Between You and I. Anthony McCall, 2006

La obra del artista británico Anthony McCall se centran en el manejo de la luz como un instrumento de composición volumétrica que interactúa con el espectador.

A caballo entre el dibujo, la danza y la arquitectura, McCall [...]]]> Las piezas artísticas de Anthony McCall

Between You and I. Anthony McCall, 2006

La obra del artista británico Anthony McCall se centran en el manejo de la luz como un instrumento de composición volumétrica que interactúa con el espectador.

A caballo entre el dibujo, la danza y la arquitectura, McCall nos propone una visión del espacio que profundiza en la relación entre espectador y pieza artística, sugiriendo un diálogo de interacciones. De alguna manera, en esos trabajos la luz se puede tocar y recorrer sintiendo su cualidad física, tanto para entender su forma y la geometría de los espacios generados por su recorrido como la gneración de una experiencia presidida por la curiosidad.

Como ocurre con la serie Netykavka de 2014, unas instalaciones que juegan con ls proyección de la luz sobre un fondo oscuro para crear diversas figuras espaciales. O “luz sólida” como las define el propio artista.

Netykavka #1 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #1

Netykavka #2 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #2

Netykavka #3 from Dan Gregor | INITI.org on Vimeo.

Netykavka #3

Más Información:
Anthony McCall. Página del artista

Peter Kogler ( Insbruck, 1959) es un artista formado en la Academia de Bellas Artes de Viena. En su primera etapa creativa, su obra se caracterizó por el uso masivo de [...]]]> Su  primer reconocimiento internacional  ”Hormigas”   la instalación en el   Museo Fridericianum para el certamen  Documenta IX en el año 1992.

Peter Kogler  ( Insbruck, 1959) es un artista formado en la Academia de Bellas Artes de Viena. En su primera etapa creativa, su   obra se caracterizó por  el uso masivo de grandes lienzos de papel que con diferentes motivos pictóricos,  a modo de Wall-paper,  recubrían la totalidad del espacio de intervención.

Toda su  carrera a estado influenciada por disciplinas como  la pintura,cine y arquitectura, pero con el desarrollo de los medios digitales  y de  aplicaciones informática de  diseño,Kogler da un paso más allá y comienza a idear  con la ayuda de la técnica conocida como Mapping  de una serie de obras que consisten en la  proyección estática o  en movimiento de patrones sobre la superficie interior de salas, habitaciones y  fachadas, logrando  crear en  el observador la sensación de  estar en un espacio tridimensional diferente.

Instalación para la galería Taxispalais en Insbruck, 2014

Instalación para el  Museo de Arte Moderno(MUMOK) de Viena, 2008

Intervención en la fachada del  Vorarlberg Museum, 2013

  Más información en la web personal del artista:  http://www.kogler.net/bio

En 1973, se celebró en Tenerife una exposición de escultura que ocupó una gran parte de los espacios públicos de la ciudad. Se situaron numerosas piezas de artistas y escultores reconocidos principalmente en su rambla [...]]]> Guerrero de Goslar. I Exposición Internacional de Escultura en la Calle. Tenerife. Henry Moore, 1973. Foto del autor

En 1973, se celebró en Tenerife una exposición de escultura que ocupó una gran parte de los espacios públicos de la ciudad. Se situaron numerosas piezas de artistas y escultores reconocidos principalmente en su rambla central y el parque García Sanabria. En un momento dado, una pequeña ciudad podía acoger y experimentar las sensaciones del arte de vanguardia.

Cuarenta años después se conservan aun algunas de esas obras punteando algunos lugares y estableciendo un diálogo fructífero. Ese acontecimiento abrió un espacio para el debate sobre el significado y relación entre arte y urbanismo que luego han seguido otros con mayor fortuna.

Es lo que viene ocurriendo desde 1977 con el Münster Skulpture Projekte en la pequeña ciudad de Alemania. Una muestra que ya ha contado con cuatro ediciones y cuyo último exponente tuvo lugar en 2007. Una consecuencia de ese esfuerzo es que la ciudad alemana cuenta hoy con un catálogo de esculturas e intervenciones urbanas impresionante.

Pool Balls. Münster Skulpture Projekte. Klaes y Coosje Oldemburg, 2007. Foto: Germanihon Marie

Solo en 2007, dejaron una muestra de su trabajo allí, 36 artistas. Bruce Nauman, Martin Boyce, Dora García, Isa Genken, Thomas Schütte, Rosemarie Trockel y Mark Wallinger entre ellos.

Desde mediados del siglo XX, se ha generado todo un conjunto de ámbitos para exponer la obra de escultura al aire libre como ocurre en el magnífico jardín del  Museo Kröller Müller, inserto en el Parque Nacional De Hoge Veluwe en las cercanías de Arnhem, Holanda. Sin embargo, tanto en Tenerife como en Münster se ha podido plantear una reflexión sobre como intervenir en la ciudad y el paisaje desde una perspectiva artística que mejore los lugares eludiendo la concepción monumental de la escultura.

Un camino rico que tiende a mejorar la percepción del urbanismo y del territorio añadiendo la aportación de la cultura contemporánea.

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Hay gente que dedica su vida a cultivar la subjetividad del pensamiento. Es lo que ocurre con Chapuisat Frères, un equipo de dos artistas instalado en la apacible y conservadora ciudad suiza de Ginebra, y que toman la transformación del espacio como [...]]]> La extraña terraza de la  Residence Secondaire.  Chapuisat Frères , 2012

Hay gente que dedica su vida a cultivar la subjetividad del pensamiento. Es lo que ocurre con Chapuisat Frères, un equipo de dos artistas instalado en la apacible y conservadora ciudad suiza de Ginebra, y que toman la transformación del espacio como un motivo para su trabajo de investigación creativa.

Maison, Chapuisat Frères, 2008

En apenas una década, Chapuisat Frères ha generado una serie de obras muy significativas, que representan su peculiar aproximación a la escultura basada en la reconfiguración de la percepción del espacio. En sus provocadores trabajos demandan una participación activa al espectador, colocándole en una tesitura de exploración, como ocurre en los laberintos interiores visitables que se sitúan dentro de las paredes. Es lo que sucede en la instalación denominada Intramuros, proyecto realizado en varios lugares de Suiza, como la Kunsthalle de Sanktgallen en 2008. La obra no está sobre las paredes -o en el espacio que se puede visitar habitualmente- sino que se sitúa dentro de los propios muros que conforman el espacio expositivo. Frente a las prístinas galerías de arte a las que tanto se acostumbre, en las que las obras se colocan sobre impolutos lienzos blancos de fábrica, esta pieza plantea la introducción de nuevas paredes de ancho suficiente para que puedan visitarse interiormente, creando un recorrido inimaginable para el espectador.

Metamorphose d’impact  2. Le LIFE. Le Grand Café. Saint Nazaire.  2012

Y es que sus obras tratan de romper ideas preconcebidas trastocando las convenciones familiares de lo que es la arquitectura o la escultura. Y, con ello, de la forma en que usamos los espacios. Invitan a un nueva manera de entender el territorio cotidiano que nos rodea, rompiendo hábitos y costumbres muy arraigados. Como ellos mismos exponen “nuestras construcciones reconfiguran el espacio, convirtiendo los límites entre interior y exterior de adentro hacia afuera, jugando con la apreciación subjetiva de la realidad”.

Algunas instalaciones recientes suponen una transgresión radical de la forma en que se habitan los lugares como la denominada Residence Secondaire (Segunda Residencia). Una obra radical de 2012 que se superpone salvajemente a un típico chalet suizo y que parece haber explotado finalmente, recubierto de tablones que se proyectan en todas las direcciones sobre su tradicional cubierta. Pero es que esta nueva construcción a modo de parásito puede habitarse y recorrerse de una forma poco convencional por medio de escaleras y recintos funcionales. Es una rotura inimaginable de las convenciones que sus vecinos deben considerar una afrenta intolerable.

La Residence Secondaire en su apacible entorno suizo

En Chapuisat Frères, la frontera entre arquitectura y escultura ha quedado definitivamente abolida. Y frente a la impotencia de los arquitectos esclavizados por la economía y la funcionalidad habituales en una cultura contemporánea dominada por el capital, los escultores han llegado para apropiarse de la vertiente artística en el manejo del espacio.

En el fondo esta pareja son unos provocadores que buscan activar en el observador reacciones ambiguas de rechazo pero también asombro, curiosidad y extrañamiento. Una manera como otra cualquiera de llamar la atención en un mundo saturado de imágenes y acontecimientos. Sin embargo, su trabajo creativo refleja una frescura y una profundidad de pensamiento que es probablemente el resultado de un proceso altamente innovador y nada sencillo.

Intramuros. Kunsthalle de Sanktgallen, 2008

Diseño para una pared visitable. Intramuros. Chapuisat Frères, 2008

Más Información:

Enter the space inside a wall. Two installations by The Chapuisat Brothers.
Residence Secondaire. R&Art
The Chapuisat Brothers. Página oficial

Elements. Chapuisat Frères, 2011

Estas estructuras espaciales son fruto de los pequeños momentos de descanso de este joven artista en una cafetería de la cadena Starbucks. En ese lugar, en el que aprovechaba para hacer sus dibujos mientras se tomaba un café largo, es donde a Brilliant, graduado en [...]]]> The Sumter Piece. Jonathan Brilliant, 2007

Estas estructuras espaciales son fruto de los pequeños momentos de descanso de este joven artista en una cafetería de la cadena Starbucks. En ese lugar, en el que aprovechaba para hacer sus dibujos mientras se tomaba un café largo, es donde a Brilliant, graduado en Artes por la Universidad de Charleston, Carolina del Sur, se le ocurre la idea de comenzar a indagar e investigar sobre las posibilidad de generar complejas disposiciones espaciales empleando como único recurso, los materiales presentes en esas cafeterías.

The Sumter Piece. Jonathan Brilliant, 2007. Artista residente en Sumter, Carolina del Sur 2007

Sus esculturas-instalaciones, hechas con esas piezas tan cotidianas y tan propias de la cultura reciente como podrían ser los vasos, las tapas o los simples palitos agitadores destinados al consumo del café. Son estructuras que están enteramente ejecutadas a mano, sin la ayuda de ningún material adhesivo o producto fijador. Sus curiosas volumetrías son inmensas estructuras parecidas a tejidos en las que el autor emplea entre 5.000 y 60.000 piezas colocadas estratégicamente y que tienen la  capacidad de auto sostenerse por el simple fenómeno físico de la tensión.

The Berlin Piece. Jonathan Brilliant. Dam Stuhltrager Gallery. Berlín, 2009

Como si de un ave que fabrica su nido y con una técnica similar a la tradicional de la cestería china, Jonathan Brilliant elabora estas complejas mallas orgánicas de formas sinuosas, ondulantes, llenas de energía y de proporciones gigantes en un proceso que dura entre una o dos semanas. Son objetos que construye con la ayuda inicial de una estructura básica, apoyando pieza sobre pieza; que se conciben como dibujos en el espacio, casi como cestas que se distorsionan debido a fuerzas externas y que producen en el espectador una gran sorpresa y fascinación. Podemos pensar que existe una gran fragilidad inicial, casi como una construcción similar a un castillo de naipes. Sin embargo, detrás de estas vastas aglomeraciones de palitos se esconde una robustez difícil de imaginar. Son casi la expresión de una gran resiliencia, como la que una gran cantidad de jóvenes se ven obligados a experimentar hoy en día.

Detalle de las complejas tramas desarrolladas por el artista

La repetición puede ser una estrategia artística interesante. Es algo que los minimalistas explorarían en la segunda mitad del siglo XX. Brilliant explora las variaciones que pueden surgir partiendo de piezas de serie repetidas hasta el infinito. En su caso, la arbitrariedad nos lleva hacia estructuras espaciales de una gran riqueza volumétrica y formal.

The ethernal return. Jonathan Brilliant. Nurture Art Brooklyn 2010

Have sticks will travel? Jonathan Brilliant. 18Rabbit Gallery, Fort Lauderdale, 2010

Mas información en la web del autor: http://www.jonathanbrilliant.com/

Jonathan Brilliant trabajando en su pieza berlinesa

Richard Serra es uno de los artistas más interesantes de nuestro tiempo. Un escultor americano que investiga sobre las formas del espacio y su relación con la gravedad. Para ello utiliza esas piezas de acero de alta solidez y consistencia que se emplean [...]]]> A matter of time. Museo Guggenheim Bilbao. Richard Serra, 2005

Richard Serra es uno de los artistas más interesantes de nuestro tiempo. Un escultor americano que investiga sobre las formas del espacio y su relación con la gravedad. Para ello utiliza esas piezas de acero de alta solidez y consistencia que se emplean en la industria naval para la construcción de barcos de gran tonelaje.

Spiral. Richard Serra

Su trabajo explora la relación entre obra de arte, lugar y espectadores. Sus trabajos sobre planchas de acero, masivas y de gran escala, nos introducen a nuevas relaciones espaciales, lugares que son altamente estimulantes e inesperados en su belleza. Sus láminas curvadas en superficies esféricas, cónicas y de rotación nos abren a una relación con nuestro entorno ligada a las formas del barroco. Son como grandes olas de acero que nos envuelven y nos trasladan a una experiencia distinta y revolucionaria del espacio, algo que antes nadie había imaginado.

Dentro de su trayectoria última destacan sus Elipses Torcidas que constituyen una exploración personal, casi arquitectónica que nos traslada más allá la investigación espacial que iniciaron los constructores del barroco. 

El escultor concedió una entrevista en la que habla sobre esas piezas, es un documento recopilado por David Silvestre y que forma parte de catálogo de la exposición Richard Serra, Sculpture 1985-1998, celebrada en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles. Allí explicaba su concepción de esos espacios que crean sus investigaciones sobre las figuras elípticas:

 Son vasijas a las que se entra. Hay una abertura. La vasija está hecha con una lámina de acero que se ha doblado por mediante un altísimo esfuerzo de compresión para formar una piel que rodea una forma elíptica, y que se inclina continuamente hacia adentro o hacia o hacia fuera.
Cuando estás al interior de estas vasijas, el contorno del piso es similar a una elipse de Borromini, y también lo es la forma superior, abierta al cielo.
Esto implica que la vasija de acero, al rotar hacia arriba desde la elipse inferior a la elipse superior, debe torcer continuamente su curvatura, ya sea hacia fuera o hacia adentro. No hay, por tanto, ninguna línea vertical en la topología de la escultura. Si estas cosas son algo, yo diría que son deformaciones topológicas.
No son cónicas, ya que el radio no cambia. No son pantallas de lámparas o floreros. Tienes que imaginarte una elipse en el suelo que no cambia en lo más mínimo su forma al rotar y gira hacia arriba hasta detenerse formando un ángulo respecto a sí misma. Ese ángulo es diferente en cada pieza. Es un ángulo de 55 grados o un ángulo recto en las simples. En la doble en la que están trabajando ahora, la rotación es de 70 grados. La forma generada por la rotación tiene, por así decirlo, un torcido, una torsión. Y debido a que la forma tiene un giro, constantemente se inclina hacia ti por sobre tu cabeza o se aleja de ti a la altura de tu brazo. La pieza se te aleja o su concavidad te incluye. Por fuera ocurre exactamente lo inverso. O bien parece un plano que se aleja de ti como una forma cónica retirándose, o bien parece la proa o popa de un barco, dado que se mueve en dos direcciones al mismo tiempo, como una curva invertida.
Lo que resulta interesante en estas piezas es que esta forma específica, producida por una elipse que gira al alzarse, no ha aparecido nunca en la historia de la arquitectura o la cerámica, y creo comprender por qué. En cerámica, una vasija se confecciona torneándola o con un gusano de arcilla enrollado como serpentina sobre sí mismo. Y no se puede torcer el contorno de la forma mientras se tornea. Es imposible. Y en arquitectura no se dio porque esa forma en particular tiene muy poca fuerza de compresión, así que no puede poner una carga.

Richard Serra explica las características de una de sus Elipses Torcidas, denominada Cambuhy, realizada en Sudamérica. Marco Aslan, VIMEO

Richard Serra’s Cambuhy from ASLAN on Vimeo.

Más Información:
Richard Serra. Sculpture: Forty Years. Exposición en el MoMA. 2007

Two torqued ellipses. Richard Serra