ARQUISCOPIO » Nueva York

La simbología de las Torres Gemelas

Federico García Barba — Sat, 31 May 2014 10:37:55 +0000

Las dos torres gemelas del World Trade Center. Minoru Yamasaki. Nueva York, 1976

Hace más de doce años, las icónicas Torres Gemelas de Nueva York desaparecían como consecuencia del mayor atentado terrorista que se conoce. Perpetrado por un puñado de fanáticos supondría un mazazo ideológico para una concepción del mundo basada en la preeminencia de la libertad, el individualismo exacerbado y la depredación extrema de los recursos.
Desde entonces, aquellas columnas gigantescas que presidían la ciudad Nueva York, uno de los templos de las finanzas mundiales, serían una ausencia reiteradamente aludida. En apenas un par de horas, uno de los símbolos recurrentes del capitalismo contemporáneo se habían volatilizado físicamente.

Después vendría una voluntad de reconstrucción y recuperación simbólica esencial para el pueblo norteamericano y los valores representados por aquel par de sencillos edificios. Durante algo más de una década se aportarían infinidad de ideas para sustituir lo que se había esfumado en el aire. En 2003 el arquitecto Daniel Libeskind ganaría un disputadísimo concurso para diseñar el edificio que viniera a reponer las torres destruidas. Le seguirían años de controversias y forcejeos políticos e inmobiliarios, teñidos por la rentabilidad económica, lo que acabaría desluciendo el carácter alegórico de su propuesta.

Freedom Tower. Propuesta ganadora del concurso internacional para el nuevo World Trade Center. Daniel Libeskind. Nueva York, 2003

La simbólica esperanza que parecía representar el diseño para la Torre de la Libertad (Freedom Tower) de Libeskind acabaría siendo sepultada por los intereses coyunturales. El One World Trade Center de los arquitectos Thomas Boada y David Childs que finalmente se ha construido, es una anodino edificio multifacetado en cristal que parecería reflejar de alguna manera el decreciente papel del imperio norteamericano en el concierto mundial. La construcción propuesta se ha convertido así en solo negocio olvidando de esa manera la carga representativa que puede provocar la arquitectura.

Sobre aquel hecho luctuoso sin precedentes se han producido infinidad de reflexiones y ríos de tinta. Son esfuerzos intelectuales que tratan de explicar que fue lo que realmente ocurrió. Una de sus derivaciones es la que se refiere a su representación artística y es sobre lo que reflexiona nuestro colaborador Yose Fernández en el siguiente artículo titulado Arquitectura, performance y terrorismo.

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One World Trade Center. Thomas Boada y David Childs. Nueva York, 2013

El entorno de las torres gemelas del World Trade Center en una imagen aérea de Manhattan. Hacia 1970, autor desconocido. CLOG Magazine

Granjas en los tejados

Federico García Barba — Wed, 13 Nov 2013 20:19:43 +0000

Ben Flanner es un agricultor “sui generis”. Ha iniciado una empresa dedicada a cultivar verduras y producir huevos y miel en la cubierta de un edificio en el denso barrio neoyorquino de Brooklyn. Forma parte de una generación de pioneros que creen que el futuro está en la agricultura de proximidad integrada dentro de las fábricas urbanas existentes.

La llamada Granja del Tejado de Brooklyn (Brooklyn Grange Rooftop Farm) es una empresa comercial, pero también un experimento que está obteniendo excelentes resultados en la producción local de alimentos. El equipo que la promueve es un grupo de personas altamente motivadas que tratan de generar mayor sostenibilidad en una área urbana de alta densidad edificada como es la región metropolitana de Nueva York.

La superficie de cultivo, que supera los 4000 m2, está situada en la azotea de un edificio de 6 plantas y se considera la mayor del mundo en esta especialidad. es un oasis verde que se estableció en 2010 y está rodeado de edificios y se sitúa en el 3718 de Northern Boulevard del barrio de Queens. En ese espacio se mantienen animales y se celebran también todo tipo de actividades recreativas, como comidas y celebraciones familiares. La producción se extiende a 40 variedades de tomates, pimientos, hinojo, lechugas de ensalada, col rizada, acelgas, judías de todo tipo y una gran representación de deliciosos vegetales de raíz como remolachas, zanahorias y rábanos.

Flanner, su principal promotor (o granjero mayor como le gusta presentarse) es un pionero en la conceptualización de la agricultura urbana. Su formación es la de ingeniero industrial, teniendo también conocimientos empresariales y de marketing. En 2009, este ingeniero fundó la primera instalación de cultivo sobre techo en el área de la ciudad de los rascacielos y es reconocido como un líder en este tipo de planteamiento alimentario alternativo.

La instalación realizada en Brooklyn produce alimentos que son 100% orgánicos, al no usar pesticidas ni abonos industriales. Pero la mejor contribución a la sostenibilidad es la que significa que esos vegetales y frutas se producen de una manera muy cercana, eliminando radicalmente el uso de combustibles que pudieran ser necesarios para su transporte. Además, se genera así una motivación comunitaria muy potente para la población implicada, aquella que liga a productores y consumidores en un entorno próximo, estimulando indirectamente una economía alternativa que puede derivar fácilmente hacia el trueque. Con ello, se puede salir del sistema de flujos monetarios tan necesarios para la reproducción de ese sistema financiero que nos está llevando a una acelerada destrucción global.

Esta próxima semana, Ben Flanner va a dar una charla sobre estas cuestiones que anticipan el futuro en el Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña.

Más información:
Ben Flanner, Brooklyn Grange. Master in Advanced Architecture. IAAC 19 de noviembre de 2013
Brooklyn Grange. Página oficial

Restaurante The Wright

Federico García Barba — Thu, 08 Aug 2013 12:10:35 +0000

Fotos: Peter Aaaron, ESTO

En 2010 se inauguraría el nuevo interiorismo para el bar y restaurante del Museo Guggenheim de Nueva York. Es un brillante trabajo del arquitecto André Kikoski que fue galardonado porla Asociación Americana de Arquitectos en 2012.

Es un trabajo sutil que establece un diálogo enriquecedor con el clásico edificio de Frank Lloyd Wright de 1959. El diseño se inspira en las geometrías curvas características de la última etapa del maestro americano y, al mismo tiempo, su concepción como espacio dinámico se ofrece como un homenaje al propio edificio.

Una intervención cuidada que no respeta la obra preexistente y no renuncia a ofrecer un toque de contemporaneidad acorde con la estética del momento.

Diseño del banco que unifica el espacio interior. Foto : Philip Greenberg

El propio arquitecto explica así su intervención:

Para nosotros era a la vez un gran honor y un desafío estimulante proyectar The Wright, el nuevo restaurante del Museo Guggenheim – que es la primera adición al interior de ese emblemático edificio. Hemos tratado de generar un espacio contemporáneo que complemente el edificio original con un presupuesto.

Nuestro diseño propone referencias a la arquitectura del edificio sin repetirla. En el proceso, transformamos las geometrías arquitectónicas subyacentes añadiendo e nuevos efectos espaciales dinámicos. Como las formas escultóricas que propusimos creando un techo abovedado. O las paredes onduladas que se transforman en cómodos asientos. La barra también se arquea y la mesa corrida anima el espacio. Pensamos que el juego de estas formas ofrece una experiencia dinámica para los visitantes.

Es un trabajo altamente táctil que se apoya en la elaboración de materiales innovadores y contemporáneos. Se incluyó la fibra óptica sobre los panelados de madera de nogal, piezas brillantes de metal realizadas especialmente para el lugar, superficies sin junta de Corian, planos de tejido grises texturados e iluminados y un dosel blanco brillante de la membrana textil tensada. En conjunto, estos materiales y los colores forman un complemento perfecto para la pieza artística dela británica Liam Gillickque define el fondo.

Las superficies y texturas enmarcan el movimiento, creando una estética cambiante que está amenizada con capas sutiles de iluminación y fuertes niveles de luz que envuelven todo el espacio. Se logra así un ambiente elegante y dinámico para comer que tanto celebra y trasciende al propio museo, Algunos lo definen como “una joya en el Guggenheim”.

Más Información:
Celebrating Frank Lloyd Wright. We Heart 12/01/2010
Página Oficial de André Kikoski

Croquis y equema de planta que explican la composición general

Acceso principal al recinto del restaurante

Laboratorios de la Universidad de Columbia

Federico García Barba — Thu, 11 Jul 2013 19:03:53 +0000

Fachada del edificio de Ciencias de la Universidad de Columbia hacia la avenida Broadway. Foto: Michael Moran

A mediados de la década pasada, el arquitecto español Rafael Moneo recibiría el encargo de construir un nuevo edificio que ampliase las instalaciones de la emblemática Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. Un reto profesional en diálogo con los rascacielos de Manhattan a partir del que construir una obra de arquitectura singular junto a la avenida Broadway.

Diagonales, Tate Gallery. Frank Stella, 1967

Seguir leyendo Edificio de Ciencias de la Universidad de Columbia

Saskia Sassen, un nuevo reconocimiento

Catalina Garcia Trujillo — Thu, 23 May 2013 10:52:22 +0000

La sociologa Saskia Sassen en una conferencia que impartió en la Universidad de Navarra. 2011

Este mes se anunciaba la concesión del Premio Príncipe de Asturias de Ciencias Sociales a la socióloga Saskia Sassen. Un merecido galardón a una persona que ha aportado una visión muy esclarecedora para la comprensión de las ciudades en el siglo XXI

Sassen se daría a conocer internacionalmente con la publicación en 1991 de su ensayo sobre la ciudad global, The Global City, New York, London, Tokyo. Un trabajo de análisis que diseccionaba en profundidad los mecanismos que conforman la polarización y la centralización de las funciones de comando económico en unos pocos lugares del mundo.

Saskia Sassen es la personificación del carácter crecientemente nómada de aquellos que se dedican a la investigación y la cultura. Nacida en Holanda, pasaría su infancia en Buenos Aires, Roma y Francia para luego recalar en los Estados Unidos, país donde ha desarrollado lo más prominente de su carrera como docente e investigadora en la especialidad de la sociología urbana. Actualmente, ejerce como profesora en la neoyorkina Universidad de Columbia, ciudad donde reside con su marido, el también eminente sociólogo Richard Sennett.

Sus publicaciones y participaciones en congresos y seminarios son numerosísimas, habiendo sido Profesora Visitante en la prestigiosa London School of Economics. Sus investigaciones sobre la desigualdad se reflejan en libros como Cities in a world economy (2000) y Una sociología de la globalización (2007). Trabajos que son una referencia esencial para entender los procesos en curso de pauperización progresiva de las clases medias en todos los países y la acentuación de los procesos de concentración de la riqueza en una parte muy reducida de la población mundial.

Portada de la segunda edición del libro The Global City. 2001

Sus tesis sobre la globalización contradicen esa visión neutral de la geografía del planeta que se difunde intencionadamente. Para ella, no todos los lugares son iguales desde el punto de vista de la organización económica, sino que la localización, la historia y la organización política imperante tienen siempre una influencia decisiva para el establecimiento de la riqueza en las ciudades. Según Sassen, el desarrollo del capitalismo lleva a la concentración de las actividades hiperespecializadas en determinadas metrópolis de los países más avanzados. Allí, en esas aglomeraciones, que ella identifica primariamente con Nueva, York, Londres y Tokio, se localizan las funciones de comando económico planetario. Precisamente por ser los lugares del planeta más abiertos y mejor interconectados digitalmente.

Esta socióloga describió por primera vez en la Ciudad Global, los flujos esenciales que articulan la economía mundial, personas, mercancías, capitales e información. En los nodos mejor integrados en el sistema mundial de comunicaciones, por donde se canaliza de una manera eficiente la circulación de estos flujos es donde se han ido centralizando progresivamente las funciones mas especializadas del comando económico. Sassen identifica éstas con las actividades relacionadas con los servicios de consultoría estratégica dedicadas a apoyar la gestión financiera y logística de las mayores firmas transnacionales. Son actividades tales como los sistemas de contabilidad estándar y el asesoramiento legal y financiero; también el manejo de las relaciones públicas globales, la publicidad y el marketing de alcance internacional. Y, finalmente, la industria de la programación y gestión avanzada de las telecomunicaciones de largo alcance y espectro.

Panorámica de las tres ciudades globales de comando, Nueva York, Londres y Tokio. Imagenes: Skyscrapercity

Frente a la visión de la neutralidad del espacio en un planeta densamente interconectado, Sassen ofrece la visión de esas ciudades del comando mundial como recintos exclusivos en los que tiende a concentrarse el talento y la innovación; y en los que se genera la interacción sinérgica de las elites que ejercen el control mundial de la economía con el apoyo de una mezcla compleja de firmas, expertos y especialistas en un rango amplio de actividades. Las ciudades globales se han convertido así en una especie de espacios que centralizan las decisiones y están altamente especializados, por ello, en el manejo de una información sumamente compleja.

Finalmente, la profesora Sassen señala la formación de un sistema urbano transnacional hiperconectado, tanto telemáticamente como para el movimiento de personas, que se desvincula radicalmente de la geografía próxima. Ahí se produce la concentración máxima de riqueza anotada digitalmente mientras la inmensa mayoría de la población mundial se empobrece progresivamente incapaz de controlar o simplemente interactuar con esos procesos de los flujos del capital.

Solo por habernos hecho entender estas ideas merece Saskia Sassen el premio que le han concedido.

Más Información:

Página Oficial de Saskia Sassen
La socióloga Saskia Sassen, Príncipe de Asturias de Ciencias Sociales. Reuters 15/05/2013

Entrevista a Saskia Sassen. Congreso Arquine 14. Ciudad de Mexico, noviembre de 2012

Labrouste y la luminosidad de las estructuras

Federico García Barba — Fri, 26 Apr 2013 17:23:54 +0000

Interior de la Biblioteca National de París. Henri Labrouste. Foto de Georges Fessy, cedida por cortesía del MoMA

Henri Labrouste es un arquitecto esencial en la transformación de la arquitectura del siglo XIX. Sus ligeras estructuras metálicas pudieron dar contenido espacial a dos magníficos edificios culturales de la ciudad de París: las bibliotecas Nacional y de Sainte Genevieve.

Dibujo a la aguada de basa y capitel de una de las piezas que componen la columnata del Panteón de Roma. Henri Labrouste, 1830. Imagen cedida por el MoMA

Labrouste tiene un significado especial para la arquitectura, especialmente la que surge en Francia a raíz de la fundación de la Ecole Politechnique en 1858. Sus planteamientos espaciales revolucionarios han significado que haya que considerarlo también como una personalidad esencial en la historia de la arquitectura contemporánea. Sus ideas sobre la racionalidad de las estructuras y el experimentalismo relacionado con los materiales tendrán además una influencia decisiva sobre el enfoque de la arquitectura que se desarrollará posteriormente.

Henri Labrouste fue admirado por sus contemporáneos debido a su gran capacidad para imaginar espacios luminosos y teñidos por un orden lógico sin complacencias. Sus estructuras de hierro forjado son espectaculares en su sencillez y eficacia. Como las que desplegaría en las grandes salas de lectura de las dos bibliotecas parisinas por excelencia, Sainte Genevieve de 1850 y la Nationale de France de 1868.

Uno de sus coetáneos, el mismísimo Viollet Le Duc, lo consideraba uno de los grandes maestros de la disciplina de la arquitectura. Y es que Labrouste no solo tenía una innegable capacidad técnica sino que también era un gran erudito, conocedor de las grandes obras de la antigüedad. Es algo que demuestran demuestran sus magníficos dibujos y exquisitos grabados de la arquitectura clásica que empezaría a realizar ya desde sus tiempos de estudiante, durante su estancia en Italia disfrutando del galardón que le concederían como Grand Prix de Rome.

Pero su influencia iría más allá de su siglo. Sus vibrantes espacios tienen ecos que se proyectan hasta bien entrado el siglo XX. Esa forma majestuosa de pensar los espacios para el estudio y el trabajo, en los que la luz tiene un papel esencial, los podemos hallar reflejados en obras como la nave de oficinas de la Johnson Wax Co de Frank Lloyd Wright; o en la más cercana cubierta del Palazzo del Lavoro, que Pier Luigi Nervi acabaría de construir en Turín en 1961.

Palazzo del Lavoro de Turin. Pier Luigi Nervi, 1961. Foto: Justin

En estos momentos, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York está presentando la obra de este insigne arquitecto francés. Es una magnífica exposición que se desarrolla a lo largo de los meses que van desde Marzo hasta Junio de 2013. La muestra ha sido organizada por Barry Bergdoll, Conservador de Arquitectura y Diseño del MoMA en colaboración con Corinne Bellier de la Cité de l’Architecture parisina y el historiador francés Marc Le Cœur.

Más información:
Henri Labrouste: Structure brought to light. MoMA exposición abierta hasta el 24 de Junio de 2013
Henri Labrouste: Structure Brought to Light. Metalocus 25/10/2012

Sala de lectura de la Biblioteca de Sainte Genevieve, Paris. Henri Labrouste. Foto de Michel Nguyen, cedida por el MoMA

Sobre la exposición de Labrouste. Entrevista a Barry Bergdoll. Blouin Artinfo

Saraceno y sus castillos en el aire

Federico García Barba — Mon, 11 Mar 2013 16:04:02 +0000

Tomás Saraceno es un joven artista y arquitecto argentino que tiene una obsesión: lograr habitar sobre las nubes. En sus últimas exposiciones ha construido elementos que pretenden flotar en el aire como una suerte de utopías volátiles. Su obsesión es modificar la percepción del espacio arquitectónico luchando contra la gravedad.

Cloud city. Museo Metropolitano de Nueva York. Tomás Saraceno, 2012

Después de la Modernidad Líquida que nos explicaba Zygmunt Bauman hace ya más de quince años, muchos aspiran a un estado casi gaseoso. Flotar en el espacio y tener una residencia en el aire, casi sobre las nubes, como ha pensado Tomás Saraceno. Su obra se inspira en la tradición de las arquitecturas utópicas de principios del siglo XX. Un tema de candente actualidad para la vanguardia de la arquitectura contemporánea que nace del deseo de crear estructuras aéreas habitables por el hombre, energéticamente autosuficientes y de bajo impacto sobre el medio ambiente.

Con estudio en Alemania, primero en Frankfurt y ahora en Berlín, este artista sudamericano ha alcanzado ya una cierta notoriedad internacional al haber realizado diversas muestras en algunos países y centros esenciales para el arte contemporáneo. Como las que ha presentado en Italia y Estados Unidos. En la Galleria d’Arte Moderna de Milán ha mostrado recientemente una instalación titulada On space time foam. Consiste en una gran pompa formada por una fina película plástica flotante de gran resistencia que rellena el espacio central del Hangar Bicocca. Consta de tres niveles practicables a los que se puede acceder para percatarse de la transparencia y la altura. Esta especie de pompa del tiempo ha requerido la participación colectiva experimental de varios ingenieros y arquitectos en un equipo multidisciplinar.

En Estados Unidos, ha hecho en el verano de 2012 otra instalación denominada Cloud City. Es una estructura de icosaedros metálicos y paredes acristaladas construida sobre la cubierta del Museo Metropolitano de Nueva York. Una pequeña constelación de espacios visitables que se expande desde los tejados del edificio permitiendo disfrutar de las hermosas vistas de Central Park. La nube urbana tuvo una gran repercusión mediática en la ciudad de los rascacielos, al establecer un nuevo espacio lúdico sobre el museo y el parque.

On the roof. Museo Metropolitano de Nueva York. Tomás Saraceno, 2012

Actualmente, trabaja en el proyecto de una nueva instalación a ejecutar sobre el puerto de Rotterdam en Holanda. Es lo que denomina una Plaza Volante, que se basa en un concepto de espacio aéreo accesible formado por burbujas transparentes que ya ha pensado también para otros emplazamientos como Shanghai.

Saraceno según sus propias declaraciones, plantea la superación de todo tipo de barreras geográficas, físicas, sociales y también, de comportamiento. Trata de investigar desde la estética otras posibles vías para conseguir una vida humana que sea sostenible en las actuales condiciones del planeta.

Más Información:
Interview with Tomás Saraceno. Bettery Magazine
Saraceno on the roof. Metroplitan Mueseum of Art
Tomas Saraceno. Página del artista

On space time foam. Instalación en el espacio Bicoca de la Galleria d’Arte Moderna de Milán. 2012.

La vida en las nubes. El sueño cumplido de Tomás Saraceno

Arquitectura para las marcas

Federico García Barba — Tue, 12 Feb 2013 11:34:38 +0000

Exterior del Pabellón de IBM en la Feria Mundial de Nueva York. Eero Saarinen y Charles Eames, 1964

Uno de los pocos espacios que van quedando para la investigación en arquitectura es el que se relaciona con la potenciación de las marcas globales. Tanto las ciudades y regiones urbanas como las grandes empresas multinacionales recurren con una frecuencia cada vez mayor a la generación de arquitecturas espectaculares que refuercen el atractivo de los lugares y logren expresar con corporeidad la experiencia del consumo.

En el siguiente artículo se hace un somero análisis histórico sobre la expansión del branding arquitectónico.

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La Casa de Cristal de Philip Johnson

Federico García Barba — Sat, 19 Jan 2013 20:44:07 +0000

Andy Warhol en el exterior de la Casa de Cristal de Philip Johnson

A mediados del siglo XX, el arquitecto americano Philip Johnson iniciaría una experiencia artística y arquitectónica que duraría hasta su muerte, 50 años más tarde. Es la llamada Cristal House de New Canaan, una colección de edificios que albergan numerosas obras de arte y que construiría para sí mismo al Norte de Nueva York.

Una de esas obras sería una pintura personal que le haría Andy Warhol en 1972 y toma como motivo a la persona. Es uno de sus típicos paneles basados en la reproducción múltiple de una fotografía coloreada.

Fruto de esa relación el artista pop por excelencia realizaría algunas estancias en la Casa de Cristal que el arquitecto construiría en 1949. La obra de Warhol es una de las piezas más importantes que se conservan allí en la colección que acumularía Philip Johnson a lo largo de su vida junto a su amigo David Whitney. Es un conjunto que incluye piezas de Robert Rauschemberg, Julian Schnabel y Frank Stella, entre otros.

En el video que se presenta aquí un grupo de arquitectos americanos recorren ese grupo de edificios que acompañan a la Casa de Cristal ofreciendo su particular visión sobre el significado e historias en torno a este singular conjunto arquitectónico. Es un documental realizado por el cineasta Hunter Palmer que presenta a la artista neoyorquina, Mary Allen Carroll y los arquitectos Alexander Gorlin y Charles Renfro, miembro de la oficina de arquitectura de Diller-Scofidio. Un interesante recorrido visual en el que exponen sus conocimientos e impresiones sobre el lugar.

Conversation in context: Philip Johnson Glass House. Un documental sobre la obra dirigido por Hunter Palmer

Conversations in Context: Charles Renfro, featuring Alexander Gorlin + Mary Ellen Carroll from The Philip Johnson Glass House on Vimeo.

Más información:
Campus de la Casa de Cristal. Arquiscopio ARCHIVO 19/01/2013

Philip Johnson. Andy Warhol, 1972

El arquitecto Philip Johnson en New Canaan

El arquitecto y el artista. Foto: David McCabe

Williams y Tsien premiados con el AIA Award

Federico García Barba — Mon, 10 Dec 2012 11:27:11 +0000

Museo de las Artes Populares. Nueva York, 2000. Foto: Lawrence Manning

El equipo neoyorquino de arquitectos formado por Tod Williams y Billie Tsien ha sido galardonado con el premio que otorga anualmente el Instituto Americano de Arquitectos (AIA) a la mejor firma de arquitectura.

El 2013 AIA Architecture Firm Award reconoce cada año la obra y trayectoria profesional más destacada entre los arquitectos de los Estados Unidos. En este caso, se ha valorado el carácter de la arquitectura que desarrollan Williams y Tsien. Una pareja profesional que comparte inquietudes artísticas y enfoques arquitectónicos diversos que se ha ido enriqueciendo con los años.

Sus obras nacen generalmente de un cuidadoso reconocimiento de los lugares en los que se sitúan, junto a una preocupación por organizar el movimiento desde la lógica del programa asignado a cada edificio. En el taller de estos arquitectos, los proyectos surgen a partir de una sensibilidad artesanal en la que las diversas partes se conciben como piezas de un lienzo que van enlazándose adecuadamente. En este proceso, la utilización de la luz es esencial para poner en valor el contraste de las texturas que aportan los distintos materiales. Cada espacio se estima en función del color que aportan sus componentes y la forma en que son percibidos para crear un entorno de alta sofisticación y sensualidad.

A lo largo de su carrera han ido aportando piezas de arquitectura que componen una trayectoria ya muy fructífera y rica de obras. De sus comienzos neoyorquinos hay que destacar la vivienda unifamiliar ejecutada en la calle 72. Este en 1996 o la casa en Georgica Pond de Long Island de 1998. Proyectos en los que el preciosismo y el contraste entre materiales junto a las sensibles disposiciones de las aperturas generan unos interiores de una sofisticación y riqueza espacial extraordinarias.

Casa en Georgica Pond. Long Island, 1998. Foto: Michael Moran

Desde entonces han realizado otras viviendas notables como la que harían para Gretchen Friedman y Alan Silverman en Phoenix Arizona, en la que ya empiezan a desplegar estrategias de contraste entre materiales y una formalización del espacio preocupada por las articulaciones y oposiciones volumétricas. De esos años son también el Instituto de Neurociencias en La Joya, California y el Museo de Arte de Phoenix en Arizona y la ampliación dela Academia Crambrook, para la que realizarían varios edificios deportivos con una piscina cubierta espectacular

También en Nueva York construirían el Museo de las Artes Populares a comienzos del siglo XXI. Una proyecto cuya gestual fachada introduce a un espacio interior presidido por unas escultóricas escaleras. Ahí se realizaría un tour de force extraordinario. Sobre una exigua parcela se generaría un complejo juego de espacios entrelazados que van guiando al visitante en su recorrido por los distintos espacios expositivos. UN interior cavernoso exquisito en el que la luz tenue filtrada desde lo alto juega un papel esencial.

Skirkanich Hall. Laboratorio de Bioenginería de la Universidad de Princeton. Filadelfia, 2006. Foto: Peter Lawrence, Flickr

Una última obra reciente es el Skirkanich Hall, que han terminado en 2006 para la Universidad de Princeton en Filadelfia. Una estructura para laboratorios de bioingeniería que se organiza en torno a un gran atrio interior con un sistema de recorridos. Sus ricas fachadas se pliegan levemente generando articulaciones entre lienzos macizos y acristalados que dotan al conjunto con elementos abstractos que dialogan consecuentemente con un entorno de edificios tradicionales.

Escalera interior del Skirkanich Hall. Foto: Peter Lawrence, Flickr

La estrategia esencialmente artesanal y lenta en el desarrollo de sus proyectos ha ido generando un conjunto de obras excepcionales en el panorama contemporáneo de la arquitectura desarrollada en América del Norte.

Más información: 2013 American Institute Awards

Imagen: Kimball