Artistas que trabajan con el videoarte

Gianfranco Foschino, A New Landscape #7, video HD, 12 min, color, sin sonido, loop, 2013. Cortesía del artista

 El videoarte es una nueva forma de expresión surgida de la aplicación de las nuevas tecnologías surgidas en la segunda mitad del siglo XX. En el campo artístico, el movimiento del videoarte aparecería en los años hace cincuenta años y, sin embargo, aun hoy es algo bastante desconocido para el gran público.

Este artículo de Noemí Feo nos presenta el trabajo reciente de algunos artistas que trabajan específicamente apoyándose en las técnicas electrónicas para el tratamiento electrónico de las imágenes en movimiento y que fueron el motivo para una exposición celebrada recientemente en la galería tinerfeña Leyendecker. Son trabajos de Jeremy Blake, Gianfranco Foschino, Oliver Herring, Julian Rosefeldt y Miwa Janagi que evidencian un lenguaje propio en esta corriente singular del arte contemporáneo.

Vivo Videoarte
Por Noemí Feo Rodríguez *

Fotograma del vídeo “Little dance of Misfortune” (2001) de Oliver Herring

El 4 de Octubre de 1965, Nam June Paik presentó en el Café Au Go-Go de Nueva York su obra experimental en vídeo. El artista coreano había grabado con una cámara portátil las calles de la ciudad, con motivo de la visita del Papa VI para media hora más tarde mostrar el resultado en el café neoyorquino. La historiografía ha señalado esta fecha como el inicio de las prácticas video artísticas (1), a pesar de que la cámara que utilizó fuera la Sony Portapack, no comercializada hasta 1967 y que necesitara “conectarse a un enchufe de pared y no hubiera podido ser adaptada para funcionar sin baterías” (2). Dos años antes, en 1963, Wolf Vostel había presentado en la Galería Smollin de Nueva York su instalación 6 TV Décollage, en la que se presentó la considerada primera videocinta artística Sun in your head. Ambos pioneros del videoarte reflejaron con el nuevo lenguaje artístico un cambio de código, es decir, de concepto. Eugeni Bonet señala que no es lo mismo la definición de videoarte hoy en día que aquella de sus comienzos, cuando era entendido como “documentos de performances y abstracciones sintetizadas, experimentos técnicos y proyecciones egotistas, testimonios sociopolíticos y propuestas autorreflexivas, actividades procesuales e instalaciones escultóricas, etc., y todo circulaba por los mismos ámbitos incluidos los museístico” (3).

El videoarte nace en una época de cambios en el ámbito cultural, político y social. La proliferación de tendencias artísticas fundamentadas en el cine y el vídeo se sucedieron a lo largo de la década de los sesenta. La aparición de la televisión favoreció definitivamente el uso de la imagen y su poder en el ideario colectivo, devorado por la celeridad y la inmediatez de lo visual. Los artistas aprovecharon las nuevas formas de expresión que vinculaban el arte y la tecnología para grabar sus perfomances y happenings, manipular las imágenes, crear emociones instantáneas, incoherentes e inconexas, o establecer narraciones evidentes que acercan al espectador hacia un medio que reconoce. Desde el arte conceptual, el pop art, el minimalismo… el vídeo se posicionó en un lugar privilegiado en el discurso artístico. Y ahí continúa.

Hoy en día, a pesar del estallido tecnológico, el videoarte se mantiene como una “antigua” demostración científica de la invención humana y como una útil herramienta expresiva que se encuentra presente en los grandes circuitos expositivos: “El vídeo tiene que competir ahora con el net.art y los streaming media, la animación digital y los CDs interactivos. La mayor parte de los festivales de vídeo se han convertido en muestras de media art, ofreciendo al vídeo como una más de sus atracciones. Y en las universidades la investigación en arte y tecnología también se ha mudado al campo de lo digital. Por otra parte, el vídeo ha florecido entre las artes visuales, pero su aproximación a menudo ignora la especificidad y la historia del video arte. Muchos artistas visuales se mueven con soltura en el circuito de bienales y galerías, donde las video instalaciones se prefieren a las piezas monocanal, mientras los video artistas tradicionales tienen dificultades para mover sus piezas. Finalmente, la introducción del video en la industria del cine ha seducido a  algunos video artistas a probar suerte en ese mundo” (4).

Algunos de los nombres más destacados de esta tendencia artística, acaban de exponer su obra en la colectiva Videoart, celebrada en la Galería Leyendecker de Santa Cruz de Tenerife. Utilizando el vídeo como soporte en el que el mensaje se convierte en imagen, artistas como Jeremy Blake, Gianfranco Foschino, Oliver Herring, Julian Rosefeldt y Miwa Janagi evidencian una producción propia que, con un medio tecnológico de nuestra historia reciente, se renueva en la lectura subjetiva del artista actual. Su discurso requiere de una apreciación diferente. Por un lado, el tiempo de los vídeos varía desde los 30 minutos de la obra del psicodélico Blake hasta los tres minutos de de la simpleza sofisticada de Herring. Por otro lado, las narraciones se recuperan, como en la obra del silencioso Foschino o el cíclico Rosefeldt, así como sus vídeos se convierten en un trabajo casi pictórico y casi cinematográfico. También las animaciones digitales o los DVDs evidencian el peso de los nuevos recursos tecnológicos, que sin embargo, no ponen fin al verdadero sentido original del videoarte.

Vídeos de Miwa Yanagi, Gianfranco Foschino y Jeremy Blake en la muestra Videoart. Cortesía Galería Leyendecker.

 Inauguración de la muestra Videoarte con el catedrático de Historia del Arte, Fernando Castro Borrego y el director de la galería Leyendecker Ángel Luis de la Cruz. Cortesía de la Galería Leyendecker.

Estas raíces se encuentran en la obra de Oliver Herring (1964), “Little Dances of Misfortune” (2002), que evidencian la armonía entre cuerpo y arte, imagen y representación. Los conceptos repetitivos, las metáforas y el juego en su afirmación/negación surgen entre reminiscencias al cine, a la vida y a la pérdida a través de la performance, el uso de la pintura fluorescente y la oscuridad. Una obra que es un circo, un teatro, un espectáculo risueño y a veces inocente: “En opinión de Mason Klein, la preocupación de Herring por «el proceso y referencia sin desarrollo predefinido» se revitalizan mediante «una interesante inclinación de la cabeza, tanto de forma pintoresca como a lo performance, elementos que históricamente han tenido un diálogo fascinante, sea en la coreografía del expresionismo abstracto de Pollock o en el pop pintado a mano y puesto en escena por Johns»” (5)

Oliver Herring explica su relación con el arte. Entrevista en Art21

El mundo solitario de Rosefeldt en “Loneny Planet” (2006), es un rompecabezas que no es necesario resolver: “En los vídeos hay una narrativa, porque se alcanza un clímax, pero casi toda las cintas se establecen como un bucle, por lo que no hay ni un principio ni un fin. Otro aspecto que se repite en mis obras [...] es el homenaje que rindo al cine por antonomasia: Aquí hay ciencia-ficción en The Shift, Bollywood en Lonely Planet, western en American Night… Y, en cierta medida, esto tiene que ver con los rituales diarios, porque el mito del cine crea muchas de nuestras imágenes del mundo y nos educa culturalmente como individuos: Y el siguiente creador construirá sobre esas imágenes ya existentes. La cultura americana, pese a su juventud, por ejemplo, ha cambiado el aspecto físico de los seres humanos” (6). Y es aquí, cuando Rosefeldt actúa construyendo y destruyendo la propia mitificación, como lo hace también en “Stunned Man” (2004), que forma parte de su serie Trilogy of Failure, junto a “The Soundmaker” y “The Perfectionist”, donde el humor y la payasada evidencian la risa y la ironía.

Jeremy Blake (1971-2007) creó una obra hipnótica, absolutamente psicodélica. “Berkshire Fangs” (2001) definida como pintura en movimiento es una “casi infernal” narración de tonalidades que cambian constantemente. Al igual que “Mod lang”(2001), en ambas obras el artista juega con el espectador a través del ritmo visual y cromático. Esta animación digital, representaba para Blake, la influencia de Morris Louis, Rothko, Archigram o Ruscha, así como la conexión con la música ya que el título “Mod Lang” es también el título de la canción del grupo americano Big Star formado a principios de los setenta. Las sensaciones y el diálogo con el espectador a través de una imagen exuberante, hicieron primar en su obra las emociones frente a una línea estética constante (7).

Una estética que Gianfranco Foschino (1982) centra en el detalle en “A new Landscape #6” y “A new Landscape #7”, ambas realizadas en 2013. En su obra, “el ejercicio contemplativo es un acto de observación, pero también de concentración. Observar el detalle en una sociedad de consumo no es quizás el elemento característico de la masificación, y son por ello la simpleza, la nitidez y la claridad los conceptos que permiten descubrir un proceso que se encuadra como elemento pictórico, como representación fotográfica y como exaltación cinematográfica. La relación obra-espectador es sencilla, pero sólo al descubrir el detalle del movimiento, que no se creía encontrar, la obra obtiene el resultado final” (8). El vídeo se convierte en fotografía, y la fotografía en pintura. El público contempla la obra y realiza exactamente lo contrario, observa una pintura y luego ve la fotografía, para en un último intento, observar el dinamismo camuflado en la quietud.

De la sencillez de la imagen de Foschino, a la intriga de Miwa Yanagi (1967). Experta en el arte de la escenificación, la artista nacida en Kobe (Kyoto) crea un universo único. En “Sunna Onna” (2004), realizado en Tenerife, en el Parque Natural de las Cañadas del Teide, presenta a una mujer anciana que relata a su nieta su encuentro con “La mujer del agua” cuando era solamente una niña. “Girls in her sand” (2004) es el misterio. El espectador se involucra en la obra como protagonista visual, descubriendo un escenario desolador en el que los personajes van y vienen en un grotesco paseo por la nada. Mientras, el público observa con temor lo desconocido, el velo que quizás habría que rasgar.

La imagen es el recurso para expresar las capacidades técnicas y discursivas del artista. En la muestra Videoarte, la pureza, la vida, la estética, el silencio y lo inesperado, convierten la imagen en un código interpretativo, en un mensaje que el espectador, acostumbrado al poder de lo visual-tecnológico debe por fin redescubrir. Nacido para reivindicar, el videoarte sigue vivo para mostrar que la imagen no tiene porque ser ya un vicio irreverente.

* Noemi Feo Rodríguez

Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Laguna y actualmente prepara su Tesis Doctoral en Arte Contemporáneo bajo la dirección del profesor Fernando Castro Borrego.
Es promotora de la empresa de animación CanariasCulturas que realiza recorridos culturales por diversas ciudades de las islas Canarias.

NOTAS:
(1) HANHARDT, John G. “Dé-collage/collage. Notes Towards a Reexamination of the origins of Video Art”. En: Illuminating Video. Eds: Sally Jo Fifer y Doug Hall. Nueva York: Aperture, The Bay Area Video Coalition, 1990 p.71.
(2) SHERMAN, Tom. “The Premature Birth of Video Art”. Experimental Television Centre, 2007. Disponible en web: http://www.experimentaltvcenter.org/sites/default/files/history/pdf/ShermanThePrematureBirthofVideoArt_2561.pdf.
Consulta 29 de Marzo de 2014.
(3) BONET, Eugeni. “Metavideo. Del estado del vídeo, su historia y su estética”.
En: La Imagen Sublime. Madrid: Museo Centro de Arte Reina Sofia,1987, p. 15.
(4) ALONSO, Rodrigo. Hacia una des-definición del videoarte. ISEA Newsletter, 100, Abril – Mayo 2005
[Disponible en red]. http://www.roalonso.net/es/pdf/videoarte/desdefinicion_esp.pdf.
Consulta: 29 de Marzo de 2014.
(5) En “Oliver Herring presenta su obra en Tenerife”. El Día [en línea] 19 de Junio de 2003. Disponible en http://eldia.es/2003-06-19/CULTURA./cultura1.htm. Consulta el 4 de Abril de 2014.
(6) DÍAZ-GUARDIOLA, Javier. “Julian Rosefeldt: «Me gusta mostrar el andamiaje de las emociones»”. ABC [en línea].
Disponible en web: http://www.abc.es/20101016/cultura-libros/abccultural967entrevistaarte-201010141706.html.
Consulta 4 de Abril de 2014.
(7) GRIFFIN, Tim. “H-h-h-his generation”. Time Out, New York. Octubre 18-25, 2001, p. 75- 76. 16 de Octubre de 2010.
(8) FEO RODRIGUEZ, Noemi María. “Gianfranco Foschino. El origen del tiempo en Rapa Nui”. Artishock, 12 de Octubre de 2013 [en línea].
Disponible en Web: http://www.artishock.cl/2013/10/gianfranco-foschino-el-origen-deltiempo-en-rapa-nui/. Consulta 30 de Marzo de 2014.

Entrevista a Gianfranco Foschino de Switch TV Online