Interior del espacio de Spa del Amangiri Resort

El Amangiri Resort es un complejo vacacional hotelero, casi un retiro monástico, situado en el desierto americano de Utah. Es una apuesta turística de gran sofisticación que basa su atractivo [Mas información]]]> Rick Joy, Wendell Burnette y Marwan Al-Sayed
1, Cayenta Road. Canyon Point. Utah. EEUU, 2009

Interior del espacio de Spa del Amangiri Resort

El Amangiri Resort es un complejo vacacional hotelero, casi un retiro monástico, situado en el desierto americano de Utah. Es una apuesta turística de gran sofisticación que basa su atractivo en una disposición exclusiva e inigualable de un paisaje sobrecogedor.

Vista general de la mplantación del hotel en el paisaje desertico

Realizar hoy una infraestructura turística de gran lujo conlleva establecer características que marquen una diferencia neta con los productos al uso que tienden a convertir esta actividad en una mercancía más, reproducible en cualquier lugar. Y ahí surgen los elementos geográficos como un repertorio a explorar para establecer potentes marcas individualizadas que supongan un atractivo divergente respecto a las corrientes mayoritarias presentes en la industria dedicada a la acogida de visitantes.

En esta tendencia hacia la mayor rentabilidad derivada de la sofisticación, el papel que pueden desempeñar determinados espacios paisajísticos es un elemento que no es igualable con facilidad. Así, los promotores de nuevos productos turísticos de alta calidad utilizan una  estrategia basada en localizar lugares que posean en sí mismos atractivos incomparables. Algo que se relaciona con elementos muy sutiles y que tienen que ver con las emociones y la cultura estética adquirida.

Hoy en día, en un mundo densamente poblado, la belleza que inspira la soledad y el aislamiento es un sentimiento muy difícil de conseguir. Aquello que los filósofos románticos asociaban con lo sublime es algo que posiblemente solo se alcanza en lugares remotos del planeta como las altas montañas, los densos bosques y las vastas superficies congeladas próximas a los casquetes polares.

Otro de esos paisajes que facilita estas sensaciones excelsas es el que se relaciona con la aridez del espacio desértico. Los desiertos son hoy algo así como una prefiguración aquí y ahora del paisaje que se encontrarán los futuros exploradores interplanetarios como estamos percibiendo en las imágenes que los vehículos robotizados nos envían desde Marte.

Recinto de la piscina central del hotel Amangiri

Muestras de todo este cúmulo de ideas hay en la propuesta desarrollada como complejo vacacional Amangiri que se ha construido en el desierto de Utah en el centro de los Estados Unidos. Es una iniciativa que se ha hecho a partir de un proyecto de los arquitectos de Arizona, Rick Joy y Wendell Burnette, en colaboración con Marwan Al Sayed con oficina en Los Ángeles.

En una entrevista para la revista Metrópolis, Burnette ha señalado que, en el momento de establecer sus propuestas de arquitectura, su máximo interés consiste en lograr lugares singulares, espacios que resuenen en el espíritu de sus usuarios. Ofrecer una experiencia intelectual a la vez que sensorial que permita a sus clientes sentir la arquitectura como algo querido y apasionante, una construcción inigualable que vale la pena conservar. De esa manera, según él, se ofrece una nueva forma de aproximación al actualmente tan querido lema de la sostenibilidad. Su filosofía de diseño se basa en buscar la verdadera esencia de los lugares; ser capaz de presenciar el lugar para poder hacerse presente en ellos. La aproximación a la arquitectura se apoyaría así en comprender todos los aspectos de un programa particular para poder desarrollar un espacio poético en consenso con el cliente y con el apoyo de los constructores.

Rick Joy comparte con Burnette, la pasión por una arquitectura de la simplicidad y de las sensaciones táctiles. Asimismo, se concentra en lograr la máxima expresión de la materialidad de los elementos constructivos. El uso de hormigones texturados, carpinterías muy simplificadas y espacios con una compartimentación básica, han dotado a su arquitectura de una esencialidad muy peculiar. Como Burnette, la reverencia hacia el austero paisaje del desierto es una marca que identifica a la arquitectura de Joy. Steven Holl lo ha definido como un arquitecto que engrosa la luz al añadirle texturas densas. Para Holl, la arquitectura de Rick Joy es la de alguien que mima la imaginación intuitiva, estimulando la expresión de los materiales durante el proceso de construcción.

El Amangiri Luxury Resort es una instalación que se sitúa en el borde de una planicie sumamente árida al costado de unas pequeñas colinas de piedra erosionada por la acción milenaria del viento. Allí, los arquitectos proponen una estética del refugio que se prodiga en las vistas a larga distancia de los pintorescas formaciones pétreas que rodean el lugar. Entre la frontera de los estados de Utah y Arizona, se inserta en una propiedad de 240 hectáreas que mira al Monumento Nacional de Escalante, un gran roquedal estratificado.

La estrategia de proyecto es la del enmascaramiento extremo, reduciendo la altura de los edificios a una sola planta y empleando materiales que mimetizan los colores, tonalidades y texturas del lugar. En sus interiores la provisión de sombra y un coloreado sueva de los espacios ha sido uno de los factores de diseño esencial. También es interesante destacar su adaptación radical a la topografía, disponiendo los edificios que componen el resort siguiendo el borde de una de las colinas que limitan la gran planicie. Hacia ese gran plano geográfico se orienta el conjunto de espacios que componen el proyecto y que se orientan hacia el norte y hacia el este.

Perspectiva desde el interior de las suites

El esfuerzo de composición proyectual se ha consagrado a lograr una cierta protección frente al viento y al mismo tiempo conseguir captar las mejores vistas de las curiosas formas que se han conformado durante milenios de las mesas y acantilados erosionados que conforman el horizonte. Esta oferta alojativa lujosa potencia la sensación de soledad y aislamiento, induciendo a facilitar el retiro de sus usuarios en una situación de recogimiento y espiritualidad inducida casi extrema.

El complejo está integrado por 34 suites y los típicos espacios auxiliares para la atención a clientes, recepción, zona de estancia colectiva restaurante, piscinas, spa, gimnasios, etc. Las suites se han planteado con una disposición superficial amplia y se estructuran en grupos de dos volúmenes que se alternan, mediante una franja habitable y una banda de aseo, servicios y acceso. El acceso a cada unidad es a través de este último volumen y adopta una configuración en U a la manera de las puertas de tradición árabe. Probablemente, se ha planteado así para evitar la acción negativa del viento. En su frente hacia el paisaje, cada suite dispone de una amplia ventana acristalada y una terraza protegida con altos muros que permite la contemplación de la variada silueta del horizonte.

Espacio exterior para la práctica del yoga y de la meditación
Alguna de las piscinas privativas de las suites

Algunas de estas suites cuentan con piscinas privadas, con diseños y conformaciones particulares. Se han definido como espacios específicos que se han definido con una propuesta arquitectónica singular a modo de santuarios individuales para uso exclusivo y privado en contacto con las rocas circundantes. El conjunto de habitaciones piezas cuenta con algunos espacios exteriores que inducen a un retiro individual y, posiblemente, a la práctica de actividades de meditación como el yoga.

El lujo que supone obtener cobijo en un lugar tan extremo se acentúa con la disposición de numerosas láminas de agua. Probablemente, la obtención de este elemento tan escaso en el desierto debe producirse trayéndolo desde muy lejos. Otro elemento suntuoso que se añade a la sensación de exclusividad. La gran piscina que se sitúa en la principal zona común, se ha diseñado introduciendo un pequeño promontorio en su centro. Una roca que actúa como foco y centro de atención rodeada de la lámina de agua generada. Parecería que se quiere inducir una especie de reverencia hacia la presencia de lo natural, una especie de idolatría contemporánea. Algo similar sucede con el espacio diseñado para spa, una gran caverna artificial en el que la luz cenital ilumina una escueta piscina interior cuya simplicidad, colores y texturas facilita sensaciones de placidez extrema.

Vista exterior desde el acceso del volumen destinado a Spa

El diseño destaca por el empleo de hormigones coloreados con áridos de tonos similares a los existentes en el lugar. El uso sin tratar de tablazones bastas de madera en carpinterías y enrejados, que presentan texturas y colores naturales, establecen con algunos volúmenes hormigonados. Es un contraste sensorial entre materiales naturales y artificiales que se pretende resaltar. Por último, los elementos empleados en la decoración interior son sumamente sobrios y con una atenuación radical de los colores para adaptarse así estéticamente a la presencia casi obsesiva del desierto.

El Amangiri Resort es una pieza de arquitectura que logra extraer el carácter sublime del paisaje del desierto mediante la exposición privilegiada de la amenazante presencia de los vastos espacios allí localizados. Un producto sofisticado destinado a aquellos que disponen de los mayores recursos económicos, algo acorde con los tiempos de desigualdad que corren.

Más información:
Wendel Burnette. Point of view. Metropolis Magazine
Wendell Burnette Architects
Marwan al Sayed Architecture&Design

Video de presentación promocional del Amangiri  Resort. Steel Blue Studio

amangiri from steelblue on Vimeo.

PLANOS

Planta de organización de una parte del conjunto

Sección por el espacio de Spa

Terraza cubierta intermedia

Vista del paisaje desde el espacio auxiliar de aseo en una de las suites

EMPLAZAMIENTO

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Vista de la fachada exterior a la Avenida Broadway. Foto: Michael Moran

A mediados de la década pasada, el arquitecto español Rafael Moneo recibiría el encargo de construir un nuevo edificio que ampliase las instalaciones [Mas información]]]> Rafael Moneo
Davis Brody& Bond y Moneo/Brock
Broadway Av/ W 120th St. Nueva York, EEUU. 2010

Vista de la fachada exterior a la Avenida Broadway. Foto: Michael Moran

A mediados de la década pasada, el arquitecto español Rafael Moneo recibiría el encargo de construir un nuevo edificio que ampliase las instalaciones de la emblemática Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. Un reto profesional en diálogo con los rascacielos de Manhattan a partir del que construir una obra de arquitectura singular junto a la avenida Broadway.

Perspectiva del edificio proyectado hacia el recinto interior del campus universitario
 
La actitud proyectual de Moneo parte generalmente del análisis de las condiciones de contorno en la que se va a situar la obra a realizar. El reconocimiento de las características urbanísticas históricas, el entendimiento de las demandas profundas que le plantean y la valoración de los precedentes arquitectónicos ligados a cada lugar le ofrecen las claves por las que se va a guiar en la definición de sus propios edificios.

En este caso, la comprensión de las pautas generadoras del campus universitario neoyorquino fue una clave esencial para el establecimiento volumétrico del edificio. En Columbia, en sus orígenes, el diseño urbanístico y la arquitectura universitaria fue encomendado a los arquitectos neoyorquinos, Charles McKim, William Mead y Stanford White. Unos representantes del movimiento City Beautiful que dejaron una impronta extensa de arquitecturas de inspiraciones Beaux Arts en la ciudad de los rascacielos a finales del siglo XIX y principios del XX. McKim, Mead & White establecieron para el campus de la Universidad de Columbia una ordenación formal que sigue la característica trama de manzanas rectangulares en la que se basó la ocupación de la isla en que se sitúa la zona central de aquella metrópolis americana.

El lugar concreto de este proyecto fue una esquina del campus que se había conservado relativamente vacía de construcciones. Años atrás, el británico James Stirling aportaría un precedente proyectual menos afortunado con el que se pretendió rematar esta parte del campus. Su concepto no realizado mantenía abierta de alguna la conexión peatonal hacia la parte oeste de la ciudad, introduciendo nuevos usos y espacios construidos. El edificio de Stirling planteaba una estructura de gran viga en diagonal que, por alguna razón desconocida, no pudo ejecutarse.

La configuración en esquina del edificio
Foto: Michael Moran

En el caso del nuevo proyecto de Moneo, se trataba así mismo, de solucionar unas necesidades de ampliación de espacio ocupando esa esquina del conjunto universitario; y al mismo tiempo, lograr conservar y facilitar de las comunicaciones entre la ciudad y los espacios centrales del campus. Otro de los elementos que condicionaba también a este nuevo proyecto fue la obligatoriedad de conservar el gimnasio preexistente en medio de la parcela.

El mantenimiento de la proporción y las medidas de los edificios clasicistas colindantes es sintomático de la manera de proceder del arquitecto navarro. Las nuevas dependencias de laboratorio, biblioteca y espacios auxiliares se ajustan en planta al tamaño de la crujía definida por sus pesados edificios vecinos. El planteamiento de respeto a los edificios vecinos se acaba concretando de una manera educada en la forma en que sus espacios funcionales y de acceso se conectan. Debido a ello, el nuevo edificio proporciona unos volúmenes de comunicaciones y pasarelas que se retrasan de las alineaciones respectivas ofreciendo a la calle sendas hendiduras que establecen una transición clara. Por otra parte, considerando el problema que supone salvar el vacío del Francis S. Levien Gymnasium sin tocarlo, el nuevo edificio es obligado a centrar el esfuerzo compositivo principal del proyecto desde la definición de sus secciones generales. Las razones de este salto superior que conforma al nuevo laboratorio como un edificio puente provienen, por lo que parece, de las estrictas ordenanzas antisísmicas de la ciudad que exigen la separación neta entre ambas estructuras.

Desde un punto de vista estilístico, el estricto prisma rectangular de catorce plantas podríamos interpretarlo también como un recordatorio formal a la Lever House, ese contenido rascacielos que Gordon Bunshaft ejecutó en 1952. La Lever House es un edificio de oficinas representativo que se ha convertido en un hito importante de Park Avenue, justo enfrente del Seagram Building de Mies van der Rohe. Este homenaje a ese otro gran arquitecto de la ciudad sería nuevamente otra indicación de la enciclopédica forma de abordar los proyectos que Rafael Moneo ejerce habitualmente. En este mismo sentido, la piel exterior de los Laboratorios de Ciencias de Columbia es deudora de los planteamientos de Gottfried Semper que, en su influyente obra Die Vier Elemente der Baukunst (Los cuatro elementos del arte de la construcción) de 1851, propugnaba la diferenciación arquitectónica en cuatro componentes esenciales, el basamento, el hogar, la estructura y la membrana. Aquí, mientras el basamento tiende a la disolución, tanto la singular estructura como la membrana que se superponen adquieren una especial relevancia.

Por ello, es notorio que el edificio establece una suerte de desaparición del encuentro; en su engarce con el terreno. Algo así como si la rotunda masa del edificio flotara sobre el lugar en que se asienta. Una estratagema formal que lo emparenta claramente con las tradiciones modernas que establecieron los grandes maestros del siglo XX en algunos edificios emblemáticos. Es a partir de la estructura desde donde Moneo se plantea volcar la expresividad de las fuerzas actuantes sobre este edificio puente que vuela por encima del espacio del gimnasio universitario preexistente. Mientras, las grandes acciones de la carga descansan sobre unas grandes pilastras centrales en las que se inscriben los núcleos de comunicaciones verticales, sobre una trama metálica ortogonal exterior se colocan las diagonales justas y necesarias para equilibrar las  tensiones cortantes derivadas del vuelo de los volúmenes exteriores. Toda esta sinfonía de fuerzas actuantes quiere expresarse directamente y de una manera diáfana; y por ello, tiene un reflejo formal en la ordenación de huecos y cerramientos de fachada.

Así, la composición del aplacado de las fachadas (el “bekleidung” semperiano) sigue un patrón regular originado por esa trama estructural en la que se apoya el edificio. Hacia Broadway, el edificio se cierra más aplicando unos paneles de aluminio tramados diagonalmente en aquellos recintos en los que se expresan las tensiones de los voladizos. En el resto, el aplacado rectangular inserta huecos horizontales que permiten la contemplación del exterior desde los espacios de laboratorio a doble altura.

Para la formalización de este juego casi textil, el arquitecto acude a la inspiración que le ofrece la pintura del minimalista Frank Stella. Sus tramas regulares ofrecen un ejemplo compositivo con el que articular unas fachadas pautadas por las diagonales de los necesarios tirantes estructurales. Moneo es un seguidor de los grandes artistas de la mitad del siglo XX y suele homenajearles utilizando explícitamente sus formas para algunos elementos arquitectónicos. Como ocurre, por ejemplo, en el edificio del Kursaal de San Sebastián en el que la definición de los muros de su basamento son un recordatorio de algunas piezas como Walking and Marking de 1991 de Richard Long, el conocido artista Land Art británico.

El pequeño auditorio contenido en el edificio de Ciencias

En la fachada posterior, los espacios de oficinas y servicios se abren totalmente con un muro cortina convencional que permite la visión sesgada de los espacios ajardinados y los edificios interiores, situados en el centro del campus universitario. Especialmente, hacia el auditorio de la Escuela de Negocios y la cúpula del edificio principal, el Low Memorial Library Building.

Vista del interior de la biblioteca asociada
El espacio de la cafetería con su intensa relación con los exteriores

Para el tratamiento de los espacios interiores más accesibles y públicos tales como, biblioteca, cafetería, etc. se recurre a diseños espaciales específicos. En la biblioteca, las grandes aberturas laterales acristaladas permiten un tranquilo acompañamiento visual de las perspectivas lejanas a través de los jardines del campus y la ciudad. Al mismo tiempo, los usuarios pueden insertarse en una red de jaulas de trabajo en madera; lo que junto al mobiliario ofrece un tratamiento recogido, en consonancia con el trabajo de estudio. Los falsos techos del mismo material acaban de conformar ahí una geometría tramada de gran calidez.

Las escaleras de acceso y comunicación con el patio central del campus introducen al visitante y usuario tanto hacia la gran cafetería abierta a doble altura como al recinto central situado a mayor altura. Este recinto de descanso y relación es un espacio abierto que se proyecta visualmente a la ciudad sobre la hendidura que permite el acceso general. La cafetería es debido a ello como una gran lámpara que se percibe como reclamo en esa esquina de Broadway y la calle 120 Oeste.

De todo lo expresado podemos concluir considerando que este proyecto es otra muestra de la gran maestría que tiene Rafael Moneo a la hora de abordar y resolver problemas complejos. Todo ello, sin perder la elegancia constructiva y formal que le aportan una larga experiencia de muchísimas obras exitosas.

Más información:

Columbia University Science Building. Moneo Brock Architects
Columbia University Northwest Corner Building.Archdaily 26/01/2011
Moneo renueva el viejo campus de Columbia. El País 14/10/2009

Edificio de Ciencias de la Universidad de Columbia. Planta del nivel de acceso

Edificio de Ciencias de la Universidad de Columbia. Plantas de cafetería y biblioteca y nivel de laboratorios

Secciones longitudinal y transversal del edificio

Detalle constructivo del sistema de aplacado diseñado para las fachadas

Emplazamiento:

Vista de la Casa del Té Boa Nova desde el acceso al edificio. Foto: Panov Scott, Flickr

En 1963, cuando apenas tenía treinta años, Álvaro Siza culminaría una de las obras que inician su brillante trayectoria como arquitecto: la Casa de [Mas información]]]> Álvaro Siza Vieira
Av. da Liberdade. Leça da Palmeira. Matosihnos, Portugal. 1963

Vista de la Casa del Té Boa Nova desde el acceso al edificio. Foto: Panov Scott, Flickr

En 1963, cuando apenas tenía treinta años, Álvaro Siza culminaría una de las obras que inician su brillante trayectoria como arquitecto: la Casa de Té Boa Nova. Este pequeño edificio junto al mar es una de las obras maestras de la arquitectura europea del siglo XX, un lugar que suele visitar todo arquitecto que va a la región de Oporto.

En la Casa de Té Boa Nova se interviene sobre un emplazamiento singular, un promontorio costero azotado por el viento y las olas llamado Cabo do Mundo. El sitio ofrece una gran belleza paisajística, una acumulación de rocas batidas por el oleaje que permite un aislamiento relativo respecto a la pequeña ciudad a sus espaldas. Por ello, la arquitectura que Siza propone se establece desde un respeto reverencial a ese emplazamiento, en el que trata de enmascararse de alguna manera.

Vista aérea de la articulación de las cubiertas. 
 
El proyecto se define planteando un recorrido de acceso que va introduciendo paulatinamente al visitante en el paisaje natural mediante una serie de plataformas y muros que zigzaguean desde la llegada al lugar. Este pequeño restaurante se diseña a la manera de casa rural costera con elementos de lenguaje provenientes de la tradición local como la cubierta de teja árabe a varias aguas. Al mismo tiempo, las referencias tipológicas relacionadas con obras relevantes de la arquitectura nórdica de la primera mitad del siglo XX son evidentes; en especial, la cita a algunos proyectos residenciales de Alvar Aalto y Eric Gunnar Asplund. Y también, el recurso a determinados elementos formales de otros arquitectos admirados como Wright e, incluso, Mies van der Rohe al que se remeda en el diseño de los grandes ventanales, para los que se emplean mecanismos de apertura similares a los de la Villa Tugenhadt de Brno. Por tanto, en este trabajo primerizo, el arquitecto portugués nos revela así cuáles son sus fuentes predilectas y cuáles son sus arquitectos admirados.

La obra en su emplazamiento. Foto: Maurizio Mwg, Flickr

La Casa de Té en el Cabo do Mundo se formaliza como una nave de una sola planta que se encaja profundamente en el macizo rocoso que existe en el sitio. Su tímida presencia queda significada por las cubiertas contrapuestas y la chimenea escultórica que sobresalen y se perciben ligeramente desde las proximidades. Todo el conjunto de piezas construidas que se añaden contribuyen a la definición de un nuevo lugar que respeta extremadamente los elementos vecinos preexistentes, la pequeña ermita, el faro lejano, el horizonte de la costa y del mar, así como las vistas del roquedal próximo.

Dibujo del arquitecto que prefigura la imagen del edificio

Vestibulo de acceso a la instalación: Foto: Eugenio Aglietti, Flickr
 
La obra va encajando en el emplazamiento con primor y se percibe la mano del diseñador y constructor en cada detalle. Como en los pavimentos exteriores, las carpinterías, la especial forma de los tejados inclinados a un agua que presentan una leve inflexión, etc. El edificio pretende disponerse casi como una alfombra removible que respeta cada roca y cada brizna de hierba, una especie de liquen que se incorpora a la colonización biológica de la agreste costa. Interpretando la planta del restaurante se observan determinados quiebros volumétricos que permiten un encaje más ajustado del edificio en el entorno. Así se atiende no solo al respeto a lo preexistente sino también a la mejor valoración de la percepción de las vistas exteriores. Mientras hacia el lado de la ciudad la construcción se plantea como una estructura muraría cerrada y muy encajada en el terreno, hacia el mar los interiores se abren totalmente mediante un frente acristalado continuo. Al mismo tiempo la articulación de las distintas cubiertas contribuye a soldar el edificio al terreno.

El planteamiento de la sección es muy interesante para entender la manera en que el arquitecto plantea el encaje en el terreno mediante un sutil escalonamiento. La transición de cubiertas superpuestas permite enfiladas visuales y entradas de luz que enriquecen notablemente el espacio interior. Desde el vestíbulo superior por el que se accede, se puede percibir ya desde casi la puerta el paisaje de rocas y el fondo marino, mientras la luz va estableciendo contrapuntos visuales en los que se introduce también la percepción del sol y el cielo.

Una corta escalera de un tramo va dirigiendo al visitante en su recorrido al gran recinto de estancia dividido en dos partes, un pequeño bar con barra abierta a las vistas de la costa hacia la ciudad y la gran sala comedor donde las mesas se disponen ordenadamente para poder disfrutar de las perspectivas cercanas sobre los apilamientos de rocas en el contorno. En ese interior intimista se puede observar también el cuidado y esforzado diseño de los elementos de carpintería. Un conjunto de panelados, tablazones y ventanales de madera de caoba oscura, cuyas formas nos rememoran elementos decorativos wrightianos. Las referencias a Frank Ll. Wright se extienden a la composición de los basamentos de hormigón, que recuerdan ideas surgidas en las llamadas Usonian Houses.

El origen del restaurante Boa Vista proviene de un concurso patrocinado por el Ayuntamiento de Matosinhos en 1956 para dotar a esta parte de la costa con un sistema de equipamientos que permitiera el aprovechamiento de la costa y, especialmente, la contemplación del espectáculo que ofrece el mar en ese punto. El encargo fue ganado por el arquitecto de Oporto Fernando Tavora. Sin embargo, un compromiso de viaje le impediría ocuparse directamente del trabajo por lo que esa responsabilidad acabaría recayendo en Álvaro Siza, que entonces formaba parte de su equipo de colaboradores y en cuya oficina trabajaba.

Texto: Federico García Barba

Plataforma exterior en contacto con el mar. Foto: Leon L, Flickr
Vista de la costa de Matosihnos desde la Casa de Té. Foto: Maurizo Mwg, Flickr

Más información:
Casa de Té Boa Nova. Álvaro Siza. Plataforma Arquitectura 03/07/2012
Crear el lugar. El restaurante Boa Nova. Ángel Melián. Profesor de Proyectos de la ETS de Arquitectura de Las Palmas de Gran Canaria

Emplazamiento:

Este complejo turístico se plantea con un exquisito cuidado en su integración en el singular paisaje de Dambulla, una región interior de la isla de Ceilán. Fue diseñado por Geoffrey Bawa entre 1991 y 1995 para albergar a los visitantes de [Mas información]]]> Geoffrey Bawa
King Kaspaya’s Citadel, Sigiriya
Dambulla, Sri Lanka (Ceilán). 1995

Este complejo turístico se plantea con un exquisito cuidado en su integración en el singular paisaje de Dambulla, una región interior de la isla de Ceilán. Fue diseñado por Geoffrey Bawa entre 1991 y 1995 para albergar a los visitantes de la cercana ciudad de Sigiriya y del complejo histórico monumental de Polonnaruwa, realizado hace más de 700 años.

El Hotel Kandalama es una propuesta a caballo entre la arquitectura y el paisajismo. Frente al planteamiento inicial del promotor, de situar el edificio muy próximo a las ruinas de la ciudad histórica, el arquitecto logró convencerle para realizar la instalación en otro emplazamiento alejado que no afectara al sitio histórico. Así, el proyecto de la intervención se basa en la ocupación de una estrecha franja de suelo en torno a una gran colina rocosa situada en una posición geográfica dominante; lo que permite vistas sobre la gran planicie existente en la que se inserta el lago de Kandalama. De esa manera, los visitantes podrían disfrutar de las hermosas perspectivas lejanas de un entorno de colinas y láminas de agua, al mismo tiempo que se preserva en su delicada integridad el monumento objeto de interés turístico.

Bawa plantea la instalación como un recorrido de revelación que tiene como punto culminante la vista lejana de la ciudadela abandonada. Al conjunto se accede por una estrecha carretera que concluye en un porche para vehículos insertado en la roca. Los visitantes entran al hotel por un pequeño pasillo cubierto, a la manera de túnel, que serpentea formando un arco que se adapta a las formas de la roca y delante de la cual se sitúan los espacios habitables del edificio.

Los volúmenes de varias plantas de habitaciones se establecen paralelamente a la línea poligonal que establece ese pasillo principal de conexión. En los puntos de rótula y giro de la planta se definen espacios mayores lo que permite una cierta expansión espacial y vislumbrar así las vistas del paisaje distante. Finalmente, los usuarios acceden a los principales espacios estanciales y de habitación que se sitúan aprovechando las distintas vistas lejanas del paisaje.

El proyecto tiene en cuenta la condición seca característica del clima de la zona. Debido a ello, las cubiertas se plantean como terrazas horizontales que tienen un buen funcionamiento en ausencia de las fuertes lluvias estacionales predominantes en otras zonas de la gran isla situada en el océano Índico.

Detalle de la conformación estructural del edificio en su fachada principal

La construcción del edificio se concibe mediante el uso de estructuras de hormigón armado, cuyas piezas -vigas, jácenas y forjados- se definen a la manera de un gran entramado de carpintería pintada de negro. El cerramiento de las fachada principales se concreta en grandes paños acristalados orientados hacia al espacio frente a la roca. Esta parte más expuesta del edificio se recubre de enredaderas y todo tipo de plantas, situadas en jardineras colgantes. La sensación de los usuarios en el interior es de completa inmersión en un entorno selvático virgen. El arquitecto consigue así una gran integración visual del edificio con su espacio natural circundante.

Los diseños interiores plantean numerosos guiños a las tradiciones locales, con una gran presencia de trabajos de artesanía, pequeñas esculturas, jardineras y fuentes de agua. Los pavimentos y numerosos elementos interiores se realizan en madera, junto con la preservación de las formas y texturas de la piedra del lugar que allí donde es necesario el edificio respeta de una manera escrupulosa.

Finalmente, plataformas de terraza y láminas de agua para distintas piscinas se van disponiendo estratégicamente en los recintos exteriores en contacto con el edificio. Para acabar de completar el efecto inmersivo, las cubiertas de las áreas comunes se rematan con pequeñas praderas de hierba, mientras los espacios reservados para el baño se colocan estratégicamente, logrando ricas relaciones visuales con el lago próximo.

El Hotel Kandalama de Geoffrey Bawa es toda una obra maestra de arquitectura que destaca por la sencillez de planteamiento funcional y la gran sabiduría de su integración paisajística. Todo un ejemplo sobre cómo encajar el uso turístico en un paisaje inmaculado, preservando la belleza del lugar y sin acarrear consecuencias ambientales negativas.

La curiosa forma en punta de flecha de la piscina principal del hotel

Más información:
Kandalama Hotel by Goeffrey Bawa. Archnet Digital Library
Kandalama Hotel in Sigiriya. A weekly dose of Architecture 02/06/2003
Geoffrey Bawa. Página sobre la obra del arquitecto de Sri Lanka

Planta y sección general del hotel Kandalama


Pasillos interiores de intecomunicación en los que se respeta la roca y la vegetación natural

Emplazamiento:

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Lecturas:

Recreación del espacio de oficinas del edificio Johnson. Dibujo de Hugh Ferris

El edificio para la empresa Johnson Wax en Racine es una de las obras cumbre del gran arquitecto americano. Un trabajo que se puede considerar la más importante pieza de arquitectura realizada [Mas información]]]> Frank Lloyd Wright
Racine. Wisconsin, EEUU. 1938

Recreación del espacio de oficinas del edificio Johnson. Dibujo de Hugh Ferris

El edificio para la empresa Johnson Wax en Racine es una de las obras cumbre del gran arquitecto americano. Un trabajo que se puede considerar la más importante pieza de arquitectura realizada en América en la primera mitad del siglo XX. Wright despliega en este proyecto una serie de ideas revolucionarias, relacionadas con la concepción estructural, los elementos constructivos aplicados y el espacio monumental generado al servicio de un entorno de trabajo adecuado al disfrute de los trabajadores y usuarios.

Vista del Johnson Wax Building desde el acceso. Imagen: Great Building Online

Como señalaría el propio Wright, “el edificio Johnson es una gran construcción que estimulará a trabajar al igual que una catedral inspira a adorar a Dios”.

Este edificio de oficinas, servicios y laboratorios está situado en la pequeña ciudad de Racine, Wisconsin, en las orillas del lago Michigan a 200 kilómetros al Norte de Chicago. Su composición se organiza en dos volúmenes articulados por un porche cubierto destinado a la entrada de vehículos y usuarios. A un lado se sitúa el gran espacio de oficinas mientras que en el extremo opuesto se articulan los espacios de servicio y almacenes, alrededor de un gran patio en cuyo centro se dispone la torre de los laboratorios como faro que puntúa el complejo.

La gran nave hipóstila destinada a albergar los servicios administrativos, tiene una altura de más de 6 metros, y en ella es posible albergar a más de 200 personas en un espacio común de trabajo. Este enorme atrio está iluminado cenitalmente y construido sobre la base de unas originales columnas de hormigón armado, que rememoran la forma de hongos o nenúfares; cabría calificar a este edificio administrativo como uno de los espacios más resonantes de la arquitectura contemporánea.

La torre de laboratorios se realizaría diez años después de que se acabara el edificio principal y adopta la forma de las pagodas, santuarios ceremoniales situados en los monasterios japoneses. Al mismo tiempo, su formalización estructural de la torre se proyecta como una gran columna central sobre la cual se apoyan las losas en voladizo que se destinan a los espacios de trabajo. Ambos conceptos, nave administrativa y torre de laboratorios, reflejan la predilección de Wright por las formas orgánicas en el despliegue de los elementos de soporte espacial.

Frente al clasicismo imperante en América en ese momento, el gran arquitecto americano ejerce aquí una aproximación diversa a la arquitectura. Algunos señalan la influencia de la arquitectura egipcia como fuente de inspiración espacial. Y así todos los espacios que componen el complejo se cierran a su entorno, generando los elementos de iluminación y ventilación de una manera no convencional. El espacio central de trabajo cuenta con aberturas cenitales acristaladas entre los peculiares hongos capiteles de las columnas, mientras que los otros recintos destinados a reunión y trabajo (incluyendo los laboratorios) se iluminan con un sistema de tubos de cristal Pirex que se curvan adaptando sus formas a la composición de esquinas redondeadas que se plantea como pauta compositiva de los volúmenes. Los cerramientos se construyen en ladrillo visto, cuya ejecución se cuida de manera extremada empleándose numerosas piezas especiales especialmente concebidas para el edificio. Los materiales elegidos para el sistema constructivo general se completa con hormigón armado en losas y columnas estructurales.

En esta obra, el arquitecto también diseñaría el mobiliario de oficinas empleando soportes tubulares y chapa de acero junto a tableros de madera. Se conforma así una intervención de interiorismo completa integrada al edificio. En esta parte del esfuerzo proyectual se aportarían diferentes piezas desde mesas, armarios, sillas y lámparas hasta alcanzar 48 modelos diferentes.

El edificio Johnson Wax es un trabajo de madurez -realizado por Wright cuando tenía ya más de setenta años- en una etapa en la que tenía poco trabajo y se dedicaba esencialmente a la enseñanza de la arquitectura a un reducido grupo de discípulos. Sería en ese momento, a mediados de la década de los 30 del siglo XX, cuando el joven Herbert Johnson le encargaría esta obra con el objetivo de lograr una imagen renovadora y moderna para su empresa de productos de limpieza. Se lograría así una obra de una gran belleza difícilmente replicable y que, sin embargo, ha inspirado el diseño de numerosos proyectos posteriores dedicados a oficinas y espacios administrativos.

El crítico americano Kenneth Framptom hace una curiosa reflexión sobre el edificio Johnson y otros edificios públicos de Wright: Casi todos ellos tienen una relación introspectiva en relación a su entorno. Es algo que ocurre por ejemplo, tanto en el edificio Larkin, como en la Iglesia Unitaria y el Museo Guggenheim. Construcciones a la manera de fortalezas contemporáneas, que no tienen huecos hacia el exterior desde los cuales se pueda percibir el carácter del espacio alrededor. Framptom lo achaca a un planteamiento romántico del arquitecto en relación al paisaje natural y a su conocido rechazo visceral a la ciudad americana realmente realizada. Para Lloyd Wright, ante unas arquitecturas anodinas solo cabe el retraimiento de la propia arquitectura. 

Más información:
Edificio Johnson Wax. WikiArquitectura
Johnson Wax Headquarters. Wikipedia
Frank Lloyd Wright and the Johnson Wax Buildings. Jonathan Lipman

Frank Lloyd Wright Johnson Wax Administrative Building. Un documental de Frédéric Compain. YouTube

Planos:

Perspectiva original del conjunto elaborada por Frank Lloyd Wright.  Frank Lloyd Wright Archives

Planta general de la obra inicial  sin la torre de laboratorios

Sección longitudinal del complejo completo
Vista aérea del complejo de la Johnson Wax Co.
El espacio principal de oficinas. Imagen: Mindsimedia, Flickr

Vestíbulo de acceso con el busto en bronce de Herbert Johnson. Imagen: United States Librarý of CongressImagen

Accesos al edificio.  Mindsimedia, Flickr 

Pasillo de comunicción en bóveda cubierto con los característicos tubos de vidrio PIREX.  Imagen: Chicagogeek, Flickr

Mobiliario del puesto de  trabajo  diseñado por Frank Lloyd Wright. Imagen:  Formul Ru

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Balkrishna Doshi es un arquitecto indio representativo de la síntesis cultural entre Oriente y Occidente. Habiendo trabajado con Le Corbusier y Louis Kahn ha explorado durante décadas las tradiciones culturales de su vasto país intentando integrar ambos mundos en su investigación sobre una forma [Mas información]]]> Balkrishna Doshi
Drive-in Road. Ahmedabad, Gujarat. India, 1981

Balkrishna Doshi es un arquitecto indio representativo de la síntesis cultural entre Oriente y Occidente. Habiendo trabajado con Le Corbusier y Louis Kahn ha explorado durante décadas las tradiciones culturales de su vasto país intentando integrar ambos mundos en su investigación sobre una forma de ejercicio local de la arquitectura.
El proyecto de Sangath, destinado a albergar su propia oficina profesional, y que construiría entre 1979 y 1981, es la mejor explicación de este esfuerzo de búsqueda de una expresión contemporánea del espacio adecuada para el arte de una nación concreta. Casi un emblema personal de la arquitectura necesaria para un país específico.

Las ideas espaciales de ese edificio se remontan a las propuestas finales del último Le Corbusier y, especialmente, aquellas que realizaría a mediados del siglo XX en ese subcontinente. Un momento en el que el arquitecto suizo estaba empeñado en entender las condiciones locales que pautan la construcción en diferentes partes del mundo como manera de superar un internacionalismo que se había vuelto castrante. En el caso del edificio de Doshi, se trata de una arquitectura de bóvedas apoyadas en largos muros longitudinales que tiene su precedente en la Casa Sarabhai, construida en la misma ciudad de Ahmedabad en 1955.

Trabajos en los que se exhiben los materiales cercanos en su condición más directa, arcillas, cementos, maderas, etc. En India, la espacialidad arquitectónica debe dar respuesta a la fuerte intensidad del soleamiento y, en algún caso, a la densa humedad ambiente que genera una vegetación lujuriante. La relación posterior de Doshi con Kahn derivaría también en la necesidad de proveer a los lugares creados con un sentido de institución común.

El arquitecto de Sangath buscaría su inspiración en el rico y denso pasado de la India, un crisol de culturas y tradiciones diversas. Para él, la arquitectura de cada momento debe trascender las diferentes influencias estilísticas, heredadas y contemporáneas, para entender la cosmogonía inherente por encima de los aspectos formales y de superficie. Aquello que se refiere a las profundas condiciones que incorpora cada lugar y han ido siendo acumuladas por generaciones y generaciones de constructores antecedentes.

En Sangath plantea una estructura de  terrazas y plataformas exteriores que dan acceso a un recinto semienterrado cubierto con largas bóvedas de cañón, recubiertas con azulejo troceado blanco y que se apoyan en anchos muros de contención y de carga. Los ejes lineales de estos espacios abovedados umbrosos se organizan paralelos a los límites rectangulares de la parcela. El visitante y usuario se ve obligado a seguir un recorrido diagonal de acceso desde el espacio de entrada en el que se ha provisto un gran aparcamiento. Esta marcha sesgada sirve como preámbulo de la imponente presencia de árboles, praderas y flores. Además la constante introducción del rumor refrescante del agua recorre todos los espacios visitables. Un pequeño anfiteatro formado en la hierba establece el punto de encuentro comunal, el espacio institucional necesario que precede a los interiores. Ahí, se impone una estructura de recintos laberínticos y pequeños que se contrapone a la contemplación de las grandes bóvedas, permitiendo un ambiente rico de luces y sombras controladas que atenúan el fuerte deslumbramiento natural característico de la región.

Esta gran oficina es un pequeño microcosmos, un sueño personal de Doshi, que remeda a un pequeño poblado, un lugar de encuentro para los que tienen las mismas inquietudes y objetivos personales. En este caso, la producción profesional de arquitectura y ciudad. Aquí, la luz, la vegetación y el agua adquieren un papel de compañeros esenciales de la arquitectura.

Hoy, Balkrishna Vithaldas Doshi es uno de los arquitectos más importantes de la India. A mediados del siglo XX comenzaría su vida profesional trabajando en el Atelier de Le Corbusier en París. Posteriormente, fijaría su residencia en la ciudad de Ahmedabad, en el estado de Gujarat, para supervisar los grandes proyectos que el arquitecto suizo realizaría en esa y otras zonas del inmenso país asiático. También colaboraría con Louis I. Kahn -con el que llegaría a tener una gran amistad- en la construcción del Indian Institute of Management (Instituto Indio de Gestión Empresarial), que se haría en esa misma ciudad en 1961.

Doshi es un brillante profesional que ha renunciado en gran medida al lustre del reconocimiento colectivo internacional en aras de realizar una arquitectura en armonía con las condiciones sociales y económicas de su país. Su arquitectura quiere tener una relevancia más allá de la duración de su propia vida y del sistema de valores actual, un trabajo que busca expresar humildad y anonimato como condiciones éticas fundamentales.

Más información:
Doshi’s Sangath in Ahmedabad. Udo Kultermeann
Sangath. Great Buildings Online
Sangath por Balkrishna Doshi. ArchDaily Classics

Vista del edificio desde el punto central del recorrido de acceso a través del jardín

La constante presencia del agua en movimiento acompañando a los edificios. Foto: Pankaj Shah

El sistema de bóvedas semienterradas dispuestas a varias alturas entre la vegetación del jardín. Foto: Sarvesh Srinivasan

Planos:
Planta general del complejo de oficinas
Sección constructiva transversal

Miniatura realizada al estilo indio en el que el arquitecto expresa el sistema de recorridos previstos para el agua.

Sala de trabajo interior en la actualidad. Foto: Arnout Fonck, Flickr


doshi from Rebecca-b-Levin.com on Vimeo.
En este video de la cineasta Rebecca Levin se introduce su filosofía de trabajo y sobre la arquitectura a partir de la presentación de su propio estudio que llama Sangath, y cuya intención básica es, en sus propias palabras, lograr moverse juntos participando todos.

Emplazamiento:

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Libros:

Una comprometida obra de arquitectura que se sitúa en uno de los entornos naturales más grandiosos del planeta, el Parque Nacional de las Torres del Paine en la Patagonia chilena.

Este hotel destinado a la práctica de turismo [Mas información]]]> Cazú Zegers
Lago Sarmiento, Torres del Paine
XII Región. Chile. 2011

Una comprometida obra de arquitectura que se sitúa en uno de los entornos naturales más grandiosos del planeta, el Parque Nacional de las Torres del Paine en la Patagonia chilena.  

 Este hotel destinado a la práctica de turismo de naturaleza es una inserción edificada en un espacio paisajístico sumamente delicado, el espectacular, el borde del lago Sarmiento, el extremo sur de la cordillera de Los Andes a caballo entre Chile y Argentina.

 El proyecto se plantea desde un diálogo amable con un entorno áspero y de grandes contrastes en los que tienen una influencia decisiva la presencia de vistas impresionantes, vegetación escasa, condiciones climáticas extremas y un borde acuático sinuoso. La composición de planta atiende a esta última condición y se despliega siguiendo un patrón de curvas suaves que se acomodan a este límite natural entre la tierra y el agua. Sus espacios interiores se abren hacia el exterior orientándose panorámicamente hacia las vistas lejanas de la cordillera nevada al otro lado de la gran lámina de agua del lago.

 Ese mismo carácter áspero y austero del territorio en que se inserta la obra inspira la utilización predominante de la madera como material de construcción de esta pieza. Un recurso sensible a la sostenibilidad, el reciclaje y el menor impacto ambiental.

 Los interiores caracterizados por las largas tablazones de madera contribuyen a la generación de una sensación de fluidez espacial y a la integración sencilla con el exterior. Su construcción en una sola planta y el uso de elementos y materiales constructivos próximos contribuye a una inserción arquitectónica en un entorno muy sensible. No obstante, el edificio no renuncia en su lenguaje a expresar a su condición de artefacto artificial situado en un entorno natural con el que busca un diálogo fluido y en contrapunto. Sus formas cimbreantes y, sobre todo, su cubierta a la manera de ala de avión ofrecen así un contraste enriquecedor respecto a lo preexistente. Un gesto que genera un lugar nuevo y artísticamente significativo; es decir, una forma inteligente de entender la relación contemporánea con lo natural.

La adecuación paisajística de las texturas y colores de los materiales empleados

La relación de la cubierta con la imponente presencia del paisaje montañoso

Espacio interior caracterizado por la presencia masiva y cálida de la madera

La fluidez espacial de los espacios interiores en relación con el exterior

La riqueza volumétrica y espacial de los espacios comunes

Austeridad y exquisitez en el diseño de los interiores

Planos:

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El edificio Lloyds es la sede de esta empresa dedicada al mercado de seguros, situada en la zona financiera londinense. El proyecto para estas oficinas fue ganado por unos jóvenes arquitectos en 1977, que hicieron un convincente planteamiento estratégico [Mas información]]]> Richard Rogers Partnership
1 Lime Street  Londres.Gran Bretaña. 1978-1986

El edificio Lloyds es la sede de esta empresa dedicada al mercado de seguros, situada en la zona financiera londinense. El  proyecto para estas oficinas fue ganado por unos jóvenes arquitectos en 1977, que hicieron un convincente planteamiento estratégico y con una visión de futuro para esta institución clave en la City supuso una respuesta que no solo considera aspectos estrictamente arquitectónicos.

 El edificio se sitúa en una parcela de forma irregular de la que se separa de los límites, de manera que en planta el cuerpo central es un rectángulo al que se le adosan en los laterales tres torres principales y tres torres de servicios. El punto central en el que se focaliza la visión en planta del edificio se encuentra ocupado en la planta baja por la famosa campana Lutine. Esta centralidad se remarca con el espacio vacío que se libera, creando un atrio iluminado de 60 metros de altura cubierto por una gran bóveda de vidrio suspendida de una estructura metálica formada por cerchas tubulares pintadas de blanco. En este espacio se encuentran unas escaleras mecánicas que comunican las cuatro primeras plantas del inmueble, de manera que al resto de plantas superiores sólo se puede acceder mediante los ascensores exteriores dispuestos en los núcleos de comunicación.
La estructura tiene una concepción radical y revolucionaria. Su mayor merito es que fue creada para una empresa con trayectoria muy conservadora, con el objetivo de generar un cambio importante en Lloyd´s. La empresa solicitaba también un edificio que pudiera satisfacer sus necesidades hasta bien entrado el siglo XXI.
La construcción se revistió en su mayor parte de acero inoxidable. Debido a  ello, a medida que  el edificio tomaba forma,  fue preciso atender con especial cuidado su implantación e impacto en el entorno urbano de esta zona, especialmente en relación al Mercado Leadenhall ( un edificio histórico protegido). Rogers tomo como base  inspiradora el edificio Larkin de Frank Lloyd Wright  otorgándole a ese concepto espacial un apariencia aun mas futurista.
Este proyecto es uno de los grandes logros de la arquitectura realizada en la década de los ochenta del siglo XX. Una de las obras que posicionó a Rogers entre los arquitectos más vanguardistas  del momento. En años posteriores y una vez finalizado, recibiría innumerables galardones como el premio regional que concede el Royal Institute of British Architects,el del Civic Trust,  etc.

Referencias:
Obra detallada en Wikiarquitectura :
Biografía del Arquitecto:
Video infografico del banco-Cesar Cobos:

Planos/Imagenes:

 Localización:

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