council (JSC) han anunciado los once finalistas que competirán en la ronda final del concurso internacional para el nuevo Estadio Nacional de Japón. Con la reconstrucción, el Estadio Nacional espera atraer eventos de clase mundial con la capacidad del espectador más grande del mundo y mejor hospitalidad del mundo. El nuevo estadio ya se ha comprometido a organizar la Copa del Mundo de Rugby 2019 y está programado para la competición en 2018.
Tadao Ando , como presidente del jurado, describe este proyecto como: “Nuestro deseo es ver a un estadio diseñado por alguien que comparte esta tierra, con la sabiduría y la tecnología que mira hacia el futuro del planeta fuera.”

Una pequeña muestra de los proyectos finalistas a través de imágenes.

Un ganador se espera que sea anunciado a mediados de noviembre.

Presidente del Jurado:  

Miembros del Jurado:
Tadao Ando, Presidente
Hiroyuki Suzuki, Kishii Takayuki, Hiroshi Naito, Yasuoka Makoto, Junji Ogura,
Tokura Shunichi, Norman Foster, Richard Rogers, Ichiro Kono

Más información:
http://www.archdaily.com/288442/288442/

Proyectos finalistas:
 http://www.bustler.net/index.php/description/new_national_stadium_japan_international_design_competition/