Fotografía de la serie Efectos Colaterales (Side Effects). Kapcer Kowalski

Kacper Kowalski es un joven polaco que, pese a terminar los estudios de arquitectura y diseño, siempre tuvo claro que su vocación era la de ser piloto. Desde 2006, este apasionado de la fotografía, sobrevuela mediante un autoligero toda la [...]]]>

Fotografía de la serie Efectos Colaterales (Side Effects). Kapcer Kowalski

Kacper Kowalski es un joven polaco que, pese a terminar los estudios de arquitectura y diseño, siempre tuvo claro que su vocación era la de ser piloto. Desde 2006, este apasionado de la fotografía, sobrevuela mediante un autoligero toda la geografía de Polonia para realizar la difícil tarea de pilotar y, al mismo tiempo, realizar instantáneas que se caracterizan por una rigurosa perspectiva puramente cenital.

Gracias al avance de los aparatos fotográficos, sus conocimientos de navegación y su visión de arquitecto, Kowalski rastrea el territorio obteniendo una serie de potentes imágenes que nos muestran la influencia destructora sobre la naturaleza de los medios de desarrollo económico. Como pueden ser las canteras de extracción mineral, o el proceso transformador que se produce a partir de la implatación de las grandes infraestructuras viales. O, también, el efecto nocivo y contaminante de los vertidos ilegales sobre los ríos. Kacper, además, nos ofrece la posibilidad de conocer y apreciar lugares y parajes inaccesibles, desconocidos e incluso prohibidos. Y, gracias al ángulo totalmente ortogonal de sus fotografías, logra inducir en el espectador la sensación o la ilusión de sobrevolar el paisaje.

  Fotografías pertenecientes a la serie Belleza Tóxica (Toxic Beauty). Kapcer Kowalski

El resultado de su trabajo nos muestra mayoritariamente imágenes de gran formato con un elevado grado de resolución que provoca que sus instantáneas parezcan irreales gracias a su ángulo y distancia focal, de una apariencia abstracta pero cargadas siempre de un mensaje subliminal para el espectador.

Este año, su última serie fotográfica titulada Efectos Secundarios (Side Effects) le ha servido para ser reconocido con el prestigioso galardón World Press Photo 2015, en el apartado dedicado a Grandes Proyectos (Long Term Projects). Un grupo de fotografías donde se confronta la composición equilibrada de formas simétricas, asimétricas y de singulares colores, dando lugar a imágenes de gran belleza pero en las que subyacen y son claramente perceptibles los efectos desestabilizadores sobre la naturaleza de los continuos comportamientos agresivos relacionados con la acción humana.

Más Información:

La serie Side Effects, ganadora en el certamen World Press Photo. Kapcer Kowalski

La serie Toxic Beauty en la web oficial del Kapcer Kowalski

En 1970, el poeta y músico de jazz norteamericano Sun-Ra acuñó el término de Afrofuturismo. Trataba de señalar así la nueva creación musical ligada a la negritud, buscando también rescatar un pasado histórico desaparecido para aquellos que experimentaron la esclavitud y su descendencia.Ese término sirvió entonces para [...]]]> African Watcher. Cyrus Kabiru, 2015

En 1970, el poeta y músico de jazz norteamericano Sun-Ra acuñó el término de Afrofuturismo. Trataba de señalar así la nueva creación musical ligada a la negritud, buscando también rescatar un pasado histórico desaparecido para aquellos que experimentaron la esclavitud y su descendencia.Ese término sirvió entonces para  designar un movimiento que empleaba la electrónica como fuente experimental de para la expresión de una filosofía exotérica basada en la ciencia ficción y los espacios interplanetarios.

En 1994, otro intelectual americano, Mark Dery, retomó esa denominación para referirse a un genero creativo, literario y estético, que explora en una mezcla heteróclita el realismo mágico, la ciencia ficción literaria y el panafricanismo. En tiempos más recientes, algunos artistas africanos lo utilizan también para expresar sus preocupaciones en relación al incierto futuro del mundo y de las relaciones humanas.

La cultura africana contemporánea está hoy de actualidad con su inclusión y difusión masiva desde la edición de la Bienal de Venecia 2015. Allí se pueden apreciar sus resultados en un conjunto que se ha reunido de unas obras formalmente deslumbrantes.

Espacio Arena en el pabellón de La Corderie. Bienal de Venecia. David Adjaye, 2015

El movimiento del Afrofuturismo engloba en nuestros días a numerosos artistas plásticos, arquitectos, músicos y cineastas originarios del continente africano. Son aquellos que han desplegado una estética enormemente atractiva basadas en la fantasía y la imaginación sobre un tiempo futuro que realmente ya está aquí. Es una propuesta en la cual las mujeres están teniendo un papel protagonista preponderante, reflejando la fuerza expresiva creciente de un colectivo que ha sido ignorado recurrentemente a lo largo de la historia.

En 2013, The Studio Museum, en Harlem, Nueva York acogió una muestra del trabajo de un grupo representativo de esta corriente de artistas africanos. Se titulaba The shadow took shape (La sombra se formó) en una alegoría a la madurez alcanzada ya por ese movimiento cultural. Allí presentaron su trabajo interdisciplinar -en video, instalaciones, objetos y collages- creadores procedentes de Kenia como Cyrus Kabiru y las cineastas Wangechi Mutu, y Wanuri Kahiu. Y así, hasta 29 artistas representativos de ese grupo innovador que desarrolla su trabajo en todo el continente africanos.

Kabiru se nos presenta como una especie de ser futurista cuyas gafas elaboradas con material reciclado artesanalmente nos ofrece un camino expresivo hacia un futuro de reaprovechamiento radical de los desechos urbanos. Como ocurre hoy en las calles de su Nairobi natal. Mutu y Kahiu narran el mundo africano desde una perspectiva radicalmente femenina. Según la primera la mujer africana porta con una mayor intensidad el lenguaje, los mitos y los símbolos de las tradiciones africanas. Kahiu nos presenta en su película Pumzi (Aliento) un mundo posapocalíptico subterráneo y de escasez en una distopía que ya es posible detectar en las grandes ciudades africanas de hoy. La protagonista huye de allí a la búsqueda de un ecosistema exterior de pureza natural en el que exista agua, vegetación y esa fauna omnipresente en el paisaje africano.

The end of eating everything. Imagen del video de Wangechi Mutu, 2013

La protagonista de Pumzi. Película de Wanuri Kahiu, 2009

Es destacable el papel que la expresión cinematográfica está teniendo en el avance de esta nueva forma de ver el mundo desde el continente africano y sus artistas más sobresalientes en la diáspora. Como ocurre con Kibwe Tavares, cuyos Brixton Robots nos muestran un futuro apocalíptico para Londres, en el que capital británica ha sido colonizada por multitudes de ingenios mecánicos en continua confrontación. O la película franco-camerunesa Les Saignantes (Las sangrantes) de Jean Pierre Bekolo que relata las peripecias de dos amigas jóvenes en el difícil entorno futuro de la ciudad de Yaoundé colonizada por hordas de vampiros.

Este año la Bienal de Venecia dirigido por Okwui Enwenzor ha querido focalizarse de alguna manera en el talento de esta pléyade de artistas que reflejan la variedad formal y estética de un mundo que amplía constantemente sus coordenadas culturales. este año el reconocido arquitecto ghanés David Adjaye ha diseñado un nuevo espacio de actividades en La Corderie, dentro del circuito de pabellones de la Bienal. Es un espacio radical, rojo y oscuro que muestra de alguna manera las contradicciones de nuestro espacio contemporáneo bajo el tema elegido por Enwezor All the World’s Futures (Todos los futuros del mundo). Allí, todos los días, se lee sobre la alfombra de la Arena, su espacio central una parte de la obra máxima de Carlos Marx, El capital. Es una propuesta del artista británico de color Isaac Julian. En ese espacio también se puede apreciar la instalación del angolés Francisco Vidal que hace una referencia poética y simbólica a la realidad de su país. Vidal ha reunido allí centenares de machetes agrupados en ramilletes que tratan de reflejar el valor de esa herramienta para la vida diaria de sus conciudadanos.

 Les Saignantes (Las sangrantes). Una película de Jean Pierre Bekolo. 2005

On ways of travelling. Francisco Vidal, 2015

 Para Enwezor, organizador de esta edición de la Bienal en 2015, solo desde su exposición masiva, el arte africano podrá expresar su talento y “hablar de su verdad“. O como también dice uno de los personajes de la película de 1995 The Last Angel of History (El último ángel de la historia), de John Akomfrah:

“la gente negra siempre ha hecho ciencia ficción, porque siempre han sido capaces de de ver los agujeros del presente”.

Más información:
The shadow took shape. The Studio Museum Harlem

Present and science fiction future. HuffingtonPost 28/08/2013

The Future Weird: Visions of Excess. Okay Africa, 30/07/2013

David Adjaye creates temporary museum for Venice Art Biennale. Dezeen 15/05/2015

Peter Kogler ( Insbruck, 1959) es un artista formado en la Academia de Bellas Artes de Viena. En su primera etapa creativa, su obra se caracterizó por el uso masivo de [...]]]> Su  primer reconocimiento internacional  ”Hormigas”   la instalación en el   Museo Fridericianum para el certamen  Documenta IX en el año 1992.

Peter Kogler  ( Insbruck, 1959) es un artista formado en la Academia de Bellas Artes de Viena. En su primera etapa creativa, su   obra se caracterizó por  el uso masivo de grandes lienzos de papel que con diferentes motivos pictóricos,  a modo de Wall-paper,  recubrían la totalidad del espacio de intervención.

Toda su  carrera a estado influenciada por disciplinas como  la pintura,cine y arquitectura, pero con el desarrollo de los medios digitales  y de  aplicaciones informática de  diseño,Kogler da un paso más allá y comienza a idear  con la ayuda de la técnica conocida como Mapping  de una serie de obras que consisten en la  proyección estática o  en movimiento de patrones sobre la superficie interior de salas, habitaciones y  fachadas, logrando  crear en  el observador la sensación de  estar en un espacio tridimensional diferente.

Instalación para la galería Taxispalais en Insbruck, 2014

Instalación para el  Museo de Arte Moderno(MUMOK) de Viena, 2008

Intervención en la fachada del  Vorarlberg Museum, 2013

  Más información en la web personal del artista:  http://www.kogler.net/bio

Hoy presentamos el trabajo de un artista norteamericano que recupera de alguna manera el lenguaje del expresionismo abstracto para presentarnos una interpretación de determinados hitos de la historia del arte como una vibración personal colorista.

Para Otero, se trata [...]]]> Sin Título. Ángel Otero, 2014. Oleo sobre papel, 155 x 122 cms

Hoy presentamos el trabajo de un artista norteamericano que recupera de alguna manera el lenguaje del expresionismo abstracto para presentarnos una interpretación de determinados hitos de la historia del arte como una vibración personal colorista.

Para Otero, se trata de una celebración del color y el collage que se funden para explicarnos de una manera diversa las obras de grandes artistas del pasado. Desde los frescos de Pompeya hasta Jackson Pollock, pasando por Poussin, la pátina creada por el pintor nos hace intentar esforzarnos en ver significados más allá de la abstracción resultante. La sabiduría y admiración que experimenta este creador joven nos conduce así a una refrescante y nueva mirada sobre esas obras de arte que de alguna manera representan una parte sustancial de la formación de aquellos que han recibido una educación visual contemporánea.

A finales de 2014, Ángel Otero ha realizado una exposición en la Galería Leyendecker de Santa Cruz de Tenerife. Ha sido una ocasión que ha significado una oportunidad para admirar de una manera presencial esos magníficos trabajos que integran su última producción artística y que tienen una alta componente de cuidada artesanía.

La historiadora y crítica de arte, Noemí Feo nos hace a continuación una valoración sobre los argumentos que subyacen a este innovador trabajo personal.

Seguir leyendo la presentación de Ángel Otero por Noemí Feo  en Arquiscopio PENSAMIENTO

]]> https://arquiscopio.com/la-abstraccion-colorista-de-angel-otero/feed/ 0 https://arquiscopio.com/sintiendo-los-espacios/ https://arquiscopio.com/sintiendo-los-espacios/#comments Sat, 01 Feb 2014 17:22:19 +0000 Federico García Barba http://arquiscopio.com/?p=3775 Infografía que refleja la idea del pabellón realizado por Li Xiaodong

Recientemente, se ha inaugurado una interesante exposición en la Royal Academy of Arts londinense cuyo principal motivo es la presentación del espacio. En ella, se han recogido obras de algunos arquitectos contemporáneos para presentar su manera de entender hoy el espacio desde [...]]]> Infografía que refleja la idea del pabellón realizado por Li Xiaodong

Recientemente, se ha inaugurado una interesante exposición en la Royal Academy of Arts londinense cuyo principal motivo es la presentación del espacio. En ella, se han recogido obras de algunos arquitectos contemporáneos para presentar su manera de entender hoy el espacio desde el punto de vista de la arquitectura.

El interés de la muestra radica en observar como algunos reconocidos arquitectos entienden el espacio hoy. Allí se han juntado trabajos de los portugueses Alvaro Siza y Eduardo Souto Moura junto a ideas de otros como el africano Diebedó Fráncis Keré, el chino Li Xiaodong, el japonés Kengo Kuma y el chileno Pezzo von Ellrichshausen. La representación anglosajona se ha concretado en las piezas de la firma irlandesa Grafton Architects.

Columnas amarillas. La interpretación esencialista de las ruinas que hace Alvaro Siza

La percepción del espacio puede producirse por el resultado de diversas experiencias o mecanismos como la rememoración de los lugares vividos, o el enmarcado de un lugar concreto por paredes, puertas y ventanas. Pero también podemos adquirir conciencia de los volúmenes invisibles experimentando sus límites táctilmente. Incluso el espacio se puede oír o incluso oler. Es lo que han intentado evocar los arquitectos que participan en esta exposición titulada Sensing Spaces, tratando de expresar esa inmensidad íntima como nombra Gaston Bachelard a la ensoñación del mundo en uno de los capítulos de su libro La poética del espacio.

Como preámbulo a lo que va a ver el visitante, Alvaro Siza ha presentado ahí una suerte de columnas abstractas a la manera de ruinas desperdigadas que invaden el patio de acceso a la sede de la Real Academia británica. Esas piezas amarillas nos rememoran el espacio de las ruinas clásicas en una visión contemporánea de la idea del espacio que mediante la sugerencia parece tratar de enlazar con el pasado de una manera metafórica.

A continuación y ya en el interior de los espacios expositivos, Souto Moura ha realizado una enigmática interpretación escultural del quicio de madera de una de las puertas decoradas que dividen dos habitaciones del edificio de la Academia. Esa pieza constructiva ricamente decorada se muestra aislada como un arco de hormigón ultrafino que busca extraer conceptualmente la forma de ese espacio de tránsito. Una insinuación que pretende ejemplificar de alguna manera ese recinto volumétrico concreto con una figuración constructiva.

Como señalaría tautológicamente Heidegger en Bemerkungen zur Kunst (Observaciones sobre el arte): El espacio espacia. Espaciar significa rozar, hacer sitio libre, dejar espacio libre, algo abierto.

Una definición que explica la manera de representarnos intelectualmente esa idea espacial que se torna fácilmente inaprensible. Un concepto que el arquitecto portugués ha intentado expresar a su manera intentando trasladar esa operación a un elemento construido con uno de los materiales más usados hoy. Como el mismo ha señalado, se trata de poner los límites para que exista realmente y se nos muestre el espacio.

La extracción espacial del quicio de una puerta. Eduardo Souto Moura

El espacio de troncos y piedra presentado por Li Xiaodong

La idea plasmada por Xiadong enlaza con su manera de concebir una arquitectura transparente, íntimamente ligada al espacio exterior y que tiene sus precedentes en la biblioteca de Liyuan y la pequeña escuela en forma de puente de Xiashi. Son simples espacios en los que la materialidad de los elementos constructivos adquiere una preponderancia esencial en su disposición sin tratamientos industrializados. La arquitectura que realiza el arquitecto chino tiene su entronque en la fenomenología y en la adjetivación de los espacios con piezas vegetales que han sido utilizadas intensamente por la cultura milenaria de la que es hoy heredero y representante, el agua, la piedra, la madera y el bambú. Su pabellón trae esas percepciones a otro contexto como el que significa el interior de un museo y, por ello, pierde una parte sustancial de las sugerencias que tienen sus obras de arquitectura realizadas en otros entornos más abiertos al paisaje.

Instalación de Kengo Kuma

Kengo Kuma ha querido, sin embargo, presentar de alguna forma el espacio inmaterial de las numerosas redes que nos rodean, aquellas que son invisibles esencialmente. Los cables dispuestos por Kuma se iluminan ópticamente mientras se entrelazan para formar una nube luminosa de corporeidad ligera que se inscribe en un recinto obscurecido. Es una forma de expresar el espacio que se desmaterializa en una arquitectura que desaparece. Algo que preocupa hoy sobremanera a los japoneses. Como le ocurre también al proyecto de pabellón que Sou Fujimoto ha realizado este último verano para la Serpentine Gallery en el londinense Hyde Park.

Diebedó Francis Kere ha querido representar la arquitectura del reciclaje generando una bóveda de paneles translucidos de plástico entrelazados que generan un entorno acogedor de directriz parabólica. Una pequeña catedral que se atraviesa, que invita a sentarse en su interior y observar las sutiles líneas de color que se proyectan hacia el interior desde sus  paredes: Y también incita la participación del usuario, a añadir o reconfigurar algunos elementos.

Souto Moura y Francis Kere conversan en el interior de la instalación realizada por este último.

El chileno Von Ellrichshausen ha generado un monumento inútil que en su contundencia de madera nos plantea la paradoja de identificar donde está el interior o el exterior. Su propuesta consiste en cuatro grandes cilindros de madera que contienen en su interior escaleras helicoidales que no llevan a ningún lugar concreto. Una pieza que tiene algo de clásico en su conformación como templo de columnas que se remata con un entablamento a modo de simple cubierta cuadrada. Al que se atreva subir por estas escaleras incomodas se le presenta el espectáculo del techo ricamente decorado del gran salón central de este espacio museístico.

El templete de Pezzo von Ellrichshausen percibido desde el vestíbulo de acceso a la Royal  Academy of Arts

La terraza superior proyectada por Ellrichshausen que permite disfrutar de la decoración que del rico espacio que se remata en bóveda acristalada

Quizás las obras que más sugerencia ofrecen para la percepción del espacio sean las que han pensado las irlandesas Yvonne Farrell y Shelley McNamara de Grafton Architects. Transforman esos espacios interiores con el añadido de simples lienzos superpuestos al recinto, sugiriendo así una forma nueva de percepción y de encauzamiento de la luz. Al fin y al cabo, somos conscientes del espacio a través de la interacción de la iluminación y la conformación de los límites que circunscriben el aire que nos rodea. Una de esas instalaciones de Grafton Architects nos sugiere las ideas de Eduardo Chillida para la montaña de Tindaya en la isla canaria de Fuerteventura a una menor escala. Un espacio sagrado que desgraciadamente no fue realizado al morir el artista antes de su materialización.

La reconfiguración del espacio interior realizada por Grafton Architects

De alguna manera, esta exposición nos remite a los orígenes. Un tiempo en que las artes estaban entrelazadas y los pintores y escultores acababan actuando también de arquitectos. Estas obras manifiestan de una manera radical su entronque con esa percepción primitiva del entorno de origen escultórico como grandes piezas visitables que nos describen el espacio como ese volumen invisible que se extrae de la operación de rodearlo y añadirle materiales perceptivos que aportan elementos como, textura, colores, sonidos, olores, etc. Algo que suele faltar en un mundo que tiende a la asepsia artificializada y rigurosa.

Más información:
Sensing Spaces. Architecture Reimagined. Royal Academy of Arts
Sensing Spaces. Dezeen 21/01/2014
La arquitectura de la experiencia. Anatxu Zabalbeascoa. El Pais 27/01/2014

Respectivamente; Cartel de BAD, Ballet Triádico (2009) y material de Divertimentos tipográfico en TEA (2012)

Mabi Revuelta ha recuperado el sentido expositivo. La artista bilbaína, de cuyo nombre nunca se desvinculen, ha convertido la reflexión contemporánea en una trama [...]]]> La danza de las letras en Mabi Revuelta
Por Noemi Feo Rodríguez

Respectivamente; Cartel de BAD, Ballet Triádico (2009) y material de Divertimentos tipográfico en TEA (2012)

Mabi Revuelta ha recuperado el sentido expositivo. La artista bilbaína, de cuyo nombre nunca se desvinculen, ha convertido la reflexión contemporánea en una trama de vinculaciones, que muestran la coherencia del mensaje en la silueta expositiva. A través de Divertimentos tipográficos, expuesta en 2010 en la Fundación Bilboarte, la interpretación del lenguaje y la forma se convierten en protagonistas históricos. La artista, por medio de la referencia lingüística de ABECEDA, establece un lúdico recorrido elemental por la complejidad de las letras.

 Tipografías incluidas en la obra ABECEDA de Karel Teige (1926) en la que se inspira Mabi Revuelta. Ejemplo de interpretación corpórea, con la letra A y la M

ABECEDA (1926) es un libro diseñado por Karel Teige (1900-1951). Fundamentado en veinticuatro poemas sobre el alfabeto, que había realizado en 1922 su autor, Vitĕzslav Nezval (1900-1958), se presenta una lectura de principios de siglo sobrela comunicación. Precisamente, estos dos escritores, habían fundado en 1920, Devětsil, un grupo de intelectuales que contribuyó en Checoslovaquia a incentivar y aproximar las vanguardias históricas como el dadaísmo, surrealismo, o constructivismo. Su propio nombre, implicaba la innovación, ya que radica en el término que se utiliza para definir las petasites, flores que aparecen justo antes de la primavera y que también representa en su terminología,la fuerza. Este ABECEDA, surgido en medio de las vanguardias y en la necesidad de exploración, vincula el cuerpo y la letra, la acción y el lenguaje, y engrandece visual e interpretativamente la capacidad del alfabeto como obra de arte. La lectura parlante del cuerpo que adopta la tipografía del abecedario hacia la extensión del lenguaje, representa una correlación de interpretaciones que no sólo suponen una amplitud de los logros lingüísticos, desde la simplicidad de las formas corpóreas, sino un juego abierto histórico y reinterpretado.

Cuando señalo, la relación entre el cuerpo, la letra y la obra de arte, es necesario incorporar al alfabeto de colaboración entre Teige y Nezval, el nombre que hace posible este abecedario corporeizado, que es el de la coreógrafa y bailarina, Milca Mayerová. Mayerová, al presentar la obra de Nezval, preparó una sencilla y erótica coreografía que acompañaba las lecturas del poeta, y fue Karel Teige, quien en una sesión de fotos, realizada por Karel Paspa, presentó una pose para cada letra creando así los fotomontajes que ilustran el poema. La exposición de TEA, Divertimentos tipográficos de Mabi Revuelta, es simplemente una exposición sobre la poesía visual, sencilla, clara y lúdica que sorprende en la nitidez del espacio y de los objetos que vinculan la relación entre la vida y la muerte, el nacimiento del lenguaje, su caos y aniquilación comunicativa, y la amplitud que alberga en la diversidad infinita del mismo.

Sección de la exposición Divertimentos tipográficos en TEA. Material de BAD, Ballet Triádico

Basándose pues, en la danza, la fotografía y la literatura, establece un estudio sobre la estructuralidad de las grafías, y juega con su tamaño, forma y diseño. Pero en este juego de investigación, también se alberga un inevitable análisis sobre la semántica, la capacidad de la palabras, el problema del concepto y la agotadora amplitud del lenguaje, que es así mismo, aquello que lo convierte en magnífico. Precisamente, su interpretación también alcanza el escenario, a través del Ballet Triádico, que dirigió con ocasión de la edición de 2009 del BAD, en el Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao y que presentó en el Teatro Arriaga. Su visualización multidisciplinar, permite alcanzar una transversalidad del lenguaje. Extrayendo la innovación que supuso ABECEDA, hecha de modernos ideogramas donde la figura se mueve en el espacio gráfico, Mabi Revuelta recorre la historia, la tipografía de la Bauhaus, la influencia del constructivismo, el cuerpo de la danza y el cuerpo de la letra, todo siempre en el sentido del lenguaje y de la elemental comunicación que también nos rodea.

Carrying the Skeleton. Marina Abramović, 2008. Impresión cromogéna con marco, 206.4 x 183.5 cm).
Veáse la evidente referencia que toma el cartel de BAD de Mabi Revuelta de esta obra de Abramović

Precisamente esta exposición es el cuerpo que se convierte en signo expresivo. Un material expuesto que reproduce la necesidad de un alfabeto moderno, creado en la Checoslovaquia de vanguardia de los años veinte. Una poesía de alfabeto adaptada a la danza y arte. Un abecedario que representa la necesidad de ofrecer una lectura diferente de aquellas letras que habían testificado el horror bélico dela Primera Guerra Mundial.Es al fin y al cabo esta exposición, un recorrido por los avatares del mensaje, por la simplificación y por la historia de la palabra, hecha de cuerpos y hecha de lenguajes. No se trata de una nueva versión de las letras de Teige, no es una adaptación de los poemas, sino una liberación del alfabeto en el dinamismo de sus términos. Una aventura, que radica en la visión contextual de Checoslovaquia y en la situación de posguerra que inaugura una lectura de las vanguardias históricas. Una interpretación contemporánea del signo de vanguardia a través de la exposición, la literatura, la danza y la teatralidad.

Más información:
Ver sitio en la red de Mabi Revuelta
Reseña sobre Los divertimentos tipográficos de Mabi Revuelta. TEA Marzo de 2013
Marina Abramović at MoMA. Jill Krementz. New York Social Diary, Mayo de 2010

Mabi Revuelta, Festival BAD, Teatro Arriaga de Bilbao (2009). ¿Gesamtkunstwerk o la aventura del lenguaje?

Ricciotti es un profesional radicado en el sur de Francia que trabaja unas arquitecturas caracterizadas por una gran potencia expresiva y desarrolla un discurso epatante. Últimamente está obteniendo un reconocimiento progresivo en el país galo desde [...]]]> Pilar escultórico que forma parte de la columnata del Museo Cocteau. Menton, Riviera francesa. 2011

Ricciotti es un profesional radicado en el sur de Francia que trabaja unas arquitecturas caracterizadas por una gran potencia expresiva y desarrolla un discurso epatante. Últimamente está obteniendo un reconocimiento progresivo en el país galo desde que en 2006 se le concediera el Grand Prix de l’Architecture. 

El arquitecto Rudi Ricciotti. Foto: Jaime Hawkesworth, New York Times

Desde sus comienzos, este arquitecto ha buscado la polémica como una estrategia para llamar la atención y lograr reconocimiento mediático masivo. En ese estilo de enfant terrible tan característico de algunos franceses, se describe a sí mismo como un “salafista de la arquitectura” en una reciente entrevista concedida al diario Le Figaro. Allí se declaraba partidario de un arte de la exageración como un recurso válido para recuperar la innovación y la libertad de la arquitectura frente a la “pornografía reglamentaria”. Se refería así a la estandarización actual impuesta por las normativas de todo pelaje que acosan al proyectista. Su más reciente exabrupto se ha concretado en el manifiesto titulado “La arquitectura es un deporte de combate”.

Rudi Ricciotti es un técnico que cuenta con una ya larga experiencia en el manejo de las estructuras de hormigón. Sobre todo desde que en 1994 construyera el Stadium, un monolito cúbico rematado exteriormente con el empleo masivo de ese material y que fue originalmente destinado a albergar un espacio para actuaciones con un gran aislamiento acústico logrado por sus densos muros grises. Esta caja autista supondría la aparición de una construcción sin referencias en el paisaje desolado de Vitrolles, una Ville Nouvelle suburbial atravesada por la Autoroute du Soleil a su paso por Aix en Provence. El Stadium es hoy una construcción masiva de gesto radical que ha sido abandonada a la colonización de los grafiteros desde hace muchos años.

Espacio Stadium. Vitrolles, Vux en Provence. 1994 Cubierta de la piscina en la Villa Navarra en Le Muy. 2002

En la Villa Navarra en Le Muy, Ricciotti mantiene esa tensión en la búsqueda de los extremos. Su fina cubierta es una exploración estética de los límites estructurales del hormigón armado. Con un voladizo libre de 40 metros y casi 8 metros de altura, se proyecta hacia el paisaje para enmarcar una convencional piscina en lámina frente al horizonte.

En el transcurso de los años ha evolucionado hacia una arquitectura que busca una mayor expresividad y ornamento. Por lo que parece, de lo que se trata es de lograr la diferencia y la atracción de la extrañeza. Es un lenguaje que busca comunicar con el usuario a través del contraste con los lugares, sobre la exploración de las particularidades de las estructuras basadas en el hormigón armado y una plasticidad simplona que hace posible la versatilidad de ese material. La tensión de su arquitectura se centra así en la definición de pieles tejidas con intrincados diseños aleatorios y formas escultóricas caprichosas.

Su estrategia compositiva es de una banalidad extrema. Se basa en la definición de cajas de cristal que establecen el límite de los espacios interiores que se recubren con envoltorios prefabricados de hormigón. Diseña las pieles exteriores como recubrimiento formal y para encajar diversas formas irregulares que acaban configurando simples planos exteriores tejidos de formas repetidas y serializadas. Como ocurre en el llamado Pabellón Negro, que alberga el Centro Coreográfico Nacional de Francia, construido en Aix en Provence en 2006.

Visión nocturna del Museo Cocteau. Menton, Riviera francesa. 2011

Ambiente luminoso del espacio interior de exposiciones. Fotografía Roland Halbe

En Mentón, a la orilla del Mediterráneo, ha terminado de construir en 2011 la sede del Museo Cocteau, un espacio dedicado al poeta e intelectual que filmaría la primera versión cinematográfica del cuento tradicional de La Belle et la Bête. Este espacio museístico es una especie de cáscara triangular de hormigón blanco que se fractura en su bordes para establecer una especie de porche escultórico. Una filigrana columnar en forma de peine que recorre toda la fachada exterior del edificio. En su interior, se ha proyectado una organización espacial extremadamente convencional en la que el espacio trapezoidal disponible se divide simplemente en dos partes por los servicios y espacios de escaleras y ascensores. Su carácter escultórico aleatorio instaura una potente presencia en la fachada marítima de este pequeño enclave de la Riviera francesa. Es una obra en la estela de otras instalaciones icónicas como el Guggenheim bilbaíno; así el Museo Cocteau alberga la colección de Severin Wunderman estableciendo el contraste de una presencia amenazante en este pintoresco pueblecito de coquetos hoteles y cuidados jardines.

En 2012, y para el patio Visconti del Museo del Louvre, ha diseñado junto a Mario Bellini una espectacular cubierta ondulada que contiene nuevos recintos expositivos destinados a las colecciones de arte islámico de ese gigantesco equipamiento cultural parisino. Es una lámina dorada que cubre un espacio añadido de 7.000 m2 y que parece flotar como una alfombra voladora en una metáfora visual invasiva y juguetona que, de alguna manera, le quita protagonismo a la barroca y señorial arquitectura precedente de Claude Perrault.

Espacio expositivo de las colecciones de arte islámico del Museo del Louvre en el patio Visconti.

Finalmente este mismo año, acaba de inaugurar el Museo de las Civilizaciones de Europa y del Mediterráneo en la ciudad portuaria de Marsella. Otro contenedor acristalado recubierto exteriormente por un encaje masivo de hormigón que se sitúa en un enclave privilegiado, una plataforma ganada al mar frente al Fort Saint Jean que protege al primitivo puerto. El espacio expositivo es bastante discutible ya queda afectado por los contrastes luminosos que genera el tejido de los planos exteriores que lo envuelven, impidiendo realmente un disfrute adecuado de lo que se muestre en esos interiores.

MUCEM. Museo de las Civilizaciones de Europa y del Mediterráneo. Marsella, 2013

Ha nacido otra estrella de la arquitectura internacional. Hoy, en nuestra disciplina, parece que todavía seguimos instalados en la venta de genios inconformistas a través de los medios de comunicación de masas. Lo que resulta insoportable de todos estos personajes es su extrema egolatría, su discurso torrencial plagado de titulares epatantes que crean espectáculo y presentan sus caprichos como la última palabra en el arte de la construcción. De una manera progresiva, la cultura va quedando así reducida a entretenimiento con el apoyo complaciente de todos.

Francia celebra la arquitectura de este nuevo actor en la Cité de l’Architecture et du Patrimoine que mantiene abierta este verano una muestra sobre la arquitectura de Rudi Ricciottien su sede parisina de la Plaza del Trocadero. Permanecerá todo este verano hasta principios del mes de Septiembre.

Vista de la muestra Rudi Ricciotti, architect que se desarrolla actualmente en la Cité de l’Architecture et du Patrimoine de Paris

Más información:
Museo Jean Cocteau. Rudy Ricciotti. ArchDaily 12/04/2012
Ricciotti Architecte. Cité de l’Architecture. Paris. Hasta el 8 de Septiembre de 2013
Rudy Ricciotti. Página Oficial del Arquitecto

El arquitecto Rudy Ricciotti en un programa de debate  en la televisión francesa

El arquitecto holandés Rem Koolhaas es un personaje que [...]]]>
En fechas recientes, la presidencia de la Bienal de Venecia ha anunciado el nombramiento del hipermediático arquitecto holandés, Rem Koolhaas como el nuevo director de la muestra de arquitectura que se celebrará en la ciudad italiana el próximo año 2014.

El arquitecto holandés Rem Koolhaas es un personaje que ha dedicado un gran esfuerzo a explicar las condiciones en las que se desenvuelve y se ha desenvuelto la práctica de la arquitectura contemporánea. Saltó a la escena arquitectónica en 1978 con la publicación de su primer libro Delirious New York, una descripción de la fulgurante transformación de la ciudad americana a través de algunas peripecias de sus más destacados protagonistas.

Este Periodista Arquitecto ha realizado desde entonces numerosas publicaciones en diversos medios. Su prosa destaca por su radicalidad y la incisiva descripción de los fenómenos contemporáneos relacionados con la transformación del espacio. Junkspace, El espacio basura, es una descarnada crítica a la deriva experimentada por la ciudad contemporánea. Su último esfuerzo es una magnífica recopilación descriptiva de la arquitectura japonesa posterior a la 2ª Guerra Mundial, relacionada con el Movimiento Metabolista que lideraría Kenzo Tange. Project Japan es un inmenso libro que presenta el esfuerzo realizado por un grupo de arquitectos para trascender al confinamiento insular del país asiático con una propuesta de transformación urbana revolucionaria.  

Koolhaas ha denominado Fundamentals a su propuesta para el próximo encuentro a realizar en Venecia. Según sus propias palabras, será un evento que se dedicará a recuperar la historia.

Para ello, tiene programadas ya dos grandes muestras a situar en los Pabellones Central y del Arsenal. Su objetivo es dedicar la muestra a aquellos elementos esenciales que se usan reiteradamente en la arquitectura. Ese tema central se asume como un auténtico proyecto de investigación coordinado entre diversos especialistas. En las propias palabras del nuevo director:

Después de varias bienales dedicadas a la celebración de lo contemporáneo, Fundamentals se centrará en la historia –en los elementos inevitables de toda la arquitectura utilizados por cualquier arquitecto, en cualquier lugar y en cualquier momento (la puerta, el piso, el techo, etc.). Esta retrospectiva va a generar una nueva comprensión de la riqueza del repertorio fundamental de la arquitectura, que aparentemente está agotado hoy en día.

También intentará establecer un debate sobre el significado de las arquitecturas nacionales en un momento en el que, según Koolhaas, las manifestaciones culturales se han hecho globales. Bajo el lema Absorbing modernity: 1914-2014, pretende que los distintos países que participan ofrezcan su particular traslación de la evolución de la modernidad en arquitectura a los contextos de cada país participante.

La guía que ha preparado Rem Koolhaas para la próxima XIV Bienal de ArquitecturaVenecia

Se prevé que la XIV Biennale de Venezia se pueda inaugurar el próximo 7 de junio de 2014 y se ha programado para que tenga una duración de 6 meses.

Más Información:

Fundamentals:
Koolhaas presenta su Bienal. Domus 13/01/2013
Bienal de Venecia