Manuel Vilariño es un fotógrafo que nos hace sutiles preguntas a partir de la contemplación de sus grandiosas imágenes. Es alguien que trata de establecer un puente de comunicación con los sentimientos profundos de las personas a través de la representación [...]]]> Al despertar. De la exposición Seda de Caballo. Manuel Vilariño, 2011

Manuel Vilariño es un fotógrafo que nos hace sutiles preguntas a partir de la contemplación de sus grandiosas imágenes. Es alguien que trata de establecer un puente de comunicación con los sentimientos profundos de las personas a través de la representación del paisaje.

En 2007 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía que concede el Ministerio de Cultura El conjunto de su obra de varias décadas ha sido expuesta en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, la Bienal de Venecia y ha viajado por numerosas ciudades del mundo.

Observar las fotografías de gran formato de Vilariño nos induce a remontarnos a territorios remotos en los que indagar sobre nuestra soledad en el paso por esta realidad.

 Retrato, de la serie Bestias involuntarias. Manuel Vilariño, 1981-1989

Todo poeta trata de descubrirnos mediante artilugios comunicativos, palabras, imágenes, sonidos, etc., la revelación del placer que surge del conocimiento de lo único. Una emoción que nos traslada a una comunión con el mundo, con las cosas y con los semejantes que nos rodean. Y la naturaleza nos ofrece un umbral para esa comunicación a través de la contemplación y la descripción del escenario para ese testimonio personal e intransferible.

Desde que los románticos descubrieran la idea de lo sublime, algo así como la belleza extrema que nos puede llevar al éxtasis, el paisaje salvaje se nos presenta como una interrogación sobre los orígenes. Y es sobre este material mental sobre lo que ha querido indagar el poeta y fotógrafo gallego Manuel Vilariño.

Según Dionisio Longino en su Libellus de Sublimitate, lo sublime es una elevación y excelencia en el lenguaje que genera la grandeza de percibir el todo en un instante. De acuerdo a ello, Vilariño sigue ese camino para mostrarnos aquello que proporciona un material intelectual sobre el que divagar en nuestras propias reflexiones ontológicas. Casi un “koan”, un acertijo a la manera zen sobre las razones de nuestro paso por este mundo.

Amanecer. Manuel Vilariño, 1999

En la serie “A la aurora” , Vilariño nos presenta un recorrido personal por los gélidos paisajes y playas de Islandia. Casi una peregrinación a la búsqueda de lo primigenio en la geología de las lavas y efluvios enfriados. Miramos esas imágenes de acantilados verticales, como la denominada “Al despertar” y surgen en nuestra mente sugerencias melancólicas sobre la mineralogía remota de los eones. Algo así como la interrogación esencial sobre las razones de nuestra impermanencia en este mundo de volcanes, playas de arena basáltica y océanos infinitos. Todo ello, justo en ese momento pleno de matices y sugerencias en que brota la aurora para descubrirnos cada día la existencia en este mundo.

Desde mi perspectiva local, viendo estas imágenes pareciera que existe un tenue hilo de comunicación entre los que habitamos esas orillas frente al Atlántico. Ese mar de afuera que nos acompaña permanentemente en nuestras vidas, sugiriendo un más allá imaginado. Desde Islandia hasta Cabo Verde, pasando por Irlanda, Galicia, Azores, Madeira y Canarias. Algunos dicen que es un paisaje colectivo que fue habitado primeramente por unos celtas ya mitológicos y que serían esos antepasados nuestros que experimentaron vivencias y pulsiones similares para adentrarse en el mar y acceder a esas geografías ignotas.

Montaña Negra, nube blanca 1 (Fragmento). Manuel Vilariño, 1999

Lejano. Manuel Vilariño

Un rayo en la tormenta. Manuel Vilariño

Entre 1981 y 1989 Vilariño hace también fotografías de primeros planos de diversas animales y pájaros. En esos retratos diversos las “bestias involuntarias” se nos muestran inquisitivos. Preguntan quizás: ¿nos dejareis continuar viviendo en esta tierra? Es una inquisición sobre el egoísmo de la especie humana que ha colonizado totalmente el planeta relegando a esos seres que conforman el espectro biológico a remotos parajes inaccesibles, a la esclavitud del alimento o a la escueta y directa exterminación.

Los pájaros. Bestias involuntarias. Manuel Vilariño, 1981-1989

El misterio de las imágenes de Manuel Vilariño surge así de esa búsqueda personal de la esencialidad. Un territorio donde el cromatismo parece redundar y donde la soledad del espectador nos induce a una meditación sobrecogedora. Se trata de una belleza austera que comunica con gran intensidad la presencia final de la muerte como un hecho a asumir indefectiblemente.

Algo que parece irrelevante en un tiempo en que todo se traduce en la acumulación de información. Como dejo dicho Frank Zappa: “La información no es conocimiento. Conocimiento no es sabiduría, La sabiduría no es la verdad. La verdad no es la belleza: la belleza no es amor. El amor no es música. la música …, la música es lo mejor”.

Y yo diría: Lo mejor es también literatura, arquitectura y pintura. Lo importante no son los soportes y las técnicas sino la transmisión de la emoción y los sentimientos. Y desde mediados del siglo XIX, la fotografía se ha incorporado a este mejor para explicarnos y reconfortarnos con imágenes en este mundo de velocidad inaguantable.

Más Información:
Manuel Vilariño Trabajos.
Las palabras de Manuel Vilariño. Oral Memories

Fotografía de la serie Efectos Colaterales (Side Effects). Kapcer Kowalski

Kacper Kowalski es un joven polaco que, pese a terminar los estudios de arquitectura y diseño, siempre tuvo claro que su vocación era la de ser piloto. Desde 2006, este apasionado de la fotografía, sobrevuela mediante un autoligero toda la [...]]]>

Fotografía de la serie Efectos Colaterales (Side Effects). Kapcer Kowalski

Kacper Kowalski es un joven polaco que, pese a terminar los estudios de arquitectura y diseño, siempre tuvo claro que su vocación era la de ser piloto. Desde 2006, este apasionado de la fotografía, sobrevuela mediante un autoligero toda la geografía de Polonia para realizar la difícil tarea de pilotar y, al mismo tiempo, realizar instantáneas que se caracterizan por una rigurosa perspectiva puramente cenital.

Gracias al avance de los aparatos fotográficos, sus conocimientos de navegación y su visión de arquitecto, Kowalski rastrea el territorio obteniendo una serie de potentes imágenes que nos muestran la influencia destructora sobre la naturaleza de los medios de desarrollo económico. Como pueden ser las canteras de extracción mineral, o el proceso transformador que se produce a partir de la implatación de las grandes infraestructuras viales. O, también, el efecto nocivo y contaminante de los vertidos ilegales sobre los ríos. Kacper, además, nos ofrece la posibilidad de conocer y apreciar lugares y parajes inaccesibles, desconocidos e incluso prohibidos. Y, gracias al ángulo totalmente ortogonal de sus fotografías, logra inducir en el espectador la sensación o la ilusión de sobrevolar el paisaje.

  Fotografías pertenecientes a la serie Belleza Tóxica (Toxic Beauty). Kapcer Kowalski

El resultado de su trabajo nos muestra mayoritariamente imágenes de gran formato con un elevado grado de resolución que provoca que sus instantáneas parezcan irreales gracias a su ángulo y distancia focal, de una apariencia abstracta pero cargadas siempre de un mensaje subliminal para el espectador.

Este año, su última serie fotográfica titulada Efectos Secundarios (Side Effects) le ha servido para ser reconocido con el prestigioso galardón World Press Photo 2015, en el apartado dedicado a Grandes Proyectos (Long Term Projects). Un grupo de fotografías donde se confronta la composición equilibrada de formas simétricas, asimétricas y de singulares colores, dando lugar a imágenes de gran belleza pero en las que subyacen y son claramente perceptibles los efectos desestabilizadores sobre la naturaleza de los continuos comportamientos agresivos relacionados con la acción humana.

Más Información:

La serie Side Effects, ganadora en el certamen World Press Photo. Kapcer Kowalski

La serie Toxic Beauty en la web oficial del Kapcer Kowalski

Louis Kahn, uno de los grandes maestros de la arquitectura del siglo XX, escribió en uno de sus enigmáticos dibujos el siguiente aforismo conceptual:

La luz, la que dispensa todas las [...]]]> Casa Koshino, Kobe. Tadao Ando, 1984. Detalle del desbordamiento de la luz sobre una de las paredes de hormigón

Louis Kahn, uno de los grandes maestros de la arquitectura del siglo XX, escribió en uno de sus enigmáticos dibujos el siguiente aforismo conceptual:

 La luz, la que dispensa todas las presencias, más allá de la ley o de la voluntad.

 Y es que la luz es la que otorga y da existencia a los edificios. Pero más allá de eso -y de acuerdo también al pensamiento de Kahn- es además el silencio de los espacios el que acaba definiendo la expresión de la arquitectura en algunos casos.

Hoy en día, más que disponer y acumular objetos, aspiramos a disfrutar de experiencias realmente estimulantes e inspiradoras. Y la construcción de los ambientes propicios para su disfrute es todo un arte al alcance de unos pocos creadores. Como ocurre en muchas de las obras del arquitecto japonés Tadao Ando. Un artista que ha demostrado como se puede ser capaz de crear atmósferas singulares y auténticas con la utilización de materiales simples como el hormigón y herramientas inasibles como la luz y el silencio. Un ejemplo de ello es la magistral casa que se construyó en Ashiya a las afueras de Kobe en 1984 para la diseñadora de moda Hiroko Koshino.

En el siguiente artículo del equipo G+A Arquitectura se hace una reflexión sobre ese papel de la luz en la definición final de una obra maestra de la arquitectura contemporánea.

“La arquitectura sólo se considera completa con la intervención del ser humano que la experimenta.”
Tadao Ando.
Salón principal de la Casa Koshino, Kobe. Tadao Ando, 1984

La complejidad de la luz
Por G+A Arquitectura

La casa Koshino es una de las viviendas más reproducidas en los estudios de arquitectura y diseño de medio mundo. Su famosa fotografía del rayo de luz cenital filtrada sobre el lienzo de hormigón con el sofá como único recuerdo de la funcionalidad de la estancia ha servido como emblema del minimalismo y del brutalismo a partes iguales.

Su diseñador es uno de los grandes maestros de la arquitectura de finales del siglo XX, y uno de los pocos que pueden optar a ese título tras el reinado de los tres grandes en la primera mitad de siglo: el arquitecto japonés Tadao Ando (Osaka, 1941). Su formación arquitectónica no tiene nada de académica: trabajó como carpintero desde los diez años hasta que dejó los estudios a los dieciocho años. Aprendió a valorar y a interesarse por la arquitectura a través de la lectura y visitando las pequeñas construcciones tradicionales de Kyoto y Nara. Ya fuertemente seducido por la arquitectura de Le Corbusier, entre los años 1962 y 1969 realizó una serie de viajes a Estados Unidos, Europa y África dónde conoció la obra de Wright, Mies, Le Corbusier y Kahn. A su vuelta, funda el estudio Tadao Ando Architectural & Associates en Osaka, tras haber pasado por varios estudios de arquitectura sin éxito, a causa, como él mismo reconoce, de su fuerte carácter.

Ya en su primera vivienda, la Row House, situada entre medianeras en la ciudad de Sumiyoshi, Osaka, Ando demuestra un extraordinario dominio de la pequeña escala y muchas de las características comunes al resto de su obra: el empleo del hormigón armado con las marcas de un cuidado encofrado como líneas compositivas, la ausencia de toda ornamentación más allá del hormigón armado y la luz que lo baña a través del patio interior y el interés por devolver al ser humano el contacto con la naturaleza, llevado en este caso al límite dado que obliga al habitante de la vivienda a atravesar el patio central para llegar a algunas estancias indispensables lo que provoca que éste experimente el frío en invierno, la lluvia o el calor del verano. A pesar de estar en la ciudad, Tadao Ando pretende crear un espacio aislado de la dureza de la urbe y en contacto con la naturaleza, a través de la luz y la experiencia obligada del clima.

Maqueta conceptual de los espacios de la casa

La principal característica de la casa Koshino, y de gran parte de la arquitectura en pequeña escala de Tadao Ando, es la claridad de los conceptos. La limpieza y sencillez del esquema funcional se entiende desde el primer análisis, presentando en el volumen principal un estar en doble altura, cocina y comedor en planta baja, dormitorio y despacho en planta primera y en el volumen de habitaciones se organizan de manera lineal los dormitorios, conectados ambos volúmenes por un túnel bajo la escalera exterior. La fuerte materialidad del hormigón armado no sólo refuerza la geometría rectangular de la vivienda y la rotunda volumetría, sino que da sentido a la rigidez del esquema funcional.

La casa Koshino se entiende desde el primer análisis de la planimetría. No existen artificios espaciales ni formales. La principal característica de la vivienda, y de la mayor parte de la obra de Tadao Ando, es que alcanza la complejidad por la luz. El hormigón armado, con sus líneas compositivas indicadas gracias al magistral uso del encofrado de Ando, sirve de excepcional lienzo donde recoger la luz solar, que varía a lo largo del día, que provoca en ocasiones que el duro y áspero muro de hormigón armado parezca mullido y suave como una almohada. Los pasillos se difuminan por momentos y parece que estemos en el exterior, mientras la luz cenital del estar nos recuerda al Panteón, como el propio Ando reconoce.

Como en su primera vivienda, Ando obliga al habitante de la vivienda a experimentar el paso del tiempo, a ver como los espacios se modifican con el avance de la luz del sol, a la ausencia de la misma y al sonido de la lluvia. Las poderosas y cuidadas líneas visuales que presentan las estancias de día no hacen sino reforzar la sensación de encontrarse entre la naturaleza, sin forma de establecer contacto con ningún sentido con nada que no sea naturaleza.

Otras imágenes de los interiores de la vivienda.

Diversos espacios exteriores de la casa y su entorno.

Más información:

Casa Koshino. La complejidad de la luz. G+A Arquitectura 05/03/2015

Casa Koshino. Tadao Ando. Arquiscopio ARCHIVO 03/10/2012

Vivimos en un mundo en el que parece que la realidad palpable ha pasado a tener una importancia menor que la bidimensionalidad de las pantallas. Aspiramos cada vez más a hacer una inmersión permanente en ese universo que se nos aparece en los televisores, ordenadores [...]]]> Dolce vita. Jean François Rauzier, 2014

Vivimos en un mundo en el que parece que la realidad palpable ha pasado a tener una importancia menor que la bidimensionalidad de las pantallas. Aspiramos cada vez más a hacer una inmersión permanente en ese universo que se nos aparece en los televisores, ordenadores tabletas, teléfonos móviles y toda suerte de artilugios gráficos que nos rodean.

Ese ensueño de la mente se construye desde el esfuerzo de algunos artistas que nos presentan otros mundos sorprendentes que prefiguran de alguna manera el porvenir en una suerte de ciencia ficción visual. Es lo que ocurre con el fotógrafo francés Jean François Rauzier.

Etats Generaux. Jean François Rauzier, 2014

En los últimos años, Rauzier ha explorado con intensidad el concepto de hiperrealidad en su trabajo. Combinando cientos y miles de fotos nos sumerge en mundos diversos que nos recuerdan algunas narraciones de ese género novelístico que es la ciencia ficción.

Sus hiperfotos de enorme tamaño son impresiones visuales que superan por centenares y miles de veces la resolución que ofrece la fotografía digital que hoy utilizamos cotidianamente a través de nuestras pantallas. Algunas imágenes suyas alcanzan los ciento setenta millones de pixels (o puntos de color) para mostrarnos una realidad aumentada hasta el mínimo detalle. En su colección de impresiones murales sobre bibliotecas podemos acercarnos hasta poder leer el título de cada libro.

En otras series nos presenta prefiguraciones de un futuro devastado por los excesos de la tecnología en la que la naturaleza ha recuperado su hegemonía planetaria. Como en la obra titulada Orígenes en la que la ciudad al amanecer se ve totalmente amenazada por el crecimiento expansivo de la selva. O en Conecting people, en la que una manada de gorilas escudriñan al parecer una planicie recubierta de teléfonos móviles a la búsqueda de comida.

Para el fotógrafo habitamos un mundo que ha sucumbido finalmente a la urbanización y todo ha sido cubierto de edificios como nos muestra en su imagen de Versalles de 2014. Y al que vuelven los animales para reclamar el territorio que le hemos arrebatado como ocurre en esa concentración de pingüinos ante la Fontana di Trevi del gran escultor italiano Bernini.

Conecting people.  Jean François Rauzier, 2014

Versailles. Jean François Rauzier, 2014

Rauzier nos presenta una imagen distorsionada de la realidad a través de su viaje por el mundo. Es su perspectiva personal e intransferible que reconstruye constantemente. Desde este esfuerzo nos presenta un universo otro que no nos deja impasibles y nos sorprende por su minuciosidad y precisión. Desde 2002, su obra ha sido presentada en numerosos museos y ciudades diversas, Paris, Moscú, Los Ángeles, etc. Es el suyo un constante viaje a los lugares para extraer otras esencias desconocidas que nos fascinan. El nomadismo de un nuevo tipo de ciudadano que transita en el anonimato por el planeta.

Desde esta perspectiva en transición, la ciudadanía habrá que entenderla en el futuro como una suerte de esquizofrenia:, viajamos por las redes y nos manifestamos con nuestra nueva identidad digital en un nuevo mundo en constante evolución y expansión. Mientras, y al mismo tiempo, habitamos y visitamos un espacio físico constantemente cambiante, como así lo ha sido desde siempre. Puede ser que ya seamos viajeros sociales, pero hay que definir ese cambio producido en nuestros papeles como integrantes en una colectividad, como el de ciudadanos que habitamos un espacio concreto como refugio y residencia, mientras recorremos un mundo esencialmente virtualizado.

Eso nos puede llevar a una serie de demandas diversas situadas en dos ámbitos diferentes: uno espacial (real) y otro plano (virtual). Nuestro cuerpo físico habita desde siempre el espacio perceptible. Y reclama ahí que podamos tener un lugar para descansar, relacionarnos de una manera tangible y exigir unos servicios para sobrevivir y reproducirnos. La ciudad física debe responder a esta demanda de una manera eficiente y requiere de esa política convencional a la que acostumbramos. Es algo que conocemos, estudiamos y a lo que intentamos dar respuesta los que nos dedicamos al urbanismo.
Biblioteque ideal. Jean François Rauzier, 2014

Jardins suspendus.  Jean François Rauzier, 2014

Sin embargo, una segunda capa ha surgido de repente. Un territorio que nos sobrevuela y que plantea nuevos retos y experiencias que poco tienen que ver con lo material y, si más, con lo intelectual. Ahí hay todo un mundo que está generando un cambio económico trascendental. Mientras la economía de este nuevo universo paralelo está en plena ebullición -y se están haciendo grandes fortunas en este entorno superpuesto a lo real- la política de lo virtual está todavía por construir. Y, debido a ello, es también un universo de grandes oportunidades y amenazas.

Mientras tanto, algunos flaneurs recorren el mundo físico intentando entender cómo se están reacomodando los lugares a este cambio sutil y bastante imperceptible en lo físico. Sin embargo, creo que lo decisivo está en ese territorio inasible en construcción que observamos cada día en las pantallas de nuestros aparatos. de alguna manera inconsciente, lo físico se está abandonando a su suerte; y los organismos biológicos a los que hemos sometido a nuestro dictado volverán a crecer y proliferar de una manera creciente, a sus anchas y salvajemente.
Sky Lounge Helicos.  Jean François Rauzier, 2014

Más Información:
Hyperphoto. Página oficial de Jean Francois Rauzier
Jean François Rauzier. Exposición en la galería Waterhouse&Dodd. Nueva York Noviembre de 2014
Origines.  Jean François Rauzier, 2014

Jeremy Blake, Adam Fuss, David Lachapelle, Julian Rosefeldt, Chris Verene, Miwa Yanagi y Shizuka Yokomizo son distintos fotógrafos que se han agrupado para presentar una visión común inspirada en el eclecticismo. El resultado ha sido una magnífica exposición en la galería Leyendecker de Santa Cruz de Tenerife.

Por Noemí Feo

Jeremy Blake, Adam Fuss, David Lachapelle, Julian Rosefeldt, Chris Verene, Miwa Yanagi y Shizuka Yokomizo son distintos fotógrafos que se han agrupado para presentar una visión común inspirada en el eclecticismo. El resultado ha sido una magnífica exposición en la galería Leyendecker de Santa Cruz de Tenerife.

Bajo el sello personal y afianzado del concepto de la diferencia como posibilidad, se establece la ausencia de un hilo conductor, una temática o una única intencionalidad. Aunque no se pretende una vía de anclaje o de conexión entre estos artistas, de tendencias divergentes, existe una vinculación evidente hacia la realidad incorporada a la esencial e indispensable mirada sobre el arte y su contexto.

Blake, “No Mirrors”. 2001. Cortesía de la Galería Leyendecker.

El eclecticismo generado ante la diversidad de la contemplación configura una amalgama visual de tránsito y dinamismo. Del arte digital de Jeremy Blake hasta el teatro visual de Miwa Yanagi, la exposición recorre una contemporaneidad distinta y diámica. La obra expuesta de Blake, “No Mirrors”, realizada en 2001, sea posiblemente y sin pretenderlo, la que en esta muestra, define la no necesidad de la continuidad o dela igualdad. Esta obra no necesita más reflejo que aquel que surge de la propia disposición de los planos y de la composición abstracta. El uso de una abstracción geométrica y de una iluminación, que defino como solar, penetran en la inquietante dualidad entre el equilibrio y la inestabilidad de la representación.

De lo digital y abstracto, a la naturaleza obsesiva de Adam Fuss, sustentada en el detalle. “Sín título (AF 11)”, realizada en 2003, representa una delicada crisálida. Una criatura de devoción, imponente sobre la negrura. El brillo y la textura, la nitidez y la escala intensifican una visión extremadamente atrayente, casi posesiva. Conocido como el fotógrafo de la técnica y el fotógrafo sin cámara, Fuss utiliza en este caso, el escaneado digital de la imagen para resaltar el elemento protagonista. Sus Crysalis Series no sólo representan la belleza sino también la dualidad, presencia/ausencia, y ante todo, lo que él mismo define como la no dependencia de una técnica en concreto.

Adam Fuss, “Sin título (AF 11)”. Crysalis series, 2003

Abstracción, naturaleza y el arte visual-dramático de David Lachapelle. En las dos obras expuestas- “The Kingdom come” y “Sermon”, realizadas ambas en 2009- se recuperan las estéticas renacentistas y barrocas. Provocando el teatro y la apariencia, se establece el estimulado e inevitable escenario. En medio de la neo-tramoya histórico artística, el iluminado y celestial Lachapelle se convierte en un manipulador de la naturalidad y un maestro del artificio. Una desnaturalización de la libre expresión y una bienvenida a la pose magnificente y perturbadora de los personajes más contemporáneos y dispares.

Del capricho de Lachapelle y su anti-espontaneidad, se penetra en el mundo de Julian Rosefeldt entre paisajes de melancólica y salvaje historia. “American Nights III” y “American Nights VI” realizadas en 2009, representan el mito del hombre frente a la naturaleza, la estética de lo errante y el paisaje como escenario. Una temática romántica con una relectura contemporánea que cambia por completo la visión de los símbolos sustentados en pilares cuestionables. Ambas panorámicas son fruto de su instalación con cinco vídeos filmados en el sur de España y las Islas Canarias con esta misma línea legendaria y tópica.

David Lachapelle, “The Kigndom come”. 2009

La teatralidad también se redescubre en Miwa Yanagi. A través de lo tétrico, terrible, perturbador y extraño, crea un estado inaudito en su propia vivienda. Este espacio se transforma en una trama en la que la vejez y la juventud, la pérdida de la realidad y la iconografía del ideario más profundo, penetran como una estaca en la comprensión del medio fotográfico. Su relectura de los cuentos occidentales y de la violencia implícita en los mismos, es el objetivo primordial de obras como “Rapunzel” o “Erendira”, ambas de 2004. La perplejidad del escenario y la turbulencia aterradora de lo estático, elimina cualquier inocente apreciación sobre estos relatos.

Julian Rosefeldt, “American Night III”, 2009

La intimidad pero también la intromisión del colectivo, conforman la obra de Shizuki Yokomizo en la serie “All (C)” de 2008. Besos como firmas y genética como prueba. Sobre los cuerpos de las mujeres, prostitutas y sexo, se componen de un haz cálido y oscuro de voyeur. Tras  negociar con ellas un precio para que puedan ser fotografiadas, la artista muestra la carne como elemento de intercambio con la sociedad pero también con ella misma, que participa de un trueque entre creación y testimonio. Una triada se establece entre artista, protagonista y público y una creación devorada por la curiosidad.

Miwa Yanagi, “Rapunzel”. 2004

Del teatro de Lachapelle y del misterio de la soledad de Rosefeldt, surge la memoria de Chris Verene. Utilizando la pureza del retrato directo, toma instantáneas a su familia y amigos a través de la dignificación de los habitantes y sus costumbres. Verene, utiliza los títulos para otorgar protagonismo y situar el recuerdo y la vivencia como parte inherente a una fotografía compleja en la percepción del individuo y el grupo, como en su natural e informal “Crystal and Barchetta at the housing project” de 2006. Simplemente lo que ve es lo que representa: el instante infinito del cotidiano.

Abstracción, digitalización, naturaleza, teatro y perturbación, sexo y testimonio, identidad y hogar. Un mismo mundo basado en la percepción individual, en lo ecléctico como un valor intensificado ante una inevitable mélange.

Las fotografías de Jeremy Blake, Adam Fuss, David Lachapelle, Julian Rosefeldt, Chris Verene, Miwa Yanagi y Shizuka Yokomizo, han inaugurado una nueva muestra organizada por la Galería Leyendeckerde Santa Cruz de Tenerife.

Más Información:

Galería leyendecker. Santa Cruz de Tenerife

David Lachapelle, Judith. 2007

La pareja de artistas Bleda y Rosa han tomado el formato fotográfico como base para revisar la historia arquitectónica y la arqueología a la búsqueda de los restos y depósitos culturales que tiñen nuestro presente. En la serie que denominaron Estancias en el tiempo [...]]]> Patio de los Leones de la Alhambra. Bleda y Rosa, 2005

La pareja de artistas Bleda y Rosa han tomado el formato fotográfico como base para revisar la historia arquitectónica y la arqueología a la búsqueda de los restos y depósitos culturales que tiñen nuestro presente. En la serie que denominaron Estancias en el tiempo han agrupado un conjunto de imágenes que representan retazos de esas arquitecturas del pasado en los que intuimos elementos que reconocemos como parte de la cultura en la que estamos inmersos.

Sala de las Columnas, Cnossos. Bleda y Rosa, 2001

Estos artistas provenientes del sureste de la península ibérica han ido adquiriendo una sólida presencia en el panorama de la fotografía española actual. En 2008, obtendrían el Premio Nacional de Fotografía en reconocimiento a una trayectoria ya consolidada. Su trabajo se centra en la indagación sobre el paisaje y la arquitectura como territorios que acumulan sedimentaciones culturales varias. Ambos realizan un constante peregrinar por el mundo al encuentro de las huellas del tiempo y la memoria, unos elementos intangibles que forman parte indeleble de la riqueza visiva de los países y continentes.

En la serie Ciudades nos muestran los restos de espacios relacionados con la historia de la urbanización, recogiendo encuadres visuales que nos permiten la evocación de los lugares del poder y de esos escenarios en los que se desarrollaron episodios de la historia que muchos han estudiado como parte de su formación. De una manera elíptica, los fragmentos de paredes, suelos, columnas y paisajes nos permiten rememorar así, con la mirada, un pasado remoto plagado de acontecimientos significativos.

Kerkuoane, 2001

En otro grupo de trabajos, se esfuerzan en la catalogación del inmenso almacén histórico de las tipologías arquitectónicas del pasado remoto. Un esfuerzo que nos recuerda a la tarea seminal que emprendieron Bernd y Hilla Becker en relación al patrimonio industrial centro europeo. Enlazan sus preocupaciones sobre el afloramiento de la memoria colectiva con la voluntad de ejercer la función archivística y documental, un paso previo hacia la museificación de los restos físicos del pasado. Así, nos presentan imágenes de mastabas, pirámides y elementos arquitectónicos singulares junto a una referencia escrita que pretende ejercer la función de catálogo compilatorio. Aquí nos inducen a reflexionar también sobre los esfuerzos recientes para la conservación de esos vestigios del pasado remoto. Obras de consolidación, andamiajes y refuerzos se presentan insertas a los monumentos en una interrelación que desfigura y transforma cada pieza en el deseo benévolo de garantizar su conservación en el tiempo.

Mastaba de Saqqara.  2010

María Bleda y José Rosa aluden en su discurso justificativo a artistas que les han precedido como Hamish Fulton y el paseo como recorrido exploratorio al encuentro de las experiencias que propondría como aportación personal dentro del movimiento Land Art. También suelen citar al historiador Aby Warburg y su esfuerzo para organizar los fragmentos estéticos que acumulamos a lo largo de nuestra experiencia vital que, en su caso, denominaría Atlas Mnemosyne, en alusión al personaje mitológico que representa la memoria.

Aunque algunos critican su trabajo con dureza, el esfuerzo de estos artistas españoles hacia la estetización de un riquísimo pasado histórico, extrayendo imágenes que nos hacen imaginar, no puede ser más pertinente en estos momentos de abandono creciente de la cultura.

Más Información:
Bleda y Rosa. Página oficial de los artistas
María Bleda y José Rosa: una imagen ha de evocar, no describir. ABC 07/01/2011

Altes Museum, Berlin

Palacio de Medina Al-Zahra. 2004

En la fotografía contemporánea existen algunos autores especialmente interesados en explicar el paisaje desde una perspectiva cultural contemporánea. El americano Robert Adams es uno de esos artistas, alguien que transmite en sus imágenes un sentimiento melancólico en relación a su visión del territorio situado al oeste [...]]]> Un patio trasero. Colorado. Robert Adams, 1968

En la fotografía contemporánea existen algunos autores especialmente interesados en explicar el paisaje desde una perspectiva cultural contemporánea. El americano Robert Adams es uno de esos artistas, alguien que transmite en sus imágenes un sentimiento melancólico en relación a su visión del territorio situado al oeste de los Estados Unidos.

Parque de casas móviles. Denver, 1974

En 1975, la George Eastman House de Rochester en Nueva York, produjo una exposición titulada “Nuevas topografías: fotografías de un paisaje humano alterado”. En ella un grupo de artistas entre los que se encontraba este fotógrafo trataron de establecer una nueva manera de entender el territorio menos ligada a la conmovedora belleza de lo natural. Desde entonces estos fotógrafos han recorrido el país intentando contar en imágenes el carácter específico de los estados Unidos. Como ha hecho Robert Adams.

Aquellas pequeñas imágenes en blanco y negro que a partir de allí se han acumulado pretendían establecer un inventario de esas transformaciones grandes y pequeñas que la humanidad misma produce en el espacio geográfico en una acción constante. Una continua actividad que deja trazas imborrables sobre la naturaleza heredada y de la cual normalmente no nos damos cuenta. Es una denuncia casi de la visión romántica de la naturaleza salvaje que nos ofrecieron los grandes nombres de la literatura de aquel país, Emerson, Thoreau, etc. un estado que es hoy muy difícil de percibir. Por ello, la expresión de estos autores trata de superar aquella belleza ideal de lo natural que practicaba la fotografía del paisaje para establecer un nuevo paradigma más adaptado a estos tiempos.

La obra de Adams alcanza a una vastedad de imágenes inabarcable. Miles de tomas conforman una mirada particular que pretende ser aséptica, casi una descripción notarial de unos lugares encontrados en un vagabundeo errante sin objetivo concreto. Ha dedicado más de cincuenta años a recorrer con su mirada los espacios de colonización reciente situados en el occidente del inmenso continente americano. Lo que destaca de su obra es una obsesión por reflejar la huella humana sobre unos lugares que constituían paisajes salvajes e intocados hasta hace escasamente un siglo.

En general, su estilo se caracteriza por una gran economía expresiva y la simplicidad conceptual de sus fotografías. Al mismo tiempo, nos enfrenta a una gran tristeza y pena, la que se deriva de las formas en que la vida transcurre en los inmensos espacios americanos. Las grandes planicies americanas, en Nebraska, en Colorado, etc. son un territorio en el que se ha impuesto una especialización productiva ligada a la agricultura extensiva. Unos lugares inmensos enmarcados en la distancia lejana por las grandes Montañas Rocosas y en el que la gente se ve obligada a transcurrir su existencia en una gran soledad. Las muchedumbres que se acostumbran en las ciudades están ausentes allí, en esas vastas plataformas horizontales destinadas a los cultivos de trigo y maíz. Las separadas aglomeraciones urbanas son espacios sin historia y, al mismo tiempo, constituyen la esencia del carácter norteamericano. Lugares de muy escasa densidad, donde las personas habitan suburbios impersonales. Podría ser también un correlato en las planicies de aquella forma de entender la cultura americana que Edward Hopper vislumbró en las ciudades.

North Keota. Colorado. 1989

Se puede deducir así que lo inconmensurable entronca con una forma de ser característica de lo americano. En esos espacios, la presencia permanente de un paisaje inmenso y amenazante se impone desde unos horizontes lejanos lo que impide una experiencia cómoda y una relación de igualdad con los lugares. Y también la soledad que surge como un hecho inherente a unos sitios anónimos y serializados, en los que es imposible encontrar un anclaje. El territorio se convierte así en un marco despiadado en el que no se encuentra arraigo, que fomentan la separación radical de los individuos y la ausencia de sentido de comunidad.

Ver estas imágenes nos traslada a un estado de inhumanidad, que nos genera una gran añoranza y desazón por una enorme pérdida y alienación experimentada. Esa que ha supuesto la inexorable destrucción de los hábitats más amables, que se ha producido en un corto período de tiempo; aquellos que han sido disfrutados por la especie humana durante decenas de miles de años.

Mas información:
Robert Adams: el lugar donde vivimos. Retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid, 2013 

Longmont, Colorado. Robert Adams, 1982

Mirando más allá de los narajales en San Bernardino, California. Robert Adams, 1983

Parque de casas móviles. Denver. Robert Adams, 1974

Longmont, Colorado. Robert Adams, 2007